Les 20 plus grands ténors de tous les temps
Qu’il s’agisse de tuer dramatiquement des dragons dans Wagner, de chanter des sérénades lyriques à des princesses dans Puccini, de planer gracieusement dans Schubert ou même de crooner pour les pâmoisons à la télévision, les ténors captent l’imagination comme aucun autre chanteur. Il est facile de comprendre pourquoi.
Ce sont eux qui ont généralement le droit de jouer le héros agile et athlétique, tandis que la pauvre vieille basse se voit confier le rôle du grand méchant qui broie du noir. De plus, il y a la bravade vocale qui épate le public avec ces si et ces do aigus alors qu’en dehors de l’opéra, la tradition a longtemps considéré les ténors suaves et soyeux comme les voix de la romance.
Mais quels sont les meilleurs représentants de l’art du ténor de tous les temps ? Lesquels ont fait preuve de la plus grande puissance, portée, grâce et flexibilité ? En 2008, nous avons demandé à un panel d’experts de voter pour les chanteurs qui, selon eux, sont les plus grands ténors de tous les temps. Êtes-vous d’accord avec leurs choix ?
20. Sergey Lemeshev (1902-1977)
L’un des ténors vedettes du Bolchoï au milieu du 20e siècle, Lemeshev a combiné une voix extraordinairement jeune – même à la fin de sa carrière – avec un niveau de caractérisation inégalé par la plupart de ses contemporains.
Deux remarquables ténors russes sont venus dominer la scène soviétique dans les années 1930 et 1940. Sergey Lemeshev et Ivan Kozlovsky, nés à seulement deux ans d’intervalle, ont divisé leurs fans en groupes rivaux de lemeshistki et de kozlovityanki.
Tous deux possédaient des voix lyriques aiguës d’une grande distinction, un placement vers l’avant et une diction impeccable, bien que ce soit Lemeshev qui ait été doté du physique d’idole de matinée et qui a coupé le plus grand élan comme le Duc dans Rigoletto.
Il avait aussi juste l’avantage romantique sur son rival dans son rôle signature, le poète Lensky dans Eugène Onéguine de Tchaïkovski, un rôle qu’il a chanté plus de 500 fois ; il existe des séquences filmées touchantes des deux hommes partageant une version spécialement reformulée de l’aria de l’acte I en hommage d’anniversaire à la veuve de Tchekhov, Olga Knipper, et les deux ténors peuvent être comparés à l’écran dans la célèbre complainte de Lensky.
L’interprétation de Lemeshev dans l’enregistrement de l’opéra complet, réalisé en 1956, montre une voix encore remarquablement jeune et fraîche, et il l’a chantée pour la dernière fois à l’âge de 70 ans. Bon goût et musicalité impeccable marquent deux rôles de camée dans les opéras de Rimski-Korsakov, l’invité indien dans Sadko et le tsar Berendey dans La jeune fille des neiges.
David Nice
Dans ses propres mots : « Je n’ai pas chanté Alfredo depuis des années. Mais je veux désespérément l’interpréter à nouveau, ne serait-ce qu’une fois…’ (Lemeshev âgé de 63 ans).
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19. Wolfgang Windgassen (1914-1974)
Un Heldentenor dans un nouveau moule plus léger, Windgassen a dominé la scène wagnérienne de l’après-guerre.
Wolfgang Windgassen a suivi les traces de son père, également ténor et avec qui il a étudié, travaillant à l’opéra de Stuttgart, d’abord comme chanteur puis, à partir de 1972, jusqu’à sa mort deux ans plus tard, comme directeur. Bien que célèbre pour ses rôles wagnériens, Windgassen a fait ses débuts en 1941 dans le rôle de Don Alvaro dans La forza del destino.
À Bayreuth, il a chanté des rôles majeurs de ténor et a été le Siegfried dans l’enregistrement du Ring par Solti pour Decca dans les années 1960. Bien que sa voix ne possède pas la résonance de baryton des autres grands d’avant-guerre, son timbre exquis en a fait l’un des chanteurs wagnériens les plus appréciés de sa génération. Son Siegfried dans le célèbre Ring Decca est inoubliable par sa force et sa fragilité.
Jan Smaczny
Dans ses propres mots : ‘Gott, welch’ dunkles Bier’ (‘Quelle bière sombre’) – Windgassen sur sa sortie de scène rapide de l’opéra Fidelio de Beethoven, avec un mal de ventre.
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18. Alfredo Kraus (1927-1999)
Signe de raffinement lyrique, Kraus était un éternel favori des connaisseurs dans le bel canto et le répertoire français.
Même en poussant l’âge de 50 ans, Alfredo Kraus pouvait faire vibrer le public de Covent Garden dans La traviata de Verdi. Ses secrets étaient une technique chaleureuse et sans effort, une diction immaculée, un port noble et une intelligence informant chaque aspect de son art.
