Die 20 größten Tenöre aller Zeiten

April 20, 2021admin

Ob sie dramatisch Drachen in Wagner erschlagen, lyrisch Prinzessinnen in Puccini ein Ständchen bringen, anmutig in Schubert gleiten oder sogar für die Ohnmächtigen im Fernsehen trällern, Tenöre fesseln die Fantasie wie kein anderer Sänger. Es ist leicht zu erkennen, warum.

Sie sind diejenigen, die normalerweise den agilen, athletischen Helden spielen, während der arme alte Bass als der große, grüblerische Bösewicht gecastet wird. Hinzu kommt die publikumswirksame stimmliche Bravour dieser hohen Bs und Cs, während außerhalb des Opernhauses seit langem die sanften und seidigen Tenöre als die Stimmen der Romantik gelten.

Aber wer sind die besten Vertreter der Tenorkunst aller Zeiten? Wer hat die größte Kraft, Reichweite, Anmut und Flexibilität gezeigt? Im Jahr 2008 haben wir eine Expertenjury gebeten, die Sänger zu wählen, die sie für die größten Tenöre aller Zeiten halten. Stimmen Sie mit ihrer Wahl überein?

20. Sergey Lemeshev (1902-1977)

Als einer der Star-Tenöre des Bolschoi in der Mitte des 20. Jahrhunderts kombinierte Lemeshev eine außerordentlich jugendlich klingende Stimme – auch noch in den späten Jahren seiner Karriere – mit einem Grad an Charakterisierung, der von den meisten seiner Zeitgenossen nicht erreicht wurde.

Zwei bemerkenswerte russische Tenöre dominierten in den 1930er und 1940er Jahren die sowjetische Bühne. Sergey Lemeshev und Ivan Kozlovsky, die nur zwei Jahre auseinander geboren wurden, teilten ihre Fans in die rivalisierenden Gruppen der Lemeshistki und Kozlovityanki.

Beide besaßen hohe lyrische Stimmen von großem Rang, eine nach vorne gerichtete Platzierung und eine tadellose Diktion, obwohl Lemeshev mit dem Aussehen eines Matinee-Idols gesegnet war und als Herzog in Rigoletto den größeren Schwung zeigte.

Auch in seiner Paraderolle, dem Dichter Lenskij in Tschaikowskis Eugen Onegin, die er über 500 Mal sang, hatte er den romantischen Vorteil gegenüber seinem Rivalen. Es gibt rührende Filmaufnahmen der beiden Männer, die eine speziell umgeschriebene Version der Arie des ersten Aktes als Geburtstags-Hommage an Tschechows Witwe Olga Knipper singen, und beide Tenöre können auf der Leinwand in Lenskijs berühmtem Klagelied verglichen werden.

Lemeshevs Interpretation in der 1956 entstandenen Gesamtaufnahme der Oper zeigt die Stimme noch bemerkenswert jugendlich und frisch, und er sang sie zum letzten Mal im Alter von 70 Jahren. Guter Geschmack und tadellose Musikalität zeichnen zwei Cameo-Rollen in Rimski-Korsakow-Opern aus, den indischen Gast in Sadko und Zar Berendey in Das Schneemädchen.

David Nice

In seinen eigenen Worten: ‚Ich habe Alfredo seit Jahren nicht mehr gesungen. Aber ich möchte ihn unbedingt wieder singen, wenn auch nur einmal…‘ (Lemeshev, 63 Jahre).

Sechs der besten Bratschisten
Ein Interview mit dem Dirigenten Long Yu

19. Wolfgang Windgassen (1914-1974)

Als Heldentenor in einer neuen, leichteren Form dominierte Windgassen die Wagner-Bühne der Nachkriegszeit.

Wolfgang Windgassen trat in die Fußstapfen seines Vaters, der ebenfalls Tenor war und bei dem er studierte, und arbeitete an der Stuttgarter Oper zunächst als Sänger und ab 1972 bis zu seinem Tod zwei Jahre später als Regisseur. Obwohl er für seine Wagner-Rollen berühmt war, debütierte Windgassen 1941 als Don Alvaro in La forza del destino.

In Bayreuth sang er große Tenorrollen und war der Siegfried in Soltis Ring-Aufnahme der 1960er Jahre für Decca. Obwohl seiner Stimme die baritonale Resonanz anderer Vorkriegsgrößen fehlte, machte ihn sein exquisiter Ton zu einem der meistgeschätzten Wagner-Sänger seiner Generation. Sein Siegfried im berühmten Decca-Ring ist in seiner Stärke und Zerbrechlichkeit unvergesslich.

Jan Smaczny

In seinen eigenen Worten: ‚Gott, welch‘ dunkles Bier‘ – Windgassen über seinen raschen Bühnenabgang aus Beethovens Oper Fidelio mit einer Magenverstimmung.

Sechs der besten Baritone
Eine Kurzanleitung zu Prelude à l’apres-midi d’un faune

18. Alfredo Kraus (1927-1999)

Als Synonym für lyrische Raffinesse war Kraus ein beständiger Favorit für Kenner des Belcanto und des französischen Repertoires.

Selbst im Alter von 50 Jahren konnte Alfredo Kraus das Publikum in Covent Garden in Verdis La traviata begeistern. Seine Geheimnisse waren eine warme, mühelose Technik, eine makellose Diktion, eine edle Haltung und eine Intelligenz, die jeden Aspekt seiner Kunst prägte.

Er kam erst spät zur Oper – nachdem er in seinem Heimatland Spanien eine Ausbildung zum Industrieingenieur absolviert hatte – und stieg zum Star auf, als er 1966 an der Metropolitan Opera als Herzog in Verdis Rigoletto neben Maria Callas und Joan Sutherland debütierte.

