Palais de Versailles, France (vers 1624-98)

Les points forts de l’architecture

Une cour de 3 000 résidents, dont le roi et la reine, les membres de la famille royale, les ministres du gouvernement, les aristocrates, les diplomates, les fonctionnaires et autres, nécessitait un bâtiment suffisamment grandiose, et aucune dépense ne fut épargnée. En effet, le nouveau complexe est devenu l’apogée de l’architecture des palais. Entouré de 800 hectares de jardins immaculés, avec de belles perspectives, des fontaines et des statues, le palais contenait plusieurs suites symétriques d’appartements pour l’usage public et privé du roi et de la reine, ainsi que de nombreux autres points forts architecturaux.

Ces derniers comprenaient La Galerie des Glaces (1678-90) – la galerie centrale du palais – qui comprenait 17 arcs recouverts de miroirs reflétant les 17 fenêtres. Au total, 357 miroirs ont été utilisés pour sa décoration. Les ornements – les toiles le long du plafond qui célèbrent l’apothéose du roi, les marbres polychromes, les bronzes dorés – ont été organisés par Le Brun, et on peut dire que dans cette entreprise, il a atteint le sommet des possibilités expressives de l’art baroque français.

Une autre salle célèbre est l’Opéra royal de Versailles, conçu par Ange-Jacques Gabriel (1698-82), qui peut accueillir jusqu’à 1200 invités. Il s’agit de l’une des premières expressions du style Louis XVI. Parmi les autres salles de réception importantes, citons les Salons d’Hercule, Diane, Mars, Mercure, Apollon, Jupiter, Saturne et Vénus, tous nommés d’après des dieux et déesses romains. Les salles étaient décorées de peintures murales, en grande partie réalisées par Le Brun, qui était fortement influencé par la tradition italienne de la peinture baroque architecturale, illustrée par l’illusionnisme quadratura de Pietro da Cortona (1596-1669) au palais Pitti à Florence.

Des travaux de construction supplémentaires ainsi que des modifications des jardins, ont été instigués par Louis XV et Louis XVI, mais aucun changement majeur n’a eu lieu.

Aménagement intérieur et décoration

L’aménagement intérieur et la décoration du château de Versailles étaient légendaires par leur étendue, leur qualité et leurs dépenses. On y trouvait les meubles et l’ameublement les plus raffinés, de magnifiques objets d’art en céramique, notamment de la porcelaine de Sèvres, ainsi que des tapisseries d’art et des sculptures en bronze à petite échelle. Les premiers salons et la galerie des glaces contenaient même de somptueuses pièces de table, des gueridons et d’autres meubles en argent, qui furent ensuite fondus pour financer d’autres campagnes militaires. Il n’est pas surprenant que les dépenses astronomiques de Louis XIV aient stimulé une énorme expansion de l’artisanat français et des arts appliqués spécialisés, qu’elles aient conduit directement à l’émergence de l’art rococo (dominé par la France) et qu’elles aient créé un élan dans la peinture et la sculpture françaises qui a ouvert la voie à Paris pour devenir la capitale mondiale des arts.

Les jardins

La relation étroite du palais royal avec son parc était d’une importance fondamentale, car le parc, exactement comme le palais lui-même, était fait pour servir les exigences cérémonielles et festives du roi. Conçu pour les divertissements de la cour, le parc constitue la toile de fond naturelle et idéale pour des festivités sans fin basées sur la relation étroite – typique du baroque – entre la fête et l’architecture, entre l’éphémère et le permanent. Dès le concept initial, le château est considéré comme le centre d’un système urbanistique et d’un remaniement du paysage.