Venu tardivement à l’opéra – après avoir obtenu un diplôme d’ingénieur industriel dans son Espagne natale – il s’est élevé vers la célébrité aux côtés de Maria Callas et Joan Sutherland, faisant ses débuts au Metropolitan en 1966 dans le rôle du Duc dans Rigoletto de Verdi.
L’élégance de son style le rendait idéal dans Donizetti et Bellini, et plus tard il s’est spécialisé dans Massenet, notamment dans le rôle de Werther. Mais il était également superbe en Ferrando dans l’enregistrement classique de Karl Böhm de Così fan tutte de Mozart, et dans les délices de la zarzuela espagnole. Plutôt négligé aujourd’hui – et souffrant de suppressions parmi son catalogue d’enregistrements – il reste un aristocrate ténor suprême.
Geoffrey Smith
Dans ses propres mots : ‘Un chanteur est plus qu’un chanteur, c’est un artiste, et il est encore plus qu’un artiste, c’est un maestro.’
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17. Anthony Rolfe Johnson (1940-2010)
Le ténor anglais Anthony Rolfe Johnson est venu tardivement au chant, mais son talent naturel allié à une vive intelligence musicale l’a conduit à une grande carrière.
Anthony Rolfe Johnson était l’un des chanteurs les plus honnêtes qui soient – à propos de sa voix, par exemple : » Elle n’est pas grande, mais puissante et compacte, pleine d’énergie, et c’est une grande arme. J’irais plus loin – son chant est viril, ardent, mais il y a aussi une musicalité immaculée, un merveilleux sens du timing, qui séduit l’auditeur.
Et son immersion totale dans tous les personnages qu’il a interprétés, des rôles d’opéra exigeants à la ballade la plus simple d’un récital Songmaker’s Almanac, signifie que chaque représentation est un nouveau plaisir – pour lui et pour nous.
Je n’oublierai jamais sa prestation dans le Retour d’Ulysse de Monteverdi à l’English National Opera : intensément émouvante et une discrète masterclass du style monteverdien. Écoutez son CD In Praise of Woman (sur le label Helios : CDH 55159) – chaque chanson est illuminée par son mélange unique de passion, de tendresse et de beauté pure de la voix.
Catherine Bott
Dans ses propres mots : ‘A cinq heures, j’arrête de travailler et je deviens un père – je ne crois pas qu’il faille être le chanteur vedette qui ne fait que « visiter » la maison.’
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16. John McCormack (1884-1945)
Au cours d’une carrière de plus de 40 ans, McCormack a chanté et enregistré des opéras, des oratorios, des lieds, des chansons populaires et des chansons folkloriques de son Irlande natale.
Après la mort de Caruso en 1921, le comte John McCormack allait devenir la prochaine superstar du ténor – ses ventes de disques dépassant même celles de Caruso.
Le pianiste Gerald Moore a commenté que McCormack n’aimait pas trop répéter ou faire des reprises en studio d’enregistrement, préférant l’honnêteté de la performance en direct. L’héritage enregistré de McCormack révèle un artiste qui combinait une technique immaculée avec la spontanéité ; le charme avec l’humilité. C’est son don de communiquer l’essence même d’un texte – qu’il s’agisse d’un opéra italien ou d’une ballade irlandaise – qui a rendu son attrait si universel. Pour reprendre les mots du critique américain Max de Schauensee, « Il pouvait raconter une histoire. Il pouvait peindre des images.’
Kate Bolton-Porciatti
Dans ses propres mots : ‘J’aime aller sautiller dans ma vie, au gré de mes envies. Je ne crois pas à tout cet arrangement pédant des choses en ordre.’
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15. Franco Corelli (1921-1976)
Franco Corelli a hérité du manteau de Caruso et Gigli pour devenir probablement le plus grand ténor italien des années 1950 et 1960.
La combinaison d’être grand, brun et beau et de posséder une voix de ténor superlative est rare dans le monde de l’opéra, mais Corelli avait tout cela (son surnom, de » cuisses dorées » donne la mesure de son sex-appeal).
En écoutant sa voix aujourd’hui, elle peut sembler démodée, un retour à une époque antérieure, avec un vibrato rapide et une tendance à l’esbroufe. Il tenait les notes aiguës bien au-delà de leur valeur écrite (12 secondes dans le grand cri de » Vittoria ! » lors d’une Tosca de Covent Garden, par exemple), et certains critiques ont tenu à désapprouver ce qu’ils considéraient comme des » effets bon marché « .
Cependant, ses qualités de chanteur transparaissent dans les enregistrements et dans les témoignages contemporains : une voix sombre et lustrée, dotée d’une riche palette de couleurs épaisses, qui lui permettait d’explorer les profondeurs psychologiques des grands rôles de Verdi et de Puccini.