Die Eleganz seines Stils machte ihn zum idealen Darsteller für Donizetti und Bellini, und später spezialisierte er sich auf Massenet, insbesondere auf die Rolle des Werther. Aber auch als Ferrando in Karl Böhms klassischer Einspielung von Mozarts Così fan tutte und in den Genüssen der spanischen Zarzuela war er großartig. Er wird heute eher vernachlässigt – und leidet unter der Streichung von Aufnahmen aus seinem Katalog -, aber er bleibt ein überragender Tenoraristokrat.

Geoffrey Smith

In seinen eigenen Worten: ‚Ein Sänger ist mehr als ein Sänger, er ist ein Künstler, und er ist sogar mehr als ein Künstler, er ist ein Maestro.‘

Sechs der besten Opernabschiede
Sechs der besten Arvo Pärt-Aufnahmen

17. Anthony Rolfe Johnson (1940-2010)

Der englische Tenor Anthony Rolfe Johnson kam erst spät zum Singen, aber sein natürliches Talent, gepaart mit großer musikalischer Intelligenz, führte zu einer großen Karriere.

Anthony Rolfe Johnson war einer der ehrlichsten Sänger, die es gibt – über seine Stimme zum Beispiel: „Sie ist nicht groß, aber kraftvoll und kompakt, voller Energie, und das ist eine große Waffe. Ich würde noch weiter gehen – sein Gesang ist viril, leidenschaftlich, aber auch makellos musikalisch, mit einem wunderbaren Sinn für Timing, das den Zuhörer verführt.

Und sein völliges Eintauchen in jede Figur, die er je interpretiert hat, von anspruchsvollen Opernrollen bis hin zur einfachsten Ballade in einem Songmaker’s Almanac-Konzert, bedeutet, dass jede Aufführung eine neue Freude ist – für ihn und für uns.

Ich werde nie seine Darbietung in Monteverdis Rückkehr des Odysseus an der English National Opera vergessen: intensiv bewegend und eine unaufdringliche Meisterklasse im Monteverdischen Stil. Hören Sie sich seine CD In Praise of Woman (beim Helios-Label: CDH 55159) an – jedes Lied wird von seiner einzigartigen Mischung aus Leidenschaft, Zärtlichkeit und schierer Schönheit der Stimme erhellt.

Catherine Bott

In seinen eigenen Worten: ‚Um fünf Uhr höre ich auf zu arbeiten und werde Vater – ich glaube nicht daran, der Starsänger zu sein, der nur zu Hause „vorbeischaut“.‘

Sechs der besten Cellisten
Die besten von der Liebe inspirierten Musikstücke

16. John McCormack (1884-1945)

In seiner über 40 Jahre währenden Karriere sang und nahm McCormack Opern, Oratorien, Lieder, populäre Songs und Volkslieder aus seiner irischen Heimat auf.

Nach dem Tod von Caruso im Jahr 1921 sollte Count John McCormack der nächste Tenor-Superstar werden – seine Plattenverkäufe übertrafen sogar die von Caruso.

Der Pianist Gerald Moore bemerkte, dass McCormack es ablehnte, im Aufnahmestudio zu viel zu proben oder Wiederholungen zu machen, und die Ehrlichkeit des Live-Auftritts vorzog. McCormacks Hinterlassenschaft zeigt einen Künstler, der eine makellose Technik mit Spontaneität, Charme mit Bescheidenheit verband. Es war seine Gabe, das Wesentliche eines Textes – sei es eine italienische Oper oder eine irische Ballade – zu vermitteln, die seine Anziehungskraft so universell machte. In den Worten des US-Kritikers Max de Schauensee: „Er konnte eine Geschichte erzählen. Er konnte Bilder malen.‘

Kate Bolton-Porciatti

In seinen eigenen Worten: ‚Ich mag es, in meinem Leben herumzuspringen, je nach Lust und Laune. Ich glaube nicht an diese ganze pedantische Ordnung der Dinge.‘

Sechs der besten unbekannten Weihnachtslieder
5 Komponisten mit Synästhesie

15. Franco Corelli (1921-1976)

Franco Corelli trat das Erbe von Caruso und Gigli an und wurde zum vielleicht größten italienischen Tenor der 1950er und 60er Jahre.

Die Kombination aus groß, dunkel, gut aussehend und im Besitz einer Tenorstimme der Superlative ist in der Opernwelt selten, aber Corelli hatte alles (sein Spitzname „goldene Schenkel“ gibt einen Eindruck von seinem Sexappeal).

Wenn man seine Stimme heute hört, kann sie altmodisch wirken, ein Rückfall in eine frühere Ära, mit einem schnellen Vibrato und einer Tendenz zur Angeberei. Er hielt hohe Töne weit über ihren eigentlichen Wert hinaus (z. B. 12 Sekunden für den großen Schrei „Vittoria!“ während einer Tosca in Covent Garden), und einige Kritiker missbilligten das, was sie als „billige Effekte“ bezeichneten.

In den Aufnahmen und in zeitgenössischen Berichten schimmern jedoch seine Qualitäten als Sänger durch: eine dunkle, glänzende Stimme mit einer reichen Palette von dick aufgetragenen Farben, die es ihm ermöglichte, die psychologischen Tiefen in den großen Verdi- und Puccini-Rollen zu erkunden.

