Los 20 mejores tenores de todos los tiempos
Ya sea matando dramáticamente a dragones en Wagner, dando una lírica serenata a princesas en Puccini, deslizándose con gracia en Schubert o incluso cantando para los desmayados en la televisión, los tenores capturan la imaginación como ningún otro cantante. Es fácil ver por qué.
Son ellos los que suelen interpretar al héroe ágil y atlético mientras que el pobre bajo es elegido como el gran y melancólico villano. Además, hay que tener en cuenta la bravuconería vocal de los altos si y do, mientras que, fuera del teatro de la ópera, la tradición ha considerado durante mucho tiempo a los tenores suaves y sedosos como las voces del romance.
¿Pero quiénes son los mejores exponentes del arte del tenor de todos los tiempos? ¿Cuáles han mostrado la mayor potencia, alcance, gracia y flexibilidad? En 2008 pedimos a un panel de expertos que votara por los cantantes que consideraban los mejores tenores de todos los tiempos. ¿Está usted de acuerdo con sus elecciones?
20. Sergey Lemeshev (1902-1977)
Uno de los tenores estrella del Bolshoi de mediados del siglo XX, Lemeshev combinaba una extraordinaria voz de sonido juvenil -incluso al final de su carrera- con un nivel de caracterización inigualable por la mayoría de sus contemporáneos.
Dos notables tenores rusos llegaron a dominar el escenario soviético en las décadas de 1930 y 1940. Sergey Lemeshev e Ivan Kozlovsky, nacidos con sólo dos años de diferencia, dividieron a sus seguidores en grupos rivales de lemeshistki y kozlovityanki.
Ambos poseían voces líricas agudas de gran distinción, una colocación avanzada y una dicción impecable, aunque era Lemeshev el que estaba bendecido con el aspecto de ídolo de matiné y el que se lució más como el Duque en Rigoletto.
También tenía la ventaja romántica sobre su rival en su papel emblemático, el poeta Lensky en Eugene Onegin de Tchaikovsky, un papel que cantó más de 500 veces; hay imágenes cinematográficas conmovedoras de los dos hombres compartiendo una versión especialmente reformulada del aria del Acto I como homenaje de cumpleaños a la viuda de Chekhov, Olga Knipper, y ambos tenores pueden compararse en la pantalla en el celebrado lamento de Lensky.
La interpretación de Lemeshev en la grabación de la ópera completa, realizada en 1956, muestra la voz aún notablemente joven y fresca, y la cantó por última vez a los 70 años. El buen gusto y la impecable musicalidad marcan dos papeles de cameo en las óperas de Rimsky-Korsakov, el invitado indio en Sadko y el zar Berendey en La doncella de las nieves.
David Nice
En sus propias palabras:
Hace años que no canto Alfredo. Pero quiero desesperadamente volver a interpretarlo, aunque sea una vez…’ (Lemeshev con 63 años).
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19. Wolfgang Windgassen (1914-1974)
Un Heldentenor en un molde nuevo y más ligero, Windgassen dominó el escenario wagneriano en la posguerra.
Wolfgang Windgassen siguió los pasos de su padre, también tenor y con quien estudió, trabajando en la ópera de Stuttgart, primero como cantante y desde 1972, hasta su muerte dos años después, como director. Aunque es famoso por sus papeles wagnerianos, Windgassen debutó en 1941 como Don Álvaro en La forza del destino.
En Bayreuth cantó importantes papeles de tenor y fue el Sigfrido en la grabación de Solti del Anillo para Decca en los años 60. Aunque su voz carecía de la resonancia de barítono de otros grandes de antes de la guerra, su exquisito tono le convirtió en uno de los cantantes wagnerianos más valorados de su generación. Su Sigfrido en el famoso Anillo de Decca es inolvidable por su fuerza y fragilidad.
Jan Smaczny
En sus propias palabras: ‘Gott, welch’ dunkles Bier’ (‘Qué cerveza tan oscura’) – Windgassen al hacer una rápida salida del escenario de la ópera Fidelio de Beethoven, con un malestar estomacal.
18. Alfredo Kraus (1927-1999)
Sinónimo de refinamiento lírico, Kraus fue un eterno conocedor del bel canto y del repertorio francés.
Incluso rozando los 50 años, Alfredo Kraus podía emocionar al público del Covent Garden en La traviata de Verdi. Sus secretos eran una técnica cálida y sin esfuerzo, una dicción inmaculada, un porte noble y una inteligencia que informaba de todos los aspectos de su arte.