Ashutosh Khandekar
Selon ses propres mots : ‘Beaucoup de ceux qui enseignent poussent leurs élèves à forcer leur voix jusqu’à la ruine’
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14. Peter Schreier (né en 1935)
Peut-être le plus raffiné des ténors légers de l’après-guerre, Peter Schreier est apprécié pour la conviction de ses rôles à l’opéra, sa sincérité dans la musique religieuse et son intelligence dans les lieds.
En tant que choriste au Keruzchor de Dresde, ses aspirations initiales étaient vers la musique sacrée, en particulier les grands rôles d’évangélistes dans les Passions et l’Oratorio de Noël de Bach ; en effet, sa dernière apparition en tant que chanteur professionnel fut l’évangéliste de l’Oratorio de Noël, qu’il dirigeait également, à Prague en 2005, à l’âge de 70 ans.
Sa carrière lyrique a commencé par le rôle du premier prisonnier dans Fidelio en 1959, mais s’est rapidement épanouie avec des travaux à l’East-Berlin Staatsoper d’alors, à l’Opéra d’État de Vienne, aux festivals de Salzbourg et de Bayreuth. Bien qu’apprécié principalement pour les rôles mozartiens, tels que Belmonte et Tamino, il a conservé son amour du Bach. Schreier était également l’un des meilleurs chanteurs de lieder de sa génération ; son enregistrement de 1991 de Die schöne Müllerin de Schubert est remarquable par sa perspicacité imprévue.
Jan Smaczny
Dans ses propres mots : ‘Cela doit être comme un tour au-dessus du Bodensee, vous devez le faire sans montrer aucune peur’. (Schreier parlant de l’Alleluia coloratura de la Cantate 51 de JS Bach)
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13. Juan Diego Flórez (b1973)
Le nouveau Pavarotti ? Juan Diego Flórez rayonne d’un charme sans effort, tandis que ses étonnantes prouesses vocales lui valent les éloges de la critique et l’adulation du public.
Il a volé la vedette lors de la Last Night des BBC Proms 2016, y inspirant le même ravissement que dans les opéras du monde entier. Une merveilleuse pureté de ton et une virtuosité à couper le souffle rendent son chant irrésistible, couplé à une belle apparence et à un plaisir de jouer.
Sa capacité à stimuler même les palais d’opéra les plus blasés a été démontrée l’année dernière lorsque, renversant une tradition à toute épreuve, le public de la Scala, célèbre pour sa sévérité, a exigé un bis de » Oh, mes amis » de La fille du régiment de Donizetti, avec sa séquence héroïque de neuf do supérieurs. Comme cette pièce était une spécialité du héros de Flórez, le regretté Luciano Pavarotti, l’ovation a donné un sentiment inévitable de passage de flambeau.
Geoffrey Smith
Dans ses propres mots : Quand vous vous sentez détendu et à l’aise, vous ressentez ce que vous chantez. Et alors vous communiquez tout simplement. Et c’est le plus beau moment, parce que le public peut ressentir ce que vous ressentez vraiment.’
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12. Carlo Bergonzi (1924-2014)
Virile mais élégant, ardent mais intelligent, avant tout humain ; Bergonzi était considéré par beaucoup comme le plus grand ténor de Verdi du milieu du 20e siècle.
Après avoir débuté comme baryton en 1948, la carrière internationale de Bergonzi en tant que ténor a pris son envol dans les années 1950, lorsqu’il a entamé des associations à long terme avec le Metropolitan, La Scala et Covent Garden. Son enquête de trois disques pour Philips sur les rôles de ténor de Verdi en 1976 est en quelque sorte un point de repère, tout comme les enregistrements complets de Radames, Alfredo et le duc de Mantoue, entre autres.
Sur scène, il était raide et ordinaire : » Je sais que je ne ressemble pas à Rudolph Valentino, mais j’ai essayé d’apprendre à jouer la comédie à travers la voix. Sa maîtrise du souffle et de la couleur des mots lui permettait d’incarner les sangs chauds Canio et Cavaradossi sans les grognements habituels. Aujourd’hui octogénaire, Bergonzi enseigne et dirige un hôtel dans la ville natale de Verdi, Busseto.
Howard Goldstein
Dans ses propres mots : ‘La technique permet à un artiste d’arriver à un niveau d’excellence où il est impossible de deviner quelles qualités sont acquises et lesquelles sont innées.’
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11. Tito Schipa (1888-1965)
Salué comme un véritable » tenore di grazia « , Schipa a envoûté le public par sa clarté vocale, sa subtilité musicale et son élégance interprétative plutôt que par des feux d’artifice techniques.
Peu de ténors ont fait autant de choses avec relativement peu de choses que Tito Schipa. Plutôt limité en termes de tessiture et d’ampleur dynamique, et même dépourvu d’un timbre vocal particulièrement attrayant, il possédait pourtant le plus grand des dons : la capacité de faire une ligne de chant et de la projeter aux quatre coins d’une salle enchantée. Dans le répertoire lyrique du bel canto, il régnait en maître, avec un sens exquis de l’ombrage, des nuances et du rubato, et une diction miraculeuse qui semblait faire parler chaque voyelle.