Ashutosh Khandekar

In seinen eigenen Worten: ‚Viele, die unterrichten, bringen ihre Schüler dazu, ihre Stimmen bis zum Ruin zu forcieren‘

Sechs der besten Komponisten mit Multitalent
Eine Einführung in Debussys Pélleas et Mélisande

14. Peter Schreier (*1935)

Peter Schreier, der vielleicht raffinierteste der leichteren Tenöre der Nachkriegszeit, wird für die Überzeugungskraft seiner Opernrollen, seine Aufrichtigkeit in der religiösen Musik und seine Intelligenz im Lied geschätzt.

Als Chorsänger im Dresdner Keruzchor galt sein Interesse zunächst der geistlichen Musik, insbesondere den großen Evangelistenpartien in den Bachschen Passionen und dem Weihnachtsoratorium; sein letzter Auftritt als professioneller Sänger war 2005 in Prag als Evangelist im Weihnachtsoratorium, das er auch dirigierte, im Alter von 70 Jahren.

Seine Opernkarriere begann 1959 mit der Rolle des ersten Gefangenen in Fidelio, blühte aber schnell auf mit Engagements an der damaligen Ostberliner Staatsoper, der Wiener Staatsoper, den Salzburger und Bayreuther Festspielen. Obwohl er vor allem für Mozart-Partien wie Belmonte und Tamino geschätzt wurde, behielt er seine Liebe zu Bach bei. Schreier war auch einer der besten Liedsänger seiner Generation; seine Aufnahme von Schuberts Die schöne Müllerin aus dem Jahr 1991 ist bemerkenswert für ihre ungezwungene Einsicht.

Jan Smaczny

In seinen eigenen Worten: ‚Es muss wie eine Fahrt über den Bodensee sein, man muss es tun, ohne Angst zu zeigen.‘ (Schreier über das Koloratur-Alleluja aus JS Bachs Kantate 51)

Sechs der besten Vertonungen von Shakespeares Romeo und Julia
Was passiert in Strawinskys Der Feuervogel?

13. Juan Diego Flórez (*1973)

Der neue Pavarotti? Juan Diego Flórez strahlt mühelosen Charme aus, während seine erstaunlichen stimmlichen Fähigkeiten von Kritikern und Publikum gelobt werden.

Er stahl die Show bei der Last Night of the BBC Proms 2016 und begeisterte dort ebenso wie an den Opernhäusern weltweit. Seine wunderbare Reinheit des Tons und seine atemberaubende Virtuosität machen seinen Gesang unwiderstehlich, gepaart mit gutem Aussehen und Freude an der Darbietung.

Seine Fähigkeit, selbst die abgestumpftesten Operngaumen zu stimulieren, zeigte sich im vergangenen Jahr, als das berühmt strenge Publikum der Scala entgegen einer eisernen Tradition eine Zugabe von „Oh, mes amis“ aus Donizettis La fille du régiment mit seiner heroischen Sequenz von neun hohen Cs forderte. Da das Stück eine Spezialität von Flórez‘ Held, dem verstorbenen Luciano Pavarotti, war, vermittelte der Beifall unweigerlich das Gefühl, dass die Fackel weitergereicht wurde.

Geoffrey Smith

In seinen eigenen Worten: Wenn du dich entspannt und wohl fühlst, fühlst du, was du singst. Und dann kommuniziert man einfach. Und das ist der schönste Moment, denn das Publikum kann spüren, was man wirklich fühlt.‘

Sechs der besten großen Werke mit Chorälen darin
Die beste klassische Musik für den Frühling

12. Carlo Bergonzi (1924-2014)

Viril und doch elegant, leidenschaftlich und doch intelligent, vor allem aber menschlich: Bergonzi galt vielen als der größte Verdi-Tenor der Mitte des 20. Jahrhunderts.

Nach seinem Debüt als Bariton im Jahr 1948 nahm Bergonzis internationale Karriere als Tenor in den 1950er Jahren Fahrt auf, als er langfristige Verbindungen mit der Metropolitan, der Scala und Covent Garden einging. Seine 1976 für Philips entstandene Drei-Disc-Aufnahme von Verdis Tenorpartien ist ein Meilenstein, ebenso wie die Gesamtaufnahmen von Radames, Alfredo und dem Herzog von Mantua.

Auf der Bühne war er steif und schlicht: ‚Ich weiß, dass ich nicht wie Rudolph Valentino aussehe, aber ich habe versucht, durch die Stimme schauspielern zu lernen.‘ Dank seiner Beherrschung des Atems und der Farbe der Worte konnte er die heißblütigen Canio und Cavaradossi ohne das übliche Schlucken und Stöhnen darstellen. Heute, in seinen Achtzigern, unterrichtet Bergonzi und leitet ein Hotel in Verdis Geburtsort Busseto.

Howard Goldstein

In seinen eigenen Worten: ‚Die Technik ermöglicht es einem Künstler, ein Niveau zu erreichen, bei dem es unmöglich ist, zu erraten, welche Qualitäten erworben und welche angeboren sind.‘

Ein Interview mit dem Choreographen Matthew Bourne
Die 20 größten Sopranisten aller Zeiten

11. Tito Schipa (1888-1965)

Der als wahrer „tenore di grazia“ gepriesene Schipa verzauberte das Publikum eher mit stimmlicher Klarheit, musikalischer Subtilität und interpretatorischer Eleganz als mit einem technischen Feuerwerk.

Nur wenige Tenöre haben aus relativ wenig so viel gemacht wie Tito Schipa. Eher begrenzt in Umfang und dynamischer Breite, sogar ohne ein besonders attraktives Stimmtimbre, besaß er dennoch die größte Gabe von allen – die Fähigkeit, eine Gesangslinie zu bilden und sie in jeden Winkel eines verzückten Saals zu projizieren. Im lyrischen Belcanto-Repertoire herrschte er mit einem exquisiten Sinn für Schattierungen, Nuancen und Rubato sowie einer wunderbaren Diktion, die jeden Vokal zum Sprechen zu bringen schien, überragend.