Tels sont l’esthétique et l’objectif d’André Le Notre, inventeur du jardin  » à la française « , qui commence à travailler à Versailles en 1662. Bien qu’il conserve la symétrie de la tradition italienne, le parc de Versailles présente un réseau d’allées axiales qui s’élancent vers l’horizon. Ces allées sont rythmées par des rond-points, des pavillons, une architecture arborescente, des espaces plus larges qui apparaissent soudainement, des escaliers, des terrasses, des bassins et des fontaines monumentales qui élargissent la perception visuelle de l’espace et ajoutent un sentiment d’émerveillement. Les jardins de Versailles contiennent plusieurs types de statues différentes, dont des œuvres de sculpteurs tels que : François Girardon (Apollon soigné par les nymphes de Thétis) ; Jean Baptiste Tuby (Fontaine d’Apollon) ; Antoine Coysevox (portraits de Louis XIV et de Le Brun) ; Gaspard Marsy (Fontaine de Bacchus ou  » île d’automne « ) ; entre autres.

Versailles n’a pas été créé uniquement pour servir de refuge et de lieu de divertissement : son organisation innovante de l’espace se voulait également symbolique du nouvel ordre de l’État. La disposition du parc et ses thèmes iconographiques interprètent la signification symbolique de l’ordre royal dans le monde. Le château de Versailles a continué à influencer l’architecture de la fin du XVIIIe siècle et au-delà, même s’il a d’abord dû survivre à l’iconoclasme de la Révolution française.

L’âge de Versailles

Dans tous les arts, l’âge de Louis XIV est marqué par l’éclat et la splendeur. L’art est organisé par l’État dans le but d’accroître la gloire de la France à travers la figure de Louis, le Roi Soleil, et la décoration de ses bâtiments privés et publics. Bien qu’un contrôle aussi étroit de l’art aboutisse souvent à la stagnation, l’art français officiel de la seconde moitié du XVIIe siècle se caractérise par une grandeur et une confiance en soi suprêmes.

Depuis l’invasion de l’Italie par Charles VIII en 1494, la France a souhaité imiter l’art de la Renaissance italienne, et l’influence des Italiens est énorme tout au long du XVIe siècle. Le palais de Fontainebleau, par exemple, a été décoré par des Italiens comme Francesco Primaticcio (1504-70), Rosso Fiorentino (1494-1540) et Benvenuto Cellini (1500-71) à partir de 1530, et les architectes italiens ont fourni des modèles qui ont grandement influencé les architectes locaux. Progressivement, à partir de 1560 environ, la France développe sa propre école d’architectes, mais dans le domaine de la peinture et de la sculpture, on continue à faire appel à des artistes étrangers jusqu’à la fin du XVIIe siècle. Les artistes français ont eu tendance à aller se former en Italie et plusieurs ont choisi d’y rester tout au long de leur carrière, notamment Claude Lorrain (1600-82) et Nicolas Poussin (1594-1665), aujourd’hui considérés comme les plus grands artistes français de l’époque.

En 1627, le peintre Simon Vouet (1590-1649) revient d’Italie en France, apportant avec lui une version simplifiée et moins extravagante du style baroque italien. Il forme les artistes de la génération suivante, dont Eustache LeSueur (1616-55) et Charles LeBrun (1619-90). LeBrun devint pratiquement le dictateur de l’art officiel sous Louis XIV, ses œuvres reflétant le faste et la formalité de la vie de cour. Poussin avait rencontré moins de succès ; sa visite à Paris en 1640-42 pour travailler pour la Couronne fut malheureuse, car ses peintures à petite échelle, austères et réfléchies, ne pouvaient rivaliser avec la mode du baroque.

À cette époque, Poussin s’était tourné vers des sujets chrétiens et classiques, dans lesquels il explorait la nature des émotions humaines dans des compositions claires et simples. Sa conviction était que la peinture devait viser à révéler des vérités universelles sur la Vie et l’Homme. Par son style et sa vision philosophique, cet artiste peut être comparé aux deux grands tragédiens de l’époque, Pierre Corneille (1606-84) et Jean Racine (1639-99).