Llegó tarde a la ópera -después de obtener el título de ingeniero industrial en su España natal- y alcanzó el estrellato junto a Maria Callas y Joan Sutherland, debutando en el Metropolitan en 1966 como el Duque en Rigoletto de Verdi.
La elegancia de su estilo le hizo ideal en Donizetti y Bellini, y más tarde se especializó en Massenet, particularmente en el papel de Werther. Pero también estuvo soberbio como Ferrando en la clásica grabación de Karl Böhm de Così fan tutte de Mozart, y en las delicias de la zarzuela española. Bastante descuidado ahora -y sufriendo eliminaciones entre su catálogo de grabaciones- sigue siendo un tenor aristócrata supremo.
Geoffrey Smith
En sus propias palabras: ‘Un cantante es más que un cantante, es un artista, y es aún más que un artista, es un maestro.’
17. Anthony Rolfe Johnson (1940-2010)
El tenor inglés Anthony Rolfe Johnson llegó tarde al canto, pero su talento natural aliado a una aguda inteligencia musical le condujo a una gran carrera.
Anthony Rolfe Johnson fue uno de los cantantes más honestos que existen -sobre su voz, por ejemplo: «No es grande, pero sí potente y compacta, llena de energía, y eso es un gran arma. Yo iría más allá: su canto es viril, ardiente, pero también hay una musicalidad inmaculada, un maravilloso sentido del tiempo, que seduce al oyente.
Y su inmersión total en cada personaje que ha interpretado, desde los exigentes papeles de ópera hasta la balada más sencilla en un recital del Almanaque del Cantautor, significa que cada actuación es un nuevo deleite, para él y para nosotros.
Nunca olvidaré su actuación en el Retorno de Ulises de Monteverdi en la English National Opera: intensamente conmovedora y una discreta clase magistral de estilo monteverdiano. Escuchen su CD In Praise of Woman (en el sello Helios: CDH 55159) – cada canción iluminada por su mezcla única de pasión, ternura y pura belleza de voz.
Catherine Bott
En sus propias palabras: ‘A las cinco dejo de trabajar y me convierto en padre – no creo en ser el cantante estrella que sólo «visita» la casa.’
16. John McCormack (1884-1945)
En una carrera de más de 40 años, McCormack cantó y grabó ópera, oratorio, lieder, canciones populares y canción folclórica de su Irlanda natal.
Tras la muerte de Caruso en 1921, el conde John McCormack se convertiría en la siguiente superestrella de los tenores: sus ventas de discos superaron incluso las de Caruso.
El pianista Gerald Moore comentó que a McCormack no le gustaba ensayar en exceso ni hacer repeticiones en el estudio de grabación, y que prefería la honestidad de la interpretación en directo. El legado discográfico de McCormack revela a un artista que combinaba una técnica inmaculada con la espontaneidad; el encanto con la humildad. Su don para comunicar la esencia misma de un texto -ya sea una ópera italiana o una balada irlandesa- fue lo que hizo que su atractivo fuera tan universal. En palabras del crítico estadounidense Max de Schauensee, «podía contar una historia. Podía pintar cuadros.’
Kate Bolton-Porciatti
En sus propias palabras: ‘Me gusta ir dando saltos en mi vida, según me lleve el capricho. No creo en toda esta pedante disposición de las cosas en orden.’
15. Franco Corelli (1921-1976)
Franco Corelli heredó el manto de Caruso y Gigli para convertirse posiblemente en el mejor tenor italiano de los años 50 y 60.
La combinación de ser alto, moreno y guapo y poseer una voz de tenor superlativa es rara en el mundo de la ópera, pero Corelli lo tenía todo (su apodo, de «muslos de oro», da una medida de su atractivo sexual).
Al escuchar su voz hoy en día, puede parecer anticuada, un retroceso a una época pasada, con un vibrato rápido y una tendencia a presumir. Mantenía las notas altas mucho más allá de su valor escrito (12 segundos en el gran grito de Vittoria durante una Tosca del Covent Garden, por ejemplo), y algunos críticos se empeñaron en desaprobar lo que consideraban «efectos baratos».
Sin embargo, sus cualidades como cantante brillan en las grabaciones y en los relatos contemporáneos: una voz oscura y lustrosa con una rica paleta de colores densamente extendidos que le permitió explorar las profundidades psicológicas en los grandes papeles de Verdi y Puccini.
Ashutosh Khandekar
En sus propias palabras: ‘Muchos de los que enseñan hacen que sus alumnos fuercen sus voces hasta el punto de arruinarse’
14. Peter Schreier (b1935)
Quizás el más refinado de los tenores ligeros de la posguerra, Peter Schreier es valorado por la convicción de sus papeles operísticos, su sinceridad en la música religiosa y su inteligencia en los lieder.