Als weltweiter Superstar wurde er in Amerika zu einem vollwertigen Matinee-Idol, das ihm sogar seine faschistischen Sympathien während des Zweiten Weltkriegs verzieh. Seine klassische Version von Donizettis ‚Una furtiva lagrima‘ bleibt eine Lektion für jeden Sänger und eine ausdrucksstarke Tour de Force, gekrönt von dem perfekt dosierten, ohnmächtig machenden Diminuendo, das ein Markenzeichen von Schipa war.

Geoffrey Smith

In seinen eigenen Worten: ‚Ich habe meine Stimme nie gezwungen. Ich habe nie gesungen, was ich nicht singen konnte. Das ist mein einziges Geheimnis.‘

Sechs der besten Last Nights of the Proms
Die besten Aufnahmen von Allegris Miserere

10. Peter Pears (1910-1986)

Sir Peter Pears wird immer für seine lebenslange Partnerschaft mit Benjamin Britten in Erinnerung bleiben, dessen beste Musik er inspiriert hat.

Meine Eltern mochten Brittens Musik, und ich bin damit aufgewachsen, dass ich jedes Detail der Raffinesse und des Witzes, die Peter Pears in die Folk Songs einbrachte, den Heroismus seines St. Nicholas und vor allem die gequälte Jenseitigkeit von Peter Grimes kennen und lieben gelernt habe. Pears und Britten waren 40 Jahre lang ein Paar – sie gründeten die English Opera Group und das Aldeburgh Festival und entwickelten eine unübertreffliche Konzertpartnerschaft.

Pears‘ Klang gefällt nicht jedem, aber seine Kunst ist unbestreitbar: Britten liebte es, dass er „jede Nuance subtil und niemals übertrieben“ wiedergab. Es war seine Stimme, die Britten zur Komposition von Opern inspirierte, und seine Spiritualität und Gelehrsamkeit, die so viel zu Werken wie den Holy Sonnets von John Donne beitrugen.

Er hätte auch ohne Britten Karriere gemacht – er war schon lange vor Peter Grimes ein überzeugender und erfolgreicher Operninterpret – aber ohne Pears hätten wir einige der besten Werke, die je für Tenor geschrieben wurden, nicht. In seiner Kunst ging es natürlich nicht nur um Britten – Klemperers Einspielung der Matthäuspassion, die heute so unmodern ist, wird von Pears‘ Evangelist dominiert (aber nie überwältigt). Und er liebte es, Dowland zu singen, dessen Lieder, wie er sagte, „mit einer sanften, silbernen Traurigkeit gefärbt“ waren – ein vielsagendes Bild.

Catherine Bott

In seinen eigenen Worten: ‚Peter Grimes ist nicht die heroischste Titelrolle in der ganzen Oper. Er ist kein Don Giovanni oder Otello, und je mehr Glamour man auf seine Darstellung verwendet, desto weiter entfernt man sich von dem, was der Komponist wollte.‘

– Lesen Sie mehr: Pears und Britten

Sechs der besten klassischen Gitarristen
Musiker, die die Musik auswendig können

9. Nicolai Gedda (1925-2017)

Geddas Intellekt, sein Stil und seine Sprachkenntnisse machten ihn zum vielseitigsten und meistgespielten Künstler seiner Zeit.

Im Jahr 1952 hörte Walter Legge einen jungen schwedischen Tenor vor und telegrafierte seinen Kontakten: „Ich habe gerade den größten Mozart-Sänger meines Lebens gehört: Er heißt Nicolai Gedda.

Der ehemalige Bankangestellte wurde rasch für Dobrowens klassische Boris-Godunow-Aufnahme engagiert, die 1953 von Häusern in ganz Europa aufgekauft wurde. Doch Legge konnte kaum ahnen, dass seine Entdeckung zum vielseitigsten und beständigsten Tenor der Nachkriegszeit werden würde, der in Repertoires von den furchterregenden Höhen von Bellinis I Puritani bis zu den Heldentaten von Berlioz‘ Benvenuto Cellini und Wagners Lohengrin triumphierte und rund 200 Aufnahmen machte – die letzte erst 2003.

Nicolai Harry Gustav Gedda Ustinov besaß einen elegant lyrischen Klang, der durch eine geschliffene Diktion noch verstärkt wurde. In den 1970er Jahren, als ich ihn erlebte, war sein ehemals klares oberes Register etwas angestrengt, aber er kompensierte dies auf bewundernswerte Weise mit Stil und Inbrunst. Als vielseitiger Intellektueller brachte Gedda ernsthafte Gedanken in seine Rollen ein.

Michael Scott Rohan

In seinen eigenen Worten: ‚Wem Gott eine schöne Stimme gegeben hat, dem obliegt auch die Pflicht, sie auszubilden und zu pflegen.‘

Sechs der besten Wunderkinder
Ein Interview mit der Organistin Anna Lapwood

8. Jon Vickers (1926-2015)

Als Heldentenor von einzigartiger Autorität und Komplexität prägte Vickers seinen individuellen Ansatz in einer Reihe von Darstellungen, die eine spirituelle Ebene anstrebten.