Les arts sous le Roi Soleil

Louis XIV monte sur le trône en 1643 à l’âge de quatre ans. Son principal ministre est d’abord Mazarin, mais à la mort de ce dernier, en 1661, Louis prend pratiquement lui-même en charge le gouvernement du pays. Louis est l’exemple suprême du monarque absolu : sa conviction de son autorité divine était symbolisée par son emblème solaire, que l’on retrouve partout dans la décoration de son palais de Versailles. Son règne voit la France prééminente en Europe ; sa puissance politique et sa sophistication artistique se reflètent dans la cour que Louis dirige avec un formalisme et un cérémonial rigides.

Quelques ministres puissants sont retenus par Louis, parmi lesquels Colbert, qui est chargé d’organiser les arts. Au cours de cette période, la France est dotée d’académies d’architecture, de musique, d’inscriptions et de danse. L’Académie de peinture et de sculpture, fondée en 1648, passa sous le contrôle de Colbert en 1661 : il augmenta son pouvoir et la rendit plus exclusive. L’idée de l’académie était italienne et reprenait le système de la guilde médiévale, avec sa période d’apprentissage menant à la production d’un « chef-d’œuvre », après quoi l’apprenti devenait membre à part entière. Colbert a mis en place un système similaire. Les artistes apprenaient le style  » officiel  » ; s’ils le suivaient dans leurs propres œuvres, ils étaient sélectionnés pour être employés par l’État, que ce soit comme peintres, sculpteurs, bijoutiers ou menuisiers.

Le style de peinture  » approuvé  » à l’époque de Louis XIV était une version modifiée du baroque italien. L’architecture révèle les mêmes influences, que l’on voit à l’œuvre dans le projet de reconstruction du Louvre, le siège parisien des rois de France. La transformation du château médiéval en un palais moderne a progressé lentement de 1546 jusqu’à son achèvement en 1674 par une équipe de concepteurs : LeBrun, LeVau et Perrault. Colbert, en sa qualité de directeur des bâtiments, invite les principaux architectes français à lui soumettre des plans pour le front est. Ceux qui ont été soumis ont été rejetés pour divers motifs et, finalement, des plans ont été demandés au grand Bernin (1598-1680), le maître du baroque italien.

En tout, le Bernin a soumis trois projets, qui ont chacun été jugés comme ne correspondant pas au reste du bâtiment. La visite du Bernin à Paris, où il a suscité la colère des artistes et des architectes français par sa mauvaise opinion de leur travail, a conduit à ce que son troisième et dernier projet soit rejeté – et avec lui toute l’extravagance du baroque italien. Le Front Est tel qu’il a été érigé devait encore quelque chose à ses plans, étant sobre mais festif, mais il complète les sections précédentes du bâtiment, plutôt que de les rabaisser, comme toutes les conceptions du Bernin avaient tendance à le faire.

Palais de Versailles – Symbole de splendeur

Des membres de la même équipe ont été employés dans le projet architectural le plus ambitieux de l’époque – le remodelage de Versailles. Versailles a commencé par être un pavillon de chasse de taille très modérée, le refuge privé du roi, mais a été réincarné en palais en 1661 pour abriter l’ensemble de la cour française. Son premier architecte est Louis LeVau (1612-70), qui, outre sa collaboration au Louvre, a conçu le grand château de Vaux-le-Vicomte pour Fouquet, ministre des Finances de Louis. LeBrun, décorateur, et LeNotre, concepteur de jardins, avaient également travaillé sur le château. Lorsque Fouquet est emprisonné pour détournement de fonds en 1661, toute l’équipe est réemployée à Versailles.

Aujourd’hui, nous ne pouvons apprécier le remodelage de Versailles par LeVau qu’à travers des gravures, car son œuvre a été détruite (à partir de 1678) par Jules-Hardouin Mansart, qui a été chargé d’étendre la façade du jardin de l’édifice sur une longueur de 402 mètres (1 319 ft). À une telle échelle, la grandeur frise la monotonie.