Como corista en el Keruzchor de Dresde, sus aspiraciones iniciales fueron hacia la música sacra, en particular los grandes papeles de Evangelista en las Pasiones de Bach y el Oratorio de Navidad; de hecho, su última aparición como cantante profesional fue como Evangelista en el Oratorio de Navidad, que también dirigía, en Praga en 2005, a la edad de 70 años.
Su carrera operística comenzó con el papel de primer prisionero en Fidelio en 1959, pero rápidamente floreció con trabajos en la entonces Staatsoper de Berlín Oriental, la Ópera Estatal de Viena y los Festivales de Salzburgo y Bayreuth. Aunque fue valorado principalmente por papeles mozartianos, como Belmonte y Tamino, mantuvo su amor por Bach. Schreier fue también uno de los mejores cantantes de Lieder de su generación; su grabación de 1991 de Die schöne Müllerin de Schubert es notable por su perspicacia no forzada.
Jan Smaczny
En sus propias palabras: ‘Debe ser como un paseo por el Bodensee, debes hacerlo sin mostrar ningún miedo’. (Schreier hablando del Aleluya de coloratura de la Cantata 51 de JS Bach)
13. Juan Diego Flórez (n1973)
¿El nuevo Pavarotti? Juan Diego Flórez irradia encanto sin esfuerzo, mientras que su asombrosa destreza vocal se ha ganado los elogios de la crítica y la adulación popular.
Se robó el espectáculo en la Última Noche de los Proms de la BBC de 2016, inspirando el mismo embeleso allí que en los teatros de ópera de todo el mundo. Su maravillosa pureza de tono y su impresionante virtuosismo hacen que su canto sea irresistible, junto con su buen aspecto y su placer en la interpretación.
Su capacidad para estimular incluso los paladares operísticos más hastiados quedó demostrada el año pasado cuando, rompiendo una férrea tradición, el famoso y estricto público de la Scala exigió un bis de ‘Oh, mes amis’ de La fille du régiment de Donizetti, con su heroica secuencia de nueve does máximos. Dado que la pieza era una especialidad del héroe de Flórez, el difunto Luciano Pavarotti, la ovación dio una inevitable sensación de que se pasaba la antorcha.
Geoffrey Smith
En sus propias palabras: Cuando te sientes relajado y cómodo, sientes lo que estás cantando. Y entonces simplemente te comunicas. Y ese es el momento más bonito, porque el público puede sentir lo que realmente estás sintiendo.’
12. Carlo Bergonzi (1924-2014)
Viril y a la vez elegante, ardiente y a la vez inteligente, sobre todo humano; Bergonzi fue considerado por muchos como el mejor tenor verdiano de mediados del siglo XX.
Después de debutar como barítono en 1948, la carrera internacional de Bergonzi como tenor despegó en la década de 1950, cuando inició asociaciones de larga duración con el Metropolitan, La Scala y el Covent Garden. Su estudio de tres discos para Philips de los papeles de tenor de Verdi es una especie de hito, al igual que las grabaciones completas de Radamés, Alfredo y el Duque de Mantua, entre otros.
En el escenario, era rígido y sencillo: ‘Sé que no me parezco a Rodolfo Valentino, pero he intentado aprender a actuar a través de la voz’. Su dominio de la respiración y del color de las palabras le permitía representar a los cachondos Canio y Cavaradossi sin los habituales tragos y gemidos. Ahora, a sus ochenta años, Bergonzi da clases y dirige un hotel en Busseto, la ciudad natal de Verdi.
Howard Goldstein
En sus propias palabras: ‘La técnica permite a un artista llegar a un nivel de excelencia en el que es imposible adivinar qué cualidades son adquiridas y cuáles son innatas.’
11. Tito Schipa (1888-1965)
Aclamado como un verdadero ‘tenore di grazia’, Schipa embrujó al público con claridad vocal, sutileza musical y elegancia interpretativa más que con fuegos artificiales técnicos.
Pocos tenores han hecho tanto con relativamente poco como Tito Schipa. Más bien limitado en rango y amplitud dinámica, incluso carente de un timbre vocal particularmente atractivo, aún así poseía el mayor don de todos: la capacidad de hacer una línea de canto y proyectarla a todos los rincones de una sala embelesada. En el repertorio lírico belcantista reinaba de forma suprema, con un exquisito sentido del matiz, el matiz y el rubato, y una dicción milagrosa que parecía hacer hablar a cada vocal.