Es war sein Vorsingen in Covent Garden im Jahr 1957, das den Kanadier Jon Vickers auf die Bühne brachte. Zu seinen ersten Rollen gehörten Gustavo in Verdis Un ballo in maschera, Don José in Bizets Carmen und die Titelrolle in der historischen Visconti/Giulini-Produktion von Verdis Don Carlos; aber das Potenzial seiner Stimme, die anspruchsvollsten Rollen des Repertoires zu übernehmen, führte ihn zu Berlioz‘ Aeneas, Beethovens Florestan und Wagners Siegmund, Parsifal und Tristan sowie Brittens Peter Grimes – eine Rolle, die er effektiv neu definierte.

Mit seiner dramatischen Präsenz und seinem bronzenen Ton, der jedes Orchester überraschen konnte, wurde Vickers zum bevorzugten Tenor für solche Rollen in Bayreuth, Wien, der Met und anderen führenden Häusern.

Ein Schauspieler von vulkanischer Kraft – er war wohl der einzige Tenorpartner, in dem Maria Callas einen ebenbürtigen Partner fand, als er in Cherubinis Oper den Jason zu ihrer Medea sang – Vickers‘ Kunst beruhte auf philosophischen und religiösen Überzeugungen; er zog sich von einer Inszenierung von Wagners Tannhäuser mit der Begründung zurück, das Werk sei Blasphemie. Sein Canio und Otello waren erschreckend, sein Grimes eine erschütternde Studie der Ablehnung, sein Tristan unerträglich bewegend.

George Hall

In seinen eigenen Worten: ‚Wann immer ein Künstler seine Augen vom Höchsten abwendet… von dem, was ich „das Ewige“ nennen würde, dann vermindert er sich selbst, und die Qualität seiner Kunst wird dadurch gemindert.‘

Fünf der besten walisischen Komponisten
Die besten klassischen Werke für Saxophon

7. Beniamino Gigli (1890-1957)

Gigli war der führende italienische Tenor der Zwischenkriegszeit, gesegnet mit einem honigsüßen Ton und einer leichten Art, die ihn zum „Volkssänger“ machte.

Gigli wurde 1890 in der kleinen italienischen Stadt Recanati geboren und begann als Chorsänger, bevor er in Rom eine Gesangsausbildung erhielt. Nach seinem erfolgreichen Debüt 1914 in La Gioconda war er in ganz Italien gefragt und schaffte es 1920 an die Met, wo er nach dem Tod von Caruso im Jahr darauf viele seiner Rollen übernahm. Er blieb in New York bis 1932, als er eine Gehaltskürzung aufgrund der Wirtschaftskrise ablehnte und nach Italien zurückkehrte. Dort wurde er zum Lieblingstenor Mussolinis, doch nach dem Krieg wurde ihm diese Assoziation verziehen.

Er drehte 20 Filme und nahm 900 Schallplatten auf, die von einer tadellosen lyrischen Tenorstimme von bemerkenswerter Süße zeugen, die er mit Geschmack und Fantasie einsetzte, obwohl sich seine Stimme ab Mitte der 1930er Jahre verschlechterte. Dennoch trat er bis kurz vor seinem Tod 1957 weiter auf. Die Verismo-Opern – darunter so schwere Aufgaben wie Puccinis Manon Lescaut und Giordanos Andrea Chénier – lagen ihm, während er in lyrischen Opern wie Traviata oder Bohème kaum zu übertreffen war.

George Hall

In seinen eigenen Worten: ‚Die gleiche Arie zweimal auf die gleiche Weise zu singen, das ist eine Sache der Schulen und der Professoren. Gigli gehört nicht zu den Schulen.‘

Die besten Film-Soundtracks: unsere Top-Auswahl
5 Top-Tipps für den Besuch der BBC Proms

6. Lauritz Melchior (1890-1973)

Lauritz Melchior wurde als Bariton geboren und erfand sich selbst als der beste Heldentenor des 20. Jahrhunderts, indem er Maßstäbe für den Wagnergesang setzte, die nie übertroffen wurden.

Melchior wurde 1890 in Kopenhagen geboren, am selben Tag wie Gigli. Sein Debüt gab er 1913 als Silvio in Pagliacci, doch als ein amerikanischer Kollege den jungen Bariton in Il trovatore ein hohes C singen hörte, erklärte er ihn zu einem Tenor „mit aufgesetztem Deckel“. Und es sind die Karamellfarben in Melchiors unterem Register, die seine Stimme so unverwechselbar machen, zusammen mit der Ausdauer, Wagners große Tenorrollen zu singen, ohne zu ermüden.

1924 sang Melchior bei den ersten Bayreuther Festspielen der Nachkriegszeit und triumphierte im selben Jahr in London als Siegmund in Die Walküre. Es sollte noch fünf Jahre dauern, bis New York ihn in sein Herz schloss, aber nachdem er den Tristan an der Met gesungen hatte, wurde er für fast jede Saison zum bevorzugten Heldentenor des Hauses, bis er im Februar 1950 „Lohengrins Abschied“ für seinen Abgesang wählte.

Wenn Kraft und Ausdauer die Markenzeichen von Melchiors Kunst sind, so gibt es auch Zartheit in seiner Phrasierung und absolute Tonsicherheit, die nie weniger als schön und immer angemessen ausdrucksvoll ist.

Hat irgendein Siegfried ein solches Staunen über eine erwachende Brünnhilde vermittelt? Hat irgendein Bruder seine Schwester so leidenschaftlich und verzweifelt umworben? Auf der Aufnahme ist Melchior in seiner besten Form als Siegmund zu Lotte Lehmanns herzergreifender Sieglinde im ersten Akt der Walküre, aufgenommen 1935 in Wien.

Christopher Cook

In seinen eigenen Worten: ‚Betrachte deine Stimme als Kapital auf der Bank.