La contribution la plus célèbre de Mansart à l’intérieur du palais est la galerie des glaces (1678-84). Les miroirs – une marchandise coûteuse utilisée avec une profusion extravagante – sont entrecoupés de pilastres de marbre vert ; des trophées dorés trônent sur la corniche richement décorée (la moulure ornementale en saillie le long du sommet d’un mur) et le plafond voûté est orné de peintures de LeBrun. Les mêmes qualités d’immensité, de couleur, de richesse, ainsi que l’utilisation de matériaux coûteux se retrouvent dans le parc, où LeNotre a été aidé par des armées d’entrepreneurs et d’ouvriers. L’eau et les fontaines (avec des mécanismes de pompage compliqués), les avenues rayonnantes et les parterres (motifs ornementaux de parterres de fleurs) sont tous des éléments importants dans l’effet total d’ordre et de formalité.

Dans le plan du schéma dans son ensemble, l’autorité du palais semble rayonner vers l’extérieur pour contrôler son environnement. Dans l’utilisation des principes de planification baroques que révèle ce schéma, la France a découvert un moyen d’exprimer sa suprématie européenne.

L’ameublement de pièces aussi nombreuses et vastes que celles créées dans des palais comme Versailles exigeait une organisation précise des arts décoratifs. Là encore, c’est Colbert qui fournit la réponse. En 1667, il crée les Meubles de la Couronne aux Gobelins, tout comme, trois ans auparavant, il avait donné à la manufacture de Beauvais le titre de Manufacture royale de tapisserie. L’entreprise familiale des Gobelins, fondée 200 ans plus tôt, avait été reprise en 1662 pour la Couronne par Colbert, qui déclara que désormais l’art serait au service du roi.

La manufacture des Gobelins, avec Charles LeBrun comme directeur artistique, devait donner une maison aux « …peintres, maîtres tisseurs de tapisseries à haute trame, fondeurs, graveurs, tailleurs de pierres précieuses, menuisiers en chêne et autres bois, teinturiers, et autres ouvriers qualifiés dans toutes sortes d’arts et métiers… »

Les meubles produits à cette époque sont lourds (mais rarement aussi lourds que la suite en argent massif fabriquée pour le cabinet de travail du roi – bientôt fondue pour aider les dépenses militaires). La marqueterie (travail d’incrustation de bois de différentes couleurs) et les décorations appliquées en bronze doré étaient particulièrement prisées. Les courbes et les volutes, les motifs allégoriques et antiques étaient souvent utilisés. Les murs étaient souvent ornés de tapisseries, dont la fabrication était beaucoup plus longue que celle des tableaux de taille similaire, et qui pouvaient être enrichies de fils d’or et d’argent. Des tapis tissés à Aubusson ou à la Savonnerie décoraient les sols des palais.

Un style d’une telle magnificence ne put survivre ni au déclin de la fortune de la France, ni à la mort du Roi Soleil en 1715. Au faste de cette époque succède la légèreté et la gaieté pastel du XVIIIe siècle. En architecture et dans les arts décoratifs comme en peinture et en sculpture, le nouveau style, connu sous le nom de rococo, régnera jusqu’à ce qu’il soit contesté par l’esthétique néoclassique après le milieu du siècle.

Révolution française et plus tard

Pendant cette période, au cours de laquelle une énorme quantité d’œuvres et d’objets d’art français ont été pillés et profanés, le château de Versailles a subi sa propre part de vandalisme et de vol. Finalement, le gouvernement de la République décrète qu’il doit devenir un dépôt d’œuvres d’art précieuses confisquées à la monarchie, et un musée est créé au château, mais il est fermé et ses œuvres sont dispersées peu de temps après. Ce n’est qu’avec la nomination de Pierre de Nolhac au poste de conservateur du château de Versailles en 1892 que des tentatives ont été faites pour restaurer le château dans un état proche de celui d’avant la Révolution. Cependant, aucun travail complet de réparation et de conservation n’a été réalisé avant les années 1950, lorsque Gerald van der Kemp a été nommé conservateur en chef (1952-80). Aujourd’hui, le château de Versailles est une attraction touristique internationale et un monument majeur de la culture française sous l’Ancien Régime.

Principaux architectes et concepteurs

Parmi les nombreux concepteurs français qui ont contribué au château de Versailles, les figures de proue sont Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart et Charles Le Brun.