Superestrella mundial, se convirtió en un ídolo de matiné de pleno derecho en Estados Unidos, que incluso le perdonó sus simpatías fascistas durante la Segunda Guerra Mundial. Su versión clásica de ‘Una furtiva lagrima’ de Donizetti sigue siendo una lección para cualquier cantante y un tour de force expresivo, coronado por el diminuendo perfectamente juzgado y que induce al desmayo, que era una marca registrada de Schipa.
Geoffrey Smith
En sus propias palabras: ‘Nunca forcé mi voz. Nunca canté lo que no podía cantar. Ese es mi único secreto.’
10. Peter Pears (1910-1986)
Sir Peter Pears será siempre recordado por su colaboración de toda la vida con Benjamin Britten, en cuya música inspiró algunas de las mejores obras.
A mis padres les gustaba la música de Britten, y yo me crié aprendiendo y amando cada detalle del refinamiento y el ingenio que Peter Pears aportó a las Canciones populares, el heroísmo de su San Nicolás, sobre todo la torturada alteridad de Peter Grimes. Pears y Britten estuvieron juntos durante 40 años: fundaron el English Opera Group y el Festival de Aldeburgh, y desarrollaron una insuperable asociación para recitales.
El sonido de Pears no gusta a todos, pero su arte es indiscutible: A Britten le encantaba que transmitiera «cada matiz, sutil y nunca exagerado». Fue su voz la que inspiró a Britten a componer ópera, y su espiritualidad y erudición las que tanto contribuyeron a obras como los Santos Sonetos de John Donne.
Habría tenido una carrera sin Britten -era un intérprete de ópera convincente y exitoso mucho antes de Peter Grimes- pero sin Pears no tendríamos algunas de las mejores obras jamás escritas para tenor. Su arte no se limitaba a Britten, por supuesto: la grabación de la Pasión de San Mateo de Klemperer, tan poco de moda hoy en día, está dominada (pero nunca abrumada) por el Evangelista de Pears. Y le encantaba cantar a Dowland, cuyas canciones, decía, estaban ‘coloreadas con una suave tristeza plateada’ – una imagen reveladora, eso.
Catherine Bott
En sus propias palabras: ‘Peter Grimes no es el papel principal más heroico de toda la ópera. No es un Don Giovanni ni un Otello, y cuanto más glamour se aplica a su presentación, más se aleja de lo que quería el compositor.’
– Leer más: Pears y Britten
9. Nicolai Gedda (1925-2017)
El intelecto, el estilo y la capacidad lingüística de Gedda lo convirtieron en el más versátil y grabado de su época.
En 1952, Walter Legge hizo una audición a un joven tenor sueco, y cablegrafió a sus contactos: «Acabo de escuchar al mejor cantante de Mozart de mi vida: se llama Nicolai Gedda».
El antiguo cajero de banco fue contratado rápidamente para la grabación del clásico Boris Godunov de Dobrowen, y en 1953 ya era reclamado por casas de toda Europa. Pero Legge no podía prever que su descubrimiento se convertiría en el tenor más versátil y duradero de los años de la posguerra, triunfando en el repertorio, desde las aterradoras notas altas de I Puritani, de Bellini, hasta las heroicas de Benvenuto Cellini, de Berlioz, y Lohengrin, de Wagner, y realizando unas 200 grabaciones, la última en 2003.
Nicolai Harry Gustav Gedda Ustinov poseía un sonido elegantemente lírico, realzado por una pulida dicción. En la década de 1970, cuando le vi, su registro superior, que antes era clarísimo, se mostraba tenso, pero lo compensaba admirablemente con estilo y ardor. Intelectual de amplio espectro, Gedda aportaba serias reflexiones a sus papeles.
Michael Scott Rohan
En sus propias palabras: ‘Aquellos a los que Dios ha dado una buena voz tienen también la carga de entrenarla y cuidarla’
8. Jon Vickers (1926-2015)
Un tenor heroico de una autoridad y complejidad únicas, Vickers imprimió su enfoque individual a una serie de representaciones que aspiraban a un nivel espiritual.
Fue su audición para el Covent Garden en 1957 la que empujó al canadiense Jon Vickers a la escena. Sus primeros papeles incluyeron Gustavo en Un ballo in maschera de Verdi, Don José en Carmen de Bizet y el papel principal en la histórica producción de Visconti/Giulini de Don Carlos de Verdi; pero el potencial de su voz para asumir los papeles más exigentes del repertorio le llevó hacia Eneas de Berlioz, Florestan de Beethoven y Siegmund, Parsifal y Tristán de Wagner, además de Peter Grimes de Britten, un papel que redefinió con eficacia.