Sechs der inspirierendsten Frauen in der Musik
Sechs der besten King’s Singers Aufnahmen

5. Jussi Björling (1911-1960)

Björlings wunderschöner Ton und seine mühelose Technik trugen während seiner glanzvollen internationalen Karriere zu seinem Ruf als Vorbild der Gesangskunst bei.

Lobende Worte für Björlings Gesangskunst zu finden, ist ungefähr so schwierig wie Sandkörner am Strand zu finden, aber es scheint außergewöhnlich, dass so viel Lob von seinen Kollegen und führenden Musikern kommt. Für seine schwedische Landsfrau Elisabeth Söderström war es „immer das größte Vergnügen, Björling zuzuhören. Er hat nie einen hässlichen Ton von sich gegeben, und doch war seine Stimme das menschlichste und emotionalste Instrument.“

Irene Dalis hielt ihn für den „besten Tenor der Welt. Und doch hat es nie eine andere Stimme gegeben, die ihm ebenbürtig war.‘ Arturo Toscanini – nicht gerade dafür bekannt, Sänger zu bewundern – rief aus: „Was für eine schöne Stimme und was für ein feiner Gesang, alles auf dem Atem, eine perfekte Technik. Es ist alles miteinander verbunden und seine Diktion ist auch sehr gut. Bravo!“

Regina Resnik behauptete, dass eine konzerteröffnende Aufführung des „Ingemisco“ aus Verdis Requiem in der Albert Hall „wahrscheinlich eine der am schönsten gesungenen fünf Minuten war, die ich jemals in meinem Leben gehört habe. So sehr, dass ich da saß und weinte wie ein Kind.‘

Björlings Stimme war nicht groß, aber sie war perfekt platziert, besaß silbrigen Glanz und erlaubte dynamische und koloristische Schattierungen an jedem Punkt ihres Registers – laut dem amerikanischen Kritiker Conrad L. Osborne ist Björlings „Beherrschung der Linie, seine Beherrschung der klassischen (vokalen) Effekte… von einer Art, die selbst sehr gute Sänger leicht amateurhaft erscheinen lässt.

Obwohl seine schauspielerische Leistung in der Oper manchmal als phlegmatisch oder oberflächlich empfunden wurde, übertraf die technische Gewandtheit und ausdrucksstarke Subtilität seines Gesangs alles. Am bekanntesten ist Björling für romantische Tenorrollen wie Rodolfo (La bohème), Cavaradossi (Tosca), den Herzog (Rigoletto), Manrico (Il trovatore), Faust und Roméo (die beiden letztgenannten aus Gounods Opern), aber er sang auch gelegentlich schwerere Partien oder nahm sie auf, und in Konzerten gehörten auch Operettenarien, skandinavische Lieder und deutsche Lieder zu seinem Repertoire. Seine zahlreichen Aufnahmen dokumentieren eine bemerkenswerte Beständigkeit der stimmlichen Qualität und ein hohes künstlerisches Niveau.

David Breckbill

In seinen eigenen Worten: ‚Ich habe eine Lieblingsrolle. Das ist Otello. Was für eine Rolle für einen Tenor! Was für eine Oper! Was für eine Musik! Aber wissen Sie was? Ich werde sie nie (auf der Bühne) singen. Das würde meiner Stimme schaden. Ich möchte nicht, dass das passiert.‘

Sechs der besten weniger bekannten Werke sowjetischer Komponisten
12 der besten fiktiven Komponisten

4. Fritz Wunderlich (1930-1966)

Der herausragende deutsche lyrische Tenor seiner Generation starb auf tragische Weise am Beginn seiner internationalen Karriere, aber dank seiner zahlreichen Aufnahmen ist seine einzigartige Stimme unvergesslich geblieben.

Als Fritz Wunderlich im September 1966, nur neun Tage vor seinem 36. Geburtstag, bei einem Sturz während eines Jagdurlaubs ums Leben kam, befand er sich auf dem Höhepunkt seiner Karriere als Mozart-Sänger. Die Rolle des Tamino, die er im Jahr zuvor in Berlin unter der Leitung von Karl Böhm aufgenommen hatte, bildete den Rahmen für seine allzu kurze Karriere in großen Rollen. Es war 1956, als er als junges Mitglied der Stuttgarter Oper für den verhinderten Kollegen Josef Traxel einsprang und einen unvergleichlichen Mozart-Sänger mit leichtem, klarem, virilem Timbre, angeborenem Stilempfinden und makelloser Diktion in seiner Muttersprache verkörperte.

Tamino war die letzte Rolle, die er auf der Bühne sang, zehn Jahre später, wiederum mit dem Stuttgarter Ensemble, beim Edinburgh Festival, kaum einen Monat vor seinem tödlichen Unfall. In einer Karriere, die kaum mehr als ein Jahrzehnt dauerte, hat er die lyrischen Mozart-Tenorpartien beispielhaft verkörpert: Belmonte in Die Entführung aus dem Serail, Ferrando in Così fan tutte und Don Ottavio in Don Giovanni.

Er war ein Workaholic und sein Opernrepertoire reichte von den barocken und frühklassischen Opern von Monteverdi, Händel und Gluck über Klassiker des 20. Jahrhunderts wie Pfitzners Palestrina und JanáΩeks Die Ausflüge des Herrn BrouΩek bis hin zu zeitgenössischen Werken (er sang Rollen in Opern von Carl Orff und Werner Egk).

Sein Konzert- und Liedrepertoire war nicht weniger umfangreich, und er hinterließ unübertroffene Aufnahmen der Tenorsoli in Haydns Schöpfung und Beethovens Missa Solemnis unter Karajan und vor allem die Tenorlieder in Klemperers Einspielung von Mahlers Das Lied von der Erde, in denen Wunderlichs saftiges, jugendliches Timbre sich mit beredter Diktion und Freiheit in der Höhe verbindet.