Louis Le Vau (1612-70)

Premier architecte du roi Louis XIV et surintendant des constructions royales, Louis Le Vau a joué un rôle important dans l’évolution de l’architecture française du XVIIe siècle. Sa période de formation comprend un important voyage en Italie avec des visites à Gênes et à Rome ; en 1650, il commence à travailler pour la couronne française, construisant les pavillons du roi et de la reine à Vincennes, agrandissant l’église de Saint-Sulpice, et participant à l’achèvement du Louvre. L’une de ses œuvres majeures est le château de Vaux-le-Vicomte, construit en seulement cinq ans (1656-61) pour le ministre des finances Nicolas Fouquet. Il s’attaque ensuite au château royal de Versailles, où il conçoit un agrandissement de la structure originale construite en 1623 pour Louis XIII, en collaboration avec Le Brun et Le Notre, qui avaient travaillé avec lui à Vaux-le-Vicomte. Le Vau est responsable du noyau central du palais, des deux ailes de la cour, de la cour d’honneur, où convergent les routes de Paris, de la façade du jardin et de l’adoption inhabituelle du toit plat « à l’italienne », peut-être dérivé du plan proposé par le Bernin pour le Louvre. En outre, il est à l’origine du premier grand schéma de décoration de chinoiserie dans la décoration intérieure – qui apparaît dans le Trianon de Porcelaine (1670). Le choix de Le Vau, qui avait déjà réalisé le château révolutionnaire de Vaux-le-Vicomte, révèle le désir d’une structure ayant des liens étroits avec la nature environnante, comme dans le concept  » entre cour et jardin « , illustré par la planification d’un système axial et l’aménagement du parc.

Jules Hardouin Mansart (1646-1708)

Arrière-neveu de François Mansart, célèbre architecte de Louis XIII, avec lequel débute en France une nouvelle période classique, Jules Hardouin Mansart est le favori de Louis XIV, qui le nomme surintendant des constructions royales. Il avait été l’élève de son oncle, dont il tenait la sobriété de la décoration extérieure et la justesse des proportions. Son œuvre majeure est le palais royal de Versailles, où il mène à bien le projet de Le Vau de remanier la petite structure existante et d’agrandir le palais par des constructions ultérieures, notamment la Galerie des Glaces, le Grand Trianon et la chapelle. Architecte et urbaniste, Mansart conçoit la place Vendôme, anciennement place Louis-le-Grand, mais sa plus grande œuvre est le Dôme des Invalides, une église au plan en croix grecque couronnée d’un dôme relié à la façade, dans laquelle il supprime les excès de décoration, préférant les combinaisons de volumes et de lignes.

Charles Le Brun (1619-90)

Le principal artiste-politicien du XVIIe siècle, Charles Le Brun fut l’élève de Simon Vouet avant de gagner le patronage du cardinal de Richelieu en 1641. Il devient le fondateur et le directeur de l’Académie française, après quoi il supervise les décorations de Vaux-le-Vicomte, pour le ministre Fouquet. Après la chute de Fouquet, les talents de Le Brun sont reconnus par le puissant Jean-Baptiste Colbert (16191683), ministre des finances de Louis XIV, qui le nomme directeur de la manufacture de tapisseries des Gobelins et peintre en chef du roi. Nommé une sorte de surveillant créatif du Palais, Le Brun avait la responsabilité directe de peindre la Galerie des Glaces, ainsi que les Salons de la Guerre et de la Paix.

Andre Le Notre (1613-1700)

Le premier grand architecte de jardin, Le Notre est le créateur du jardin dit à la française, caractérisé par des dispositions axiales menant à des perspectives ininterrompues, l’espace du jardin étant défini par des parterres de fleurs et de haies, des plans d’eau, des canaux et des fontaines. Ses œuvres les plus célèbres sont le parc du château royal de Versailles (commencé en 1661), celui de Vaux-le-Vicomte (1655-61) et celui du château de Chantilly.

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