Superstar mondiale, il est devenu une idole de matinée à part entière en Amérique, qui a même pardonné ses sympathies fascistes pendant la Seconde Guerre mondiale. Sa version classique de ‘Una furtiva lagrima’ de Donizetti reste une leçon pour tout chanteur et un tour de force expressif, couronné par le diminuendo parfaitement jugé et provoquant la pâmoison qui était une marque de fabrique de Schipa.
Geoffrey Smith
Dans ses propres mots : « Je n’ai jamais forcé ma voix. Je n’ai jamais chanté ce que je ne pouvais pas chanter. C’est mon seul secret.’
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10. Peter Pears (1910-1986)
Sir Peter Pears restera toujours dans les mémoires pour son partenariat de toute une vie avec Benjamin Britten, dont il a inspiré certaines des plus belles musiques.
Mes parents aimaient la musique de Britten, et j’ai été élevé en apprenant et en aimant chaque détail du raffinement et de l’esprit que Peter Pears a apporté aux Folk Songs, l’héroïsme de son St Nicholas, surtout l’altérité torturée de Peter Grimes. Pears et Britten sont restés ensemble pendant 40 ans – ils ont créé l’English Opera Group et l’Aldeburgh Festival, et ont développé un partenariat de récital inégalable.
Le son de Pears ne plaît pas à tout le monde, mais son sens artistique est indiscutable : Britten a aimé qu’il transmette » chaque nuance, subtile et jamais exagérée « . C’est sa voix qui a inspiré Britten à composer des opéras, et sa spiritualité et son érudition qui ont tant contribué à des œuvres comme les Holy Sonnets de John Donne.
Il aurait eu une carrière sans Britten – il était un interprète d’opéra convaincant et couronné de succès bien avant Peter Grimes – mais sans Pears, nous n’aurions pas certaines des plus belles œuvres jamais écrites pour ténor. Son art ne se limitait pas à Britten, bien sûr – l’enregistrement de la Passion selon saint Matthieu de Klemperer, si démodé de nos jours, est dominé (mais jamais écrasé) par l’évangéliste de Pears. Et il aimait chanter Dowland, dont les chansons, disait-il, étaient » colorées d’une douce tristesse argentée » – une image révélatrice, celle-là.
Catherine Bott
Dans ses propres mots : » Peter Grimes n’est pas le rôle-titre le plus héroïque de tout l’opéra. Il n’est pas Don Giovanni ou Otello, et plus on applique de glamour à sa présentation, plus on s’éloigne de ce que voulait le compositeur.’
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9. Nicolai Gedda (1925-2017)
L’intellect, le style et les capacités linguistiques de Gedda en font le plus polyvalent et le plus enregistré de son époque.
En 1952, Walter Legge auditionne un jeune ténor suédois et câble à ses contacts : » Je viens d’entendre le plus grand chanteur de Mozart de ma vie : il s’appelle Nicolai Gedda « .
L’ancien caissier de banque est rapidement engagé pour l’enregistrement classique de Boris Godunov de Dobrowen, et dès 1953, il est happé par les maisons de toute l’Europe. Mais Legge aurait difficilement pu prévoir que sa découverte deviendrait le ténor le plus polyvalent et le plus durable de l’après-guerre, triomphant dans un répertoire allant des aigus terrifiants de I Puritani de Bellini aux héroïsmes de Benvenuto Cellini de Berlioz et de Lohengrin de Wagner, et réalisant quelque 200 enregistrements – le dernier seulement en 2003.
Nicolai Harry Gustav Gedda Ustinov possédait un son élégamment lyrique, rehaussé par une diction soignée. Dans les années 1970, lorsque je l’ai vu, son registre supérieur autrefois claironnant montrait des signes de fatigue, mais il compensait admirablement avec style et ardeur. Intellectuel de grande envergure, Gedda apportait une réflexion sérieuse à ses rôles.
Michael Scott Rohan
Dans ses propres mots : ‘Ceux à qui Dieu a donné une belle voix ont aussi le devoir de la former et de la soigner.’
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8. Jon Vickers (1926-2015)
Ténor héroïque d’une autorité et d’une complexité uniques, Vickers a imprimé son approche individuelle à une série de portraits qui aspiraient à un niveau spirituel.
C’est son audition pour Covent Garden en 1957 qui a poussé le Canadien Jon Vickers sur la scène. Ses premiers rôles incluent Gustavo dans Un ballo in maschera de Verdi, Don José dans Carmen de Bizet et le rôle-titre de l’historique production Visconti/Giulini du Don Carlos de Verdi ; mais le potentiel de sa voix pour assumer les rôles les plus exigeants du répertoire le conduit vers Enée de Berlioz, Florestan de Beethoven et Siegmund, Parsifal et Tristan de Wagner, plus Peter Grimes de Britten – un rôle qu’il a effectivement redéfini.