Con su presencia dramática aliada a un tono de bronce bruñido que podía cabalgar sobre cualquier orquesta, Vickers se convirtió en el tenor preferido para estos papeles en Bayreuth, Viena, el Met y otras casas importantes.
Un actor de poder volcánico -fue posiblemente el único tenor en el que Maria Callas encontró una pareja igual cuando cantó Jasón a su Medea en la ópera de Cherubini- el arte de Vickers se basaba en creencias filosóficas y religiosas; se retiró de una producción de Tannhäuser de Wagner, citando la blasfemia de la obra. Su Canio y Otello eran aterradores, su Grimes un desgarrador estudio sobre el rechazo, su Tristán insoportablemente conmovedor.
George Hall
En sus propias palabras: ‘Siempre que un artista aparta sus ojos de lo último… de lo que yo llamaría «lo Eterno», entonces se disminuye a sí mismo, y la calidad de su arte queda así disminuida.’
7. Beniamino Gigli (1890-1957)
Gigli fue el principal tenor italiano de los años de entreguerras, dotado de un tono meloso y un trato fácil que le convirtió en «el cantante del pueblo».
Nacido en la pequeña ciudad italiana de Recanati en 1890, Gigli comenzó a cantar como corista antes de formarse vocalmente en Roma. Tras un exitoso debut en 1914 en La Gioconda, fue solicitado en toda Italia y en 1920 llegó al Met, donde heredó muchos de los papeles de Caruso tras la muerte de éste al año siguiente. Permaneció en Nueva York hasta 1932, cuando rechazó un recorte salarial debido a la Depresión y regresó a Italia. Allí se convirtió en el tenor favorito de Mussolini, aunque después de la guerra se le perdonó esta asociación.
Hizo 20 películas y 900 discos que muestran una impecable voz de tenor lírico de notable dulzura, utilizada con gusto e imaginación, aunque a partir de mediados de los años 30 su voz se deterioró. No obstante, siguió actuando hasta poco antes de su muerte, en 1957. Las óperas veristas -incluyendo encargos tan pesados como Manon Lescaut, de Puccini, y Andrea Chénier, de Giordano- le sentaban bien, mientras que en óperas líricas como Traviata o Bohème era difícil de igualar.
George Hall
En sus propias palabras:
Cantar dos veces la misma aria de la misma manera, eso es de las escuelas y de los profesores. Gigli no es de las escuelas.’
6. Lauritz Melchior (1890-1973)
Lauritz Melchior nació como barítono y se reinventó a sí mismo como el mejor Heldentenor del siglo XX, estableciendo estándares para cantar Wagner que nunca han sido superados.
Melchior nació en Copenhague en 1890 el mismo día que Gigli. Debutó en 1913 cantando Silvio en Pagliacci, pero al escuchar al joven barítono cantar un do agudo en Il trovatore un colega estadounidense declaró que era un tenor ‘con la tapa puesta’. Y son los colores caramelo en el registro inferior de Melchior los que hacen que su voz sea tan distintiva, junto con la resistencia para cantar los principales papeles de tenor de Wagner sin cansarse.
En 1924 Melchior cantó en el primer Festival de Bayreuth de la posguerra y ese mismo año triunfó en Londres como Siegmund en Die Walküre. Pasarían otros cinco años antes de que Nueva York lo acogiera en su corazón, pero tras cantar Tristán en el Met se convirtió en el Heldentenor elegido por la compañía para casi todas las temporadas hasta que eligió ‘La despedida de Lohengrin’ para su canto de cisne en febrero de 1950.
Si la potencia y la resistencia son las señas de identidad del arte de Melchior, también hay delicadeza en su fraseo y una absoluta seguridad de tono que nunca es menos que hermosa y siempre apropiadamente expresiva.
¿Ha transmitido algún Sigfrido tal asombro ante una Brünnhilde que despierta? Algún hermano ha cortejado a su hermana con tanto ardor y desesperación? En el disco, Melchior está en su mejor momento como Siegmund ante la conmovedora Sieglinde de Lotte Lehmann en el acto I de Die Walküre, grabado en Viena en 1935.
Christopher Cook
En sus propias palabras: ‘Considera tu voz como un capital en el banco. Canta por tu interés y tu voz perdurará.’
