African dance
Traditional dance in Africa occurs collectively, expressing the life of the community more than that of individuals or couples. Early commentators consistently commented on the absence of close couple dancing: such dancing was thought immoral in many traditional African societies. In all sub-Saharan African dance, there seems to be no evidence for sustained, one-to-one male-female partnering anywhere before the late colonial era when it was apparently considered in distinctly poor taste. Per gli Yoruba, per fare un esempio specifico, toccarsi mentre si balla non è comune se non in circostanze speciali. L’unica danza in coppia associata alle danze africane sarebbe la Bottle Dance del popolo Mankon nella regione nord-occidentale del Camerun o l’Assiko del popolo Douala che coinvolge un’interazione tra uomo e donna e il modo in cui si affascinano a vicenda.
Mettendo in risalto il talento individuale, i ballerini e i batteristi Yoruba, ad esempio, esprimono desideri comunitari, valori e creatività collettiva. Le danze sono di solito segregate per sesso, dove i ruoli di genere nei bambini e altre strutture comunitarie come la parentela, l’età e lo status politico sono spesso rafforzati. Molte danze sono eseguite solo da maschi o femmine, il che è in parte dovuto al fatto che molte danze si sono sviluppate in associazione con attività occupazionali e credenze nei ruoli di genere e nelle espressioni di genere. Le danze celebrano il passaggio dall’infanzia all’età adulta o il culto spirituale. Le giovani ragazze dei Lunda dello Zambia passano mesi ad esercitarsi in isolamento per il loro rituale di passaggio all’età. I ragazzi mostrano la loro resistenza in danze molto energiche, fornendo un mezzo per giudicare la salute fisica.
I maestri danzatori e batteristi insegnano ai bambini ad imparare le danze esattamente come insegnato senza variazioni. L’improvvisazione o una nuova variazione arriva solo dopo aver imparato la danza, averla eseguita e aver ricevuto l’apprezzamento degli spettatori e la sanzione degli anziani del villaggio. La “formazione musicale” nelle società africane inizia alla nascita con i canti in culla, e continua sulle spalle dei parenti sia al lavoro che alle feste e ad altri eventi sociali. In tutta l’Africa occidentale e centrale il gioco dei bambini include tipicamente giochi che sviluppano le abilità nella comprensione dei ritmi. Bodwich, un primo osservatore europeo, osservò che i musicisti mantenevano un tempo rigoroso (cioè la preoccupazione per il battito di base o beat), notando che “i bambini muoveranno le loro teste e membra, mentre sono sulla schiena della madre, all’esatto unisono con la melodia che sta suonando”. Il suono di tre battiti contro due, noto come poliritmo, viene sperimentato nella vita quotidiana e aiuta a sviluppare un atteggiamento bidimensionale nei confronti del ritmo.
Lo strumento musicale più usato in Africa è la voce umana. I gruppi nomadi come i Masai non usano tradizionalmente i tamburi. In una comunità africana, riunirsi in risposta al battito del tamburo è un’opportunità per dare l’un l’altro un senso di appartenenza e di solidarietà, un momento per connettersi gli uni con gli altri ed essere parte di un ritmo collettivo della vita in cui giovani e vecchi, ricchi e poveri, uomini e donne sono tutti invitati a contribuire alla società.
Spalle, petto, bacino, braccia, gambe ecc. possono muoversi con diversi ritmi nella musica. I ballerini in Nigeria combinano comunemente almeno due ritmi nel loro movimento, e la fusione di tre ritmi può essere vista tra i ballerini altamente qualificati. L’articolazione di ben quattro ritmi distinti è rara. Possono anche aggiungere componenti ritmiche indipendenti da quelle della musica. Sono possibili movimenti molto complessi anche se il corpo non si muove nello spazio. I danzatori sono in grado di passare avanti e indietro tra i ritmi senza perdere dei movimenti.
Il drumming rappresenta un testo linguistico sottostante che guida la performance di danza, con il significato più emotivo che deriva dalle azioni e dal metalinguaggio della performance del danzatore. Mentre la spontaneità della performance del danzatore crea un’impressione di improvvisazione, si tratta di una tecnica piuttosto strenuamente provata. L’uso di questo stile di danza non è quello di enfatizzare l’esperienza individuale, ma piuttosto di mediare l’interazione tra il pubblico e la performance del danzatore.