Im Aufnahmestudio war er ein Populist, der seine Lieblingsoperettenarien und Lieder wie ‚Granada‘ aufnahm, was ihn auch bei denen beliebt machte, die nie einen Fuß in ein Opernhaus gesetzt hatten.

Hugh Canning

In seinen eigenen Worten: ‚Um meinen Lebensunterhalt zu verdienen, spielte ich nebenbei Jazzmusik. Nachts blies ich Trompete, spielte Akkordeon und sang Volkslieder; morgens, nach ein paar Stunden Schlaf, studierte ich Monteverdi und Lully am College.‘

Ein Interview mit dem Dirigenten Long Yu

3. Luciano Pavarotti (1935-2007)

Auch wenn einige eingefleischte Opernfans Zweifel hatten, war die breite Öffentlichkeit der Meinung, dass Pavarotti den Mantel von Gigli, Caruso, Tauber und Lanza als größter und populärster Tenor verdient hat.

Pavarottis Leben hätte fast die Handlung eines Lanza-Films sein können. Sein Vater, ein Bäcker, war ein guter Tenor und ermutigte Luciano, der zwischen Musik und Fußball hin- und hergerissen war, sehr. Der Junge sang im örtlichen Chor, der bei einem Besuch des Llangollen-Festivals den ersten Preis gewann. 1961 gab er sein Bühnendebüt als Rodolfo in La bohème und kehrte 1963 nach Großbritannien zurück, um Giuseppe di Stefano in der gleichen Rolle am Covent Garden zu vertreten.

Danach wurde er für Sunday Night im Londoner Palladium gebucht, dem Glanzstück des Wochenendprogramms von ITV. Bald führte seine Partnerschaft mit Joan Sutherland zu seinem Auftritt in La fille du régiment, wo er seine berühmte Fähigkeit, hohe Cs zu singen, unter Beweis stellte. Im Laufe der Jahre behinderten seine zunehmende Körperfülle und die sich entwickelnden Unvollkommenheiten in seiner Stimme seine Opernauftritte, und 1992 wurde er an der Scala ausgebuht, als er als Don Carlos einen Ton verpatzte.

Für viele Liebhaber fehlte ihm die Tiefe von Domingo, aber sein gewohntes Auftreten, seine großen Open-Air-Konzerte, darunter das legendäre 1991 vor dem Prinzen und der Prinzessin von Wales, bei dem er den größten Teil des Publikums dazu brachte, trotz Regens die Regenschirme aufzuspannen, seine geschickte Mischung aus großen Opernarien und beliebten neapolitanischen Balladen und seine relativ zurückhaltende Schauspielkunst brachten ihm die Liebe und Bewunderung eines großen Teils des Publikums ein.

Er legte stets großen Wert auf das Legato, das seinen Darbietungen eine natürliche Qualität verlieh, aber es war vielleicht sein außergewöhnlich süßes und gleichmäßiges oberes Register, das ihn wirklich auszeichnete. Nachteilig waren seine oft peinlichen Engagements im Popbereich, seine Tendenz, in späteren Jahren die Kontrolle über sein Vibrato zu verlieren, und seine zunehmenden Schwierigkeiten, lange Auftritte durchzuhalten. Doch wenn er sich zu den letzten Phrasen von ‚Nessun Dorma‘ aufschwingt, ist alles vergeben…

Barry Witherden

In seinen eigenen Worten:

Neun der besten zeitgenössischen Komponistinnen
Wie kommt man an Karten für die BBC Proms?

2. Enrico Caruso (1873-1921)

Eine der bedeutendsten Stimmen des 20. Jahrhunderts, Enrico Caruso, war eine der seltensten Kreaturen: ein wahrhaft großer Künstler mit einer großen Fangemeinde.

Caruso war ein singender Superstar, mit einer Stimme, die dazu geboren war, Aufnahmen zu machen, die die Sinne eines bewundernden Publikums verzaubern würden. Seine Karriere war eine der ersten, die auf dieser unheiligen und durch und durch modernen Allianz aus enormem Naturtalent, Können im Aufnahmestudio und brillantem Management und PR aufbaute.

Die Oper war natürlich sein Hauptaugenmerk, aber in seinen mehr als 250 Aufnahmen, die meist als 78er bei der Victor Talking Machine Co, veröffentlichte, deckte er die meisten musikalischen Genres ab, von Verdi, Bizet und Puccini (seinem Zeitgenossen) bis hin zu neapolitanischen Liedern und Popmusik. Einer seiner Bestseller war „Over There“, ein fröhliches Lied für die US-Armee im Ersten Weltkrieg.

Er war unbestreitbar ein Publikumsliebling und sein Showtalent war legendär. Er begeisterte sein Publikum in Amerika, wo seine Karriere vor allem unter der Anleitung von Edward Bernays, einem Experten für „Publikumspsychologie“ und einem der Pioniere der
modernen Öffentlichkeitsarbeit, florierte.

Carusos Stimme hatte ihre Schwächen: Er fühlte sich in den höchsten Lagen seines Stimmumfangs nie ganz wohl. Ein klingendes oberes C entging ihm oft, und er musste oft transponieren. Aber die Aufnahmen bewahren eine Stimme, die selbst in den beengten Verhältnissen eines frühen Studios einen mühelosen, unbeschwerten Fluss hat, mit einem reichen und kraftvollen tiefen bis mittleren Register und hoch aufgeladenen Spitzentönen, die ganz auf den neuen, dramatischen Verismo-Stil abgestimmt zu sein scheinen, der sich Ende des 19. Er sorgte für einen Skandal in New York, als er im New Yorker Zoo vor dem Affenhaus wegen unsittlicher Körperverletzung verhaftet wurde. Er wurde für schuldig befunden, einer Dame in den Hintern gekniffen zu haben, behauptete aber, ein Affe habe dies getan.