5. Jussi Björling (1911-1960)
El hermoso tono y la técnica sin esfuerzo de Björling contribuyeron a su reputación como dechado del arte del canto durante una ilustre carrera internacional.
Encontrar elogios para el arte vocal de Björling es tan difícil como encontrar granos de arena en una playa, pero parece extraordinario que muchos de estos elogios provengan de sus colegas y de los principales músicos. Para su compatriota sueca Elisabeth Söderström, «escuchar a Björling ha sido siempre mi mayor placer. Nunca hizo un sonido feo y, sin embargo, su voz era el instrumento más humano y emotivo»
Irene Dalis pensaba que «era el primer tenor del mundo. Aún así, nunca ha habido otra voz igual a la suya’. Arturo Toscanini -que no tiene fama de admirar a los cantantes- exclamó: ‘Qué voz tan hermosa y qué canto tan fino, todo en la respiración, una técnica perfecta. Todo está unido y su dicción es muy buena también. Bravo!»
Regina Resnik afirmó que la interpretación del «Ingemisco» del Réquiem de Verdi en el Albert Hall «fue probablemente uno de los cinco minutos mejor cantados que he escuchado en mi vida. La voz de Björling no era grande, pero estaba perfectamente colocada, poseía un brillo plateado y permitía matices dinámicos y coloristas en cada punto de su registro; según el crítico estadounidense Conrad L Osborne, el «dominio de la línea, su dominio de los efectos (vocales) clásicos… es de un tipo que hace que incluso los cantantes más finos parezcan ligeramente amateurs».
Aunque su actuación en la ópera escenificada a veces parecía flemática o superficial, la destreza técnica y la sutileza expresiva de su canto arrasaban con todo. Más conocido por papeles de tenor romántico como Rodolfo (La bohème), Cavaradossi (Tosca), el Duque (Rigoletto), Manrico (Il trovatore), Fausto y Roméo (estos dos últimos de las óperas de Gounod), Björling interpretó o grabó ocasionalmente papeles más pesados, y en concierto su repertorio incluía también arias de opereta, canciones escandinavas y lieder alemanes. Sus numerosas grabaciones documentan una notable consistencia de calidad vocal y un alto nivel artístico.
David Breckbill
En sus propias palabras: ‘Tengo un papel favorito. Es Otello. ¡Qué papel para un tenor! ¡Qué ópera! ¡Qué música! Pero, ¿sabe una cosa? Nunca lo cantaré (en el escenario). Dañaría mi voz. No me gustaría que eso ocurriera.’
4. Fritz Wunderlich (1930-1966)
El más destacado tenor lírico alemán de su generación, su vida se truncó trágicamente cuando su carrera internacional estaba despuntando, pero gracias a sus numerosas grabaciones su voz única ha permanecido inolvidable.
Cuando Fritz Wunderlich murió en una caída durante unas vacaciones de caza, apenas nueve días antes de cumplir 36 años, en septiembre de 1966, estaba en el cenit de su carrera como cantante de Mozart. El papel de Tamino, que había grabado el año anterior en Berlín bajo la batuta de Karl Böhm, enmarcó su brevísima carrera en papeles importantes. Fue en 1956, como joven miembro de la Ópera de Stuttgart, cuando sustituyó a un colega indispuesto, Josef Traxel, y dio cuenta de un mozartiano inigualable, con un timbre fácil, límpido y viril, un sentimiento innato para el estilo y una dicción inmaculada en su lengua materna.
Tamino fue el último papel que cantó en escena, diez años después, de nuevo con el conjunto de Stuttgart, en el Festival de Edimburgo apenas un mes antes de su fatal accidente. En una carrera que apenas duró más de una década, realizó interpretaciones ejemplares de los papeles de tenor lírico de Mozart: Belmonte en Die Entführung aus dem Serail, Ferrando en Così fan tutte y Don Ottavio en Don Giovanni.
Era un adicto al trabajo y su repertorio operístico abarcó desde las óperas barrocas y del primer clasicismo de Monteverdi, Haendel y Gluck, hasta clásicos del siglo XX como Palestrina de Pfitzner y Las excursiones del señor BrouΩek de JanáΩek y obras contemporáneas (creó partes en óperas de Carl Orff y Werner Egk).
Su repertorio de conciertos y Lieder no fue menos amplio y dejó insuperables grabaciones de los solos de tenor de la Creación de Haydn y la Missa Solemnis de Beethoven bajo la dirección de Karajan y, sobre todo, las canciones para tenor de la grabación de Klemperer de Das Lied von der Erde de Mahler, en las que el timbre ñoño y juvenil de Wunderlich se alían con una dicción elocuente y una libertad en la parte superior de la voz.