Avec sa présence dramatique alliée à un ton de bronze bruni qui pouvait chevaucher n’importe quel orchestre, Vickers est devenu le ténor de choix dans de tels rôles à Bayreuth, Vienne, au Met et dans d’autres grandes maisons.
Un acteur à la puissance volcanique – il fut sans doute le seul partenaire ténor en qui Maria Callas trouva un égal lorsqu’il chanta Jason à sa Médée dans l’opéra de Cherubini – l’art de Vickers était fondé sur des convictions philosophiques et religieuses ; il se retira d’une production de Tannhäuser de Wagner, invoquant le blasphème de l’œuvre. Ses Canio et Otello étaient terrifiants, son Grimes une étude déchirante du rejet, son Tristan insupportablement émouvant.
George Hall
Dans ses propres mots : ‘Chaque fois qu’un artiste détourne son regard de l’ultime… de ce que j’appellerais « l’Éternel », alors il se diminue lui-même, et la qualité de son art s’en trouve diminuée.’
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7. Beniamino Gigli (1890-1957)
Gigli était le principal ténor italien de l’entre-deux-guerres, doté d’un timbre mielleux et d’une aisance qui faisaient de lui » le chanteur du peuple « .
Né dans la petite ville italienne de Recanati en 1890, Gigli commence à chanter comme choriste avant de suivre une formation vocale à Rome. Après des débuts réussis en 1914 dans La Gioconda, il est demandé dans toute l’Italie et, en 1920, il est entré au Met, où il a hérité de nombreux rôles de Caruso après la mort de ce dernier l’année suivante. Il reste à New York jusqu’en 1932, date à laquelle il refuse une réduction de salaire due à la dépression et retourne en Italie. Il y devient le ténor préféré de Mussolini, bien qu’après la guerre cette association soit pardonnée.
Il réalise 20 films et 900 disques qui montrent une voix de ténor lyrique impeccable, d’une douceur remarquable, utilisée avec goût et imagination, bien qu’à partir du milieu des années 1930, sa voix se détériore. Il continue néanmoins à se produire jusqu’à peu avant sa mort en 1957. Les opéras véristes – y compris des missions aussi lourdes que Manon Lescaut de Puccini et Andrea Chénier de Giordano – lui convenaient, tandis que dans les opéras lyriques comme la Traviata ou la Bohème, il était difficile à égaler.
George Hall
Dans ses propres mots : ‘Chanter deux fois le même air de la même façon, cela relève des écoles et des professeurs. Gigli n’est pas des écoles.’
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6. Lauritz Melchior (1890-1973)
Lauritz Melchior est né baryton et s’est réinventé comme le meilleur Heldentenor du XXe siècle, établissant des normes pour chanter Wagner qui n’ont jamais été dépassées.
Melchior est né à Copenhague en 1890, le même jour que Gigli. Il a fait ses débuts en 1913 en chantant Silvio dans Pagliacci, mais en entendant le jeune baryton chanter un do aigu dans Il trovatore, un collègue américain a déclaré qu’il était un ténor » avec le couvercle « . Et ce sont les couleurs caramélisées du registre inférieur de Melchior qui rendent sa voix si distinctive, ainsi que l’endurance nécessaire pour chanter les grands rôles de ténor de Wagner sans se fatiguer.
En 1924, Melchior chante au premier festival de Bayreuth de l’après-guerre et la même année, il triomphe à Londres dans le rôle de Siegmund dans Die Walküre. Il faudra attendre encore cinq ans avant que New York ne le prenne dans son cœur, mais après avoir chanté Tristan au Met, il devient le Heldentenor de choix de la compagnie pour presque toutes les saisons, jusqu’à ce qu’il choisisse » L’Adieu de Lohengrin » pour son chant du cygne en février 1950.
Si la puissance et l’endurance sont les marques de fabrique de l’art de Melchior, il y a aussi de la délicatesse dans son phrasé et une sûreté absolue dans le timbre qui n’est jamais moins que beau et toujours convenablement expressif.
Un Siegfried a-t-il transmis un tel émerveillement devant une Brünnhilde qui s’éveille ? Un frère a-t-il courtisé sa sœur avec autant d’ardeur et de désespoir ? Sur disque, Melchior est à son meilleur dans le rôle de Siegmund auprès de la Sieglinde au cœur touchant de Lotte Lehmann dans l’acte I de Die Walküre enregistré à Vienne en 1935.
Christopher Cook
Selon ses propres mots : « Considérez votre voix comme un capital à la banque. Chantez sur votre intérêt et votre voix durera.’
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5. Jussi Björling (1911-1960)
Le beau timbre et la technique sans effort de Björling ont contribué à sa réputation de parangon de l’art du chant au cours d’une illustre carrière internationale.