Caruso ist einer der ersten großen Sänger, dessen Stimme uns durch seine Aufnahmen bis heute lebendig bleibt. Sein Einfluss ist auch heute noch spürbar: Hören Sie sich jeden großen Operntenor an – Domingo, Pavarotti – und es gibt bestimmte Manierismen und Wendungen, bei denen Sie denken: ‚Ah ja, das ist direkt aus dem Mund von Caruso!‘

Ashutosh Khandekar

In seinen eigenen Worten: ‚Ich betrete nie die Bühne, ohne mich zu fragen, ob es mir gelingen wird, die Oper zu beenden.‘

Neun der besten klassischen Werke, die von der Sonne inspiriert sind
Die besten Chorwerke für die Passionszeit

1. Plácido Domingo (geb. 1941)

Domingo ist das seltenste aller stimmlichen Phänomene, ein Tenor, der seine Stimme in den Dienst der Neuschöpfung großer Kunst stellt und nicht als aufregenden Selbstzweck.

Plácido Domingo wurde in Spanien geboren, offiziell 1941, aber viele Leute behaupten, dass das Datum ein Jahr oder mehr früher sein sollte. Selbst wenn das von ihm bevorzugte Datum korrekt ist, hat er seine Stimme in einer außerordentlich energiegeladenen Karriere fast 50 Jahre lang bewahrt. 1959 debütierte er in Mexiko, wohin seine Familie zog, als er acht Jahre alt war.

Er singt immer noch, unter anderem in so anspruchsvollen Rollen wie Siegmund in Wagners Die Walküre, aber auch in sorgfältig ausgewählten italienischen Opern. Im Laufe seiner enormen Karriere hat er stets nach neuen Rollen gesucht, die ihn herausfordern, und hat über hundert aufgenommen, von denen er einen beeindruckenden Teil auf der Bühne gesungen hat.

Angefangen hat er mit den üblichen italienischen Opern, vor allem Verdi und Puccini, aber er hat sich in der Zeit zurückentwickelt, wobei die früheste seiner Rollen in Rameaus Hippolyte et Aricie war. Er hat auch einige zeitgenössische Opern gesungen, aber nur solche, die in einem ziemlich traditionellen Idiom geschrieben sind.

Am überraschendsten ist, dass er, fast allein unter den Tenören, die sich in der italienischen Oper einen Namen gemacht haben, seit er etwa 50 Jahre alt ist, gleichermaßen mit der deutschen Oper zu tun hat, vor allem mit Wagner, dessen größte Rollen er nicht im Theater zu singen wagte, sondern ganz oder teilweise aufgenommen hat.

Er hat sogar bei den Bayreuther Festspielen gesungen, die höchste Auszeichnung. Auch die französische Oper, darunter Berlioz und Massenet, oder die russische hat er nicht vernachlässigt. Und jetzt dringt er in das Bariton-Repertoire vor, mit Glucks Oreste bereits an der Met.

Als bekennender Workaholic dirigiert er auch Opern und ist für die Washington National Opera und die Los Angeles Opera verantwortlich, Aufgaben, die mit einem immensen Fundraising-Aufwand verbunden sind. Abgesehen davon war er natürlich einer der Drei Tenöre und hat Weihnachtsalben und Platten mit populären italienischen und spanischen Liedern aufgenommen.

Bei einem so breit gefächerten Repertoire ist es nicht verwunderlich, dass man Domingo nicht mit bestimmten Rollen in Verbindung bringt, vielleicht mit Ausnahme von Verdis Otello, den er seit dem Rücktritt von Jon Vickers, der in vielerlei Hinsicht Domingos Gegenspieler ist, am besten singt. Aber selbst dann ist Domingo nicht unbedingt der erste Name, der einem in den Sinn kommt, wenn man an diese Rolle und die Art von Stimme und Präsenz denkt, die sie erfordert.

Es ist unvermeidlich, dass er dafür kritisiert wurde, viele Rollen standardisiert darzustellen – aber es ist auch schwer zu erkennen, wie individuell man in vielen von Verdis weniger berühmten Werken sein kann. Tatsache ist, dass Sie, wenn Sie Domingo zuhören, eine Flut von herrlichem Klang, sensibler Musikalität, die Sicherheit einer Stimme, die so gut gepflegt wird, dass nichts schief gehen kann, und, wenn Sie ihn sehen, ein anständiges schauspielerisches Niveau erwarten können. Wärme, Geschmack, Engagement, Verständnis: Das sind nicht die ersten Dinge, die einem in den Sinn kommen, wenn man an einen Tenor denkt, aber sie sind es, wenn man an Domingo denkt.

Die Opernszene ist seit Mitte der 1960er Jahre ohne ihn nicht mehr denkbar, und der gigantische Schatz an Opernaufnahmen wird künftigen Generationen von seiner Größe zeugen. In an age when ‚celebrity‘ has rightly become a word of contempt, Plácido Domingo’s fame is an example of how once a huge name was built on solid foundations.

Michael Tanner

In his own words: ‚My motto is „When I rest, I rust“.‘

5 facts about composer Bernd Alois Zimmermann
Six of the best 20th-century British choral works

This article was first published in April 2008.