En el estudio de grabación fue un populista, grabando sus arias de opereta favoritas y canciones como ‘Granada’, que le hicieron ganarse el cariño de aquellos que nunca pisaron un teatro de ópera.
Hugh Canning
En sus propias palabras:
Para ganarme la vida, tocaba música de jazz de forma paralela. Por la noche soplaba la trompeta, tocaba el acordeón, cantaba canciones populares; por la mañana, después de unas horas de sueño, estudiaba Monteverdi y Lully en la universidad.’
3. Luciano Pavarotti (1935-2007)
Si algunos aficionados empedernidos a la ópera tenían dudas, el público general consideraba que Pavarotti merecía el manto de Gigli, Caruso, Tauber y Lanza como el tenor más grande y popular.
La vida de Pavarotti casi podría haber sido el argumento de una película de Lanza. Su padre, panadero, era un buen tenor y animó mucho a Luciano, que se debatía entre la música y el fútbol. El niño cantó en el coro local, que ganó el primer premio en una visita al Festival de Llangollen. Debutó como Rodolfo en La bohème en 1961 y, en 1963, regresó a Gran Bretaña para sustituir a Giuseppe di Stefano en el mismo papel en el Covent Garden. Pronto, su asociación con Joan Sutherland le llevó a aparecer en La fille du régiment, donde se estableció su afamada facilidad para cantar does agudos. Con el paso de los años, su creciente volumen y las imperfecciones de su voz dificultaron sus apariciones en la ópera, y en 1992 fue abucheado en la Scala cuando, en el papel de Don Carlos, rompió una nota.
Para muchos aficionados, carecía de la profundidad de Domingo, pero su toque común, sus conciertos a gran escala al aire libre, incluida la legendaria ocasión de 1991 ante los Príncipes de Gales, en la que convenció a la mayor parte del público para que desplegara sus paraguas a pesar de la lluvia, su hábil mezcla de grandes arias de ópera con baladas napolitanas muy queridas y su actuación relativamente contenida le hicieron ganarse el cariño y la admiración de gran parte del público.
Siempre dio gran importancia al legato, cuyo enfoque daba a sus interpretaciones una calidad natural, pero fue quizás su registro superior excepcionalmente dulce y firme lo que realmente le marcó. En el lado negativo estaban sus frecuentes y embarazosos compromisos con el pop, una tendencia a perder el control de su vibrato en los últimos años, y su creciente dificultad para mantener actuaciones largas. Sin embargo, cuando se eleva hacia esas frases finales de ‘Nessun Dorma’, todo se perdona…
Barry Witherden
En sus propias palabras: ‘Creo que una vida en la música es una vida bellamente gastada, y esto es a lo que he dedicado mi vida.’
2. Enrico Caruso (1873-1921)
Una de las voces definitivas del siglo XX, Enrico Caruso fue esa criatura tan rara: un artista verdaderamente grande con un seguimiento popular masivo.
Caruso era una superestrella del canto, con una voz nacida para realizar grabaciones que extasiaran los sentidos de un público adorador. Su carrera se encuentra entre las primeras que se construyeron sobre esa impía, y completamente moderna, alianza de tremendo talento natural, destreza en el estudio de grabación y una brillante gestión y relaciones públicas.
La ópera fue, por supuesto, su principal objetivo, pero a lo largo de sus más de 250 grabaciones, publicadas en su mayoría como 78 por la Victor Talking Machine Co, abarcó la mayoría de los géneros musicales, desde Verdi, Bizet y Puccini (su contemporáneo) hasta la canción napolitana y la música pop; uno de sus éxitos de ventas fue «Over There», una alegre canción para el ejército estadounidense en la Primera Guerra Mundial.
Era innegable que atraía a las multitudes y su talento para el espectáculo era legendario, haciendo las delicias de su público en Estados Unidos, donde su carrera prosperó especialmente bajo la dirección de Edward Bernays, experto en «psicología de las multitudes» y uno de los pioneros de las relaciones públicas modernas.
La voz de Caruso tenía sus defectos: nunca se sintió del todo cómodo en la parte más alta de su gama. El Do más agudo solía escapársele, y a menudo tenía que transponer. Pero las grabaciones conservan una voz que fluye sin esfuerzo, incluso en los estrechos confines de un primer estudio, con un registro bajo y medio rico y poderoso y notas altas muy cargadas que parecen completamente adaptadas al nuevo estilo dramático del verismo que había surgido a finales del siglo XIX.