Trouver des éloges sur l’art vocal de Björling est à peu près aussi difficile que de trouver des grains de sable sur une plage, mais il semble extraordinaire que tant de ces éloges proviennent de ses collègues et de musiciens de premier plan. Pour sa compatriote suédoise Elisabeth Söderström, « écouter Björling a toujours été mon ultime plaisir. Il ne faisait jamais un son laid, et pourtant sa voix était l’instrument le plus humain, le plus émotionnel.’
Irene Dalis pensait ‘qu’il était le premier ténor du monde. Et pourtant, il n’y a jamais eu une autre voix égale à la sienne.’ Arturo Toscanini – qui n’est pas connu pour admirer les chanteurs – s’est exclamé : » Quelle belle voix et quel chant fin, tout sur le souffle, une technique parfaite. Tout est lié et sa diction est très bonne aussi. Bravo !’
Regina Resnik a affirmé qu’une interprétation en ouverture de concert de l »Ingemisco’ du Requiem de Verdi au Albert Hall ‘était probablement l’une des cinq minutes les plus magnifiquement chantées que j’ai jamais, jamais entendues de ma vie. À tel point que j’étais assis là à pleurer comme un enfant.’
La voix de Björling n’était pas grande, mais elle était parfaitement placée, possédait une brillance argentée et permettait des nuances dynamiques et coloristiques à chaque point de son registre – selon le critique américain Conrad L Osborne, la ‘maîtrise de la ligne, sa maîtrise des effets (vocaux) classiques… de Björling est d’une sorte qui fait passer même de très bons chanteurs pour de légers amateurs.’
Bien que son jeu dans l’opéra mis en scène ait parfois frappé les observateurs comme étant flegmatique ou superficiel, l’habileté technique et la subtilité expressive de son chant ont tout balayé devant lui. Connu surtout pour ses rôles de ténor romantique comme Rodolfo (La bohème), Cavaradossi (Tosca), le Duc (Rigoletto), Manrico (Il trovatore), Faust et Roméo (les deux derniers tirés des opéras de Gounod), Björling a parfois interprété ou enregistré des rôles plus lourds, et son répertoire de concert comprenait également des airs d’opérette, des chansons scandinaves et des lieder allemands. Ses nombreux enregistrements témoignent d’une remarquable constance dans la qualité vocale et d’un niveau artistique élevé.
David Breckbill
Dans ses propres mots : ‘J’ai un seul rôle préféré. Il s’agit d’Otello. Quel rôle pour un ténor ! Quel opéra ! Quelle musique ! Mais vous savez quoi ? Je ne le chanterai jamais (sur scène). Cela endommagerait ma voix. Je ne voudrais pas que cela arrive.’
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4. Fritz Wunderlich (1930-1966)
Le ténor lyrique allemand exceptionnel de sa génération, sa vie a été tragiquement interrompue alors que sa carrière internationale démarrait, mais grâce à ses nombreux enregistrements, sa voix unique est restée inoubliable.
Lorsque Fritz Wunderlich meurt dans une chute lors d’un séjour de chasse, neuf jours seulement avant son 36e anniversaire en septembre 1966, il est au zénith de sa carrière de chanteur mozartien. Le rôle de Tamino, qu’il avait enregistré l’année précédente à Berlin sous la baguette de Karl Böhm, encadrait sa trop brève carrière dans les grands rôles. C’est en 1956, en tant que jeune membre de l’Opéra de Stuttgart, qu’il remplace un collègue indisposé, Josef Traxel, et donne l’avis d’un mozartien hors pair, au timbre facile, limpide et viril, au sens inné du style et à la diction immaculée dans sa langue maternelle.
Tamino est le dernier rôle qu’il chante sur scène, dix ans plus tard, toujours avec l’ensemble de Stuttgart, au Festival d’Édimbourg, un mois à peine avant son accident mortel. Au cours d’une carrière qui n’a guère duré plus de dix ans, il a donné des prestations exemplaires dans les rôles de ténor lyriques mozartiens : Belmonte dans Die Entführung aus dem Serail, Ferrando dans Così fan tutte et Don Ottavio dans Don Giovanni.
C’était un bourreau de travail et son répertoire lyrique s’étendait des opéras baroques et du début de la période classique de Monteverdi, Haendel et Gluck, aux classiques du XXe siècle comme Palestrina de Pfitzner et Les Excursions de Monsieur BrouΩek de JanáΩek, en passant par des œuvres contemporaines (il a créé des rôles dans des opéras de Carl Orff et Werner Egk).
Son répertoire de concert et de lieds n’était pas moins étendu et il a laissé des enregistrements inégalés des solos de ténor de la Création de Haydn et de la Missa Solemnis de Beethoven sous la direction de Karajan et, surtout, des chants de ténor de l’enregistrement de Klemperer du Das Lied von der Erde de Mahler, dans lesquels le timbre juvénile et séveux de Wunderlich s’allie à une diction éloquente et à une liberté dans le haut de la voix.