Aunque su vida se vio inexorablemente atraída por los Estados Unidos, el encanto de Caruso y su descaro siguieron siendo claramente italianos. Escandalizó a Nueva York tras ser arrestado por asalto indecente en el zoológico de Nueva York, fuera de la casa de los monos. Fue declarado culpable de pellizcar el trasero de una dama, pero alegó que lo había hecho un mono.
Caruso es uno de los primeros grandes cantantes cuya voz permanece viva hasta nuestros días a través de sus grabaciones. Su influencia se sigue notando incluso ahora: escuche a cualquier gran tenor de ópera -Domingo, Pavarotti- y hay ciertos gestos y giros que le hacen pensar: «¡Ah, sí, eso sale directamente de la boca de Caruso!»
Ashutosh Khandekar
En sus propias palabras: ‘Nunca piso el escenario sin preguntarme si conseguiré terminar la ópera’
1. Plácido Domingo (n1941)
Domingo es ese fenómeno vocal más raro, un tenor que utilizó su voz al servicio de la recreación del gran arte, y no como un fin emocionante en sí mismo.
Plácido Domingo nació en España, oficialmente en 1941, pero muchos aseguran que la fecha debería ser un año o más anterior a esa fecha. Incluso si la fecha que él prefiere es la correcta, ha conservado su voz en una carrera extraordinariamente enérgica durante casi 50 años, habiendo debutado en 1959 en México, donde su familia se trasladó cuando él tenía ocho años.
Sigue cantando, incluyendo papeles tan exigentes como el de Siegmund en Die Walküre de Wagner, así como en óperas italianas cuidadosamente seleccionadas. A lo largo de esta enorme carrera siempre ha buscado nuevos papeles que le supongan un reto, y ha grabado más de un centenar, interpretando una proporción impresionante de ellos en el escenario.
Comenzó con las óperas italianas habituales, principalmente Verdi y Puccini, pero fue retrocediendo en el tiempo, siendo el primero de sus papeles el de Hippolyte et Aricie de Rameau. También ha cantado algunas óperas contemporáneas, pero sólo las escritas en un lenguaje bastante tradicional.
Lo más sorprendente es que, casi solo entre los tenores que se dieron a conocer en la ópera italiana, desde que tenía unos 50 años se ha dedicado igualmente a la ópera alemana, principalmente a Wagner, algunos de cuyos grandes papeles no se ha arriesgado a cantar en el teatro, sino que los ha grabado en parte o en su totalidad.
Incluso ha cantado en el Festival de Bayreuth, el máximo galardón. Tampoco ha descuidado la ópera francesa, incluyendo a Berlioz y Massenet, ni la rusa. Y ahora se adentra en el repertorio baritonal, con el Oreste de Gluck ya en el Met.
Adicto al trabajo confeso, también dirige ópera, y está al frente de la Ópera Nacional de Washington y de la Ópera de Los Ángeles, trabajos que implican una inmensa recaudación de fondos. Aparte de eso, fue, por supuesto, uno de los Tres Tenores, y ha grabado álbumes de Navidad y discos de canciones populares italianas y españolas.
Con un repertorio tan amplio, no es sorprendente que no asociemos a Domingo con papeles concretos, con la posible excepción del Otello de Verdi, del que ha sido el principal intérprete desde que se retiró Jon Vickers, la antítesis de Domingo en muchos sentidos. Pero incluso entonces, cuando uno piensa en ese papel y en el tipo de voz y presencia que requiere, el de Domingo no es necesariamente el primer nombre que viene a la mente.
Es inevitable que se le haya criticado por dar una versión estandarizada de muchos papeles -pero entonces es difícil ver cómo se puede ser individual en muchas de las obras menos famosas de Verdi. El hecho es que cuando uno escucha a Domingo, tiene garantizado un torrente de sonido magnífico, una musicalidad sensible, la seguridad de una voz tan bien cuidada que nada va a fallar y, si le está viendo, un nivel de actuación decente. Calidez, gusto, compromiso, comprensión: no son las primeras cosas que vienen a la mente cuando se piensa en un tenor, pero sí lo son cuando se piensa en Domingo.
El panorama operístico desde mediados de los 60 es inconcebible sin él, y el gigantesco tesoro de grabaciones de ópera dará testimonio a las generaciones futuras de su grandeza. In an age when ‘celebrity’ has rightly become a word of contempt, Plácido Domingo’s fame is an example of how once a huge name was built on solid foundations.
Michael Tanner
In his own words: ‘My motto is «When I rest, I rust».’
This article was first published in April 2008.