Dans le studio d’enregistrement, il était un populiste, enregistrant ses airs d’opérette préférés et des chansons comme ‘Granada’ qui l’ont rendu attachant pour ceux qui n’ont jamais mis les pieds dans un opéra.
Hugh Canning
Dans ses propres mots : « Pour gagner ma vie, je jouais de la musique jazz à côté. Le soir, je soufflais dans la trompette, jouais de l’accordéon, chantais des chansons populaires ; le matin, après quelques heures de sommeil, j’étudiais Monteverdi et Lully au collège.’
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3. Luciano Pavarotti (1935-2007)
Si certains irréductibles de l’opéra avaient des doutes, le grand public estimait que Pavarotti méritait le manteau de Gigli, Caruso, Tauber et Lanza comme le plus grand ténor, le plus populaire.
La vie de Pavarotti aurait presque pu être l’intrigue d’un film de Lanza. Son père, un boulanger, était un excellent ténor et encourageait beaucoup Luciano, qui était partagé entre la musique et le football. Le garçon chante dans la chorale locale, qui remporte le premier prix lors d’une visite au festival de Llangollen. Il fait ses débuts sur scène dans le rôle de Rodolfo dans La bohème en 1961 puis, en 1963, revient en Grande-Bretagne pour suppléer Giuseppe di Stefano dans le même rôle à Covent Garden.
Par la suite, il est engagé pour Sunday Night au Palladium de Londres, le joyau de la programmation du week-end d’ITV. Bientôt, son partenariat avec Joan Sutherland l’amène à jouer dans La fille du régiment, où sa célèbre facilité à chanter les do aigus est établie. Au fil des ans, sa corpulence croissante et les imperfections qui se développent dans sa voix entravent ses apparitions à l’opéra, et en 1992, il est hué à la Scala lorsque, dans le rôle de Don Carlos, il craque une note.
Pour de nombreux aficionados, il n’avait pas la profondeur de Domingo, mais sa touche commune, ses concerts en plein air à grande échelle, y compris l’occasion légendaire de 1991 devant le Prince et la Princesse de Galles où il a persuadé la plupart de la foule de déployer leur parapluie malgré la pluie, son mélange adroit de grands airs d’opéra avec des ballades napolitaines très appréciées et son jeu d’acteur relativement sobre lui ont valu l’amour et l’admiration d’un grand nombre de spectateurs.
Il a toujours accordé une grande importance au legato, dont l’approche donnait à ses interprétations une qualité naturelle, mais c’est peut-être son registre supérieur exceptionnellement doux et régulier qui l’a vraiment marqué. Le revers de la médaille, ce sont ses engagements souvent embarrassants avec la pop, une tendance à perdre le contrôle de son vibrato dans les dernières années, et sa difficulté croissante à soutenir de longues performances. Cependant, lorsqu’il s’envole vers ces phrases finales de ‘Nessun Dorma’, tout est pardonné…
Barry Witherden
Dans ses propres mots : ‘Je pense qu’une vie dans la musique est une vie magnifiquement dépensée, et c’est à cela que j’ai consacré ma vie.’
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2. Enrico Caruso (1873-1921)
L’une des voix définitives du XXe siècle, Enrico Caruso était cette créature la plus rare : un véritable grand artiste avec un public populaire de masse.
Caruso était une superstar du chant, avec une voix née pour faire des enregistrements qui raviraient les sens d’un public adorateur. Sa carrière parmi les toutes premières à être construite sur cette alliance impie, et tout à fait moderne, d’un formidable talent naturel, de prouesses en studio d’enregistrement, et d’une gestion et de relations publiques brillantes.
L’opéra était, bien sûr, son principal centre d’intérêt, mais tout au long de ses plus de 250 enregistrements, pour la plupart publiés sous forme de 78 tours par la Victor Talking Machine Co, il a englobé la plupart des genres musicaux, de Verdi, Bizet et Puccini (son contemporain) à la chanson napolitaine et à la musique pop, l’un de ses meilleurs vendeurs étant » Over There « , une chanson enjouée pour l’armée américaine pendant la Première Guerre mondiale.
Il était indéniablement un amuseur de foule et son sens du spectacle était légendaire, ravissant son public en Amérique où sa carrière a particulièrement prospéré sous la direction d’Edward Bernays, expert en » psychologie des foules » et l’un des pionniers des
relations publiques modernes.
La voix de Caruso avait ses défauts : il n’était jamais tout à fait à l’aise dans le haut de sa gamme. Un do supérieur sonnant avait tendance à lui échapper, et il devait souvent transposer. Mais les enregistrements préservent une voix qui a un flux sans effort et facile à vivre, même dans les limites exiguës d’un studio primitif, avec un registre grave et moyen riche et puissant et des notes de tête très chargées qui semblent complètement en accord avec le nouveau style verismo dramatique qui avait émergé à la fin du 19ème siècle.
Bien que sa vie ait été inexorablement attirée par les États-Unis, le charme et le culot de Caruso sont restés nettement italiens. Il scandalisa New York après avoir été arrêté pour attentat à la pudeur au zoo de New York, devant la maison des singes. Il fut reconnu coupable d’avoir pincé les fesses d’une dame, mais prétendit que c’était un singe qui l’avait fait.
Caruso est l’un des tout premiers grands chanteurs dont la voix reste vivante pour nous aujourd’hui grâce à ses enregistrements. Son influence se fait sentir encore aujourd’hui : écoutez n’importe quel grand ténor d’opéra – Domingo, Pavarotti – et il y a certaines manières et tournures de phrases qui vous font penser : ‘Ah oui, ça sort tout droit de la bouche de Caruso !’
Ashutosh Khandekar
Dans ses propres mots : ‘Je ne monte jamais sur scène sans me demander si je vais réussir à terminer l’opéra.’
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1. Plácido Domingo (né en 1941)
Domingo est ce phénomène vocal le plus rare, un ténor qui a utilisé sa voix au service de la recréation du grand art, et non comme une fin palpitante en soi.
Plácido Domingo est né en Espagne, officiellement en 1941, mais beaucoup affirment que la date devrait être antérieure d’un an ou plus. Même si la date qu’il préfère est correcte, il a préservé sa voix dans une carrière extraordinairement énergique pendant près de 50 ans, après avoir fait ses débuts en 1959 au Mexique, où sa famille a déménagé lorsqu’il avait huit ans.
Il chante toujours, notamment des rôles aussi exigeants que Siegmund dans Die Walküre de Wagner, ainsi que dans des opéras italiens soigneusement sélectionnés. Au cours de cette énorme carrière, il a toujours cherché de nouveaux rôles pour le mettre au défi, et en a enregistré plus d’une centaine, en interprétant une proportion impressionnante d’entre eux sur scène.
Il a commencé par les opéras italiens habituels, principalement Verdi et Puccini, mais a remonté le temps, le plus ancien de ses rôles étant dans Hippolyte et Aricie de Rameau. Il a également chanté quelques opéras contemporains, mais uniquement ceux écrits dans un idiome assez traditionnel.
Ce qui est le plus surprenant, c’est que, presque seul parmi les ténors qui se sont fait connaître dans l’opéra italien, il s’est également consacré, depuis l’âge de 50 ans environ, à l’opéra allemand, principalement Wagner, dont il n’a pas pris le risque de chanter certains des plus grands rôles au théâtre, mais a enregistré tout ou partie de ceux-ci.
Il a même chanté au Festival de Bayreuth, la consécration suprême. Il n’a pas non plus négligé l’opéra français, notamment Berlioz et Massenet, ni le russe. Et maintenant, il se lance dans le répertoire pour baryton, avec l’Oreste de Gluck déjà au Met.
Avouée de travail, il dirige également des opéras, et est en charge du Washington National Opera et du Los Angeles Opera, des emplois qui impliquent une immense collecte de fonds. À part cela, il a bien sûr été l’un des Trois Ténors, et a enregistré des albums de Noël et des disques de chansons populaires italiennes et espagnoles.
Avec un répertoire aussi vaste, il n’est pas surprenant que l’on n’associe pas Domingo à des rôles particuliers, à l’exception peut-être de l’Otello de Verdi, dont il est l’interprète principal depuis que Jon Vickers, l’antithèse de Domingo à bien des égards, a pris sa retraite. Mais même dans ce cas, quand on pense à ce rôle et au type de voix et de présence qu’il requiert, celui de Domingo n’est pas nécessairement le premier nom qui vient à l’esprit.
Il est inévitable qu’on lui ait reproché de donner un compte rendu standardisé de nombreux rôles – mais alors il est difficile de voir comment on pourrait être individuel dans de nombreuses œuvres moins célèbres de Verdi. Il n’en reste pas moins que lorsque vous écoutez Domingo, vous êtes assuré d’un flot de sons magnifiques, d’une musicalité sensible, de la sécurité d’une voix si bien entretenue que rien ne peut aller de travers et, si vous le voyez, d’un jeu d’acteur de qualité. Chaleur, goût, engagement, compréhension : ce ne sont pas les premières choses qui viennent à l’esprit quand on pense à un ténor, mais elles le sont quand on pense à Domingo.
La scène lyrique depuis le milieu des années 1960 est inconcevable sans lui, et le gigantesque trésor d’enregistrements d’opéras témoignera aux générations futures de sa grandeur. In an age when ‘celebrity’ has rightly become a word of contempt, Plácido Domingo’s fame is an example of how once a huge name was built on solid foundations.
Michael Tanner
In his own words: ‘My motto is « When I rest, I rust ».’
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This article was first published in April 2008.