I 20 più grandi tenori di tutti i tempi

Sono quelli che di solito interpretano l’eroe agile e atletico mentre il povero vecchio basso viene scritturato come il cattivo grande e pensieroso. Inoltre, c’è la spavalderia vocale di quei si e do alti che fa impazzire il pubblico mentre, fuori dal teatro dell’opera, la tradizione ha a lungo considerato i tenori soavi e setosi come le voci del romanticismo.

Ma chi sono i migliori esponenti dell’arte tenorile di tutti i tempi? Quali hanno mostrato la più grande potenza, estensione, grazia e flessibilità? Nel 2008 abbiamo chiesto ad una giuria di esperti di votare i cantanti che ritenevano essere i più grandi tenori di tutti i tempi. Sei d’accordo con le loro scelte?

20. Sergey Lemeshev (1902-1977)

Uno dei tenori di punta del Bolshoi della metà del XX secolo, Lemeshev combinava una straordinaria voce giovanile – anche alla fine della sua carriera – con un livello di caratterizzazione ineguagliato dalla maggior parte dei suoi contemporanei.

Due notevoli tenori russi arrivarono a dominare la scena sovietica negli anni ’30 e ’40. Sergey Lemeshev e Ivan Kozlovsky, nati a soli due anni di distanza l’uno dall’altro, divisero i loro fan in gruppi rivali di lemeshistki e kozlovityanki.

Entrambi possedevano alte voci liriche di grande distinzione, posizionamento in avanti e dizione impeccabile, anche se era Lemeshev ad essere benedetto dall’aspetto da idolo delle matinée e a fare il maggior effetto come il Duca nel Rigoletto.

Ha anche appena avuto il vantaggio romantico sul suo rivale nel suo ruolo principale, il poeta Lensky in Eugene Onegin di Tchaikovsky, una parte che ha cantato più di 500 volte; c’è un filmato toccante dei due uomini che condividono una versione appositamente riformulata dell’aria del primo atto come omaggio di compleanno alla vedova di Cechov, Olga Knipper, ed entrambi i tenori possono essere confrontati sullo schermo nel celebre lamento di Lensky.

L’interpretazione di Lemeshev nella registrazione dell’opera completa, fatta nel 1956, mostra la voce ancora notevolmente giovane e fresca, ed egli la cantò per l’ultima volta a 70 anni. Buon gusto e impeccabile musicalità contraddistinguono due ruoli cameo nelle opere di Rimsky-Korsakov, l’ospite indiano in Sadko e lo zar Berendey in The Snow Maiden.

David Nice

Nelle sue stesse parole: Non canto Alfredo da anni. Ma voglio disperatamente eseguirlo di nuovo, anche solo una volta…’ (Lemeshev, 63 anni).

• Sei dei migliori suonatori di viola
• Un’intervista al direttore d’orchestra Long Yu

19. Wolfgang Windgassen (19) Wolfgang Windgassen (1914-1974)

Un Heldentenor in uno stampo nuovo e più leggero, Windgassen ha dominato la scena wagneriana nel dopoguerra.

Wolfgang Windgassen seguì le orme del padre, anch’egli tenore e con il quale studiò, lavorando all’opera di Stoccarda, prima come cantante e dal 1972, fino alla sua morte due anni dopo, come direttore. Anche se famoso per i suoi ruoli wagneriani, Windgassen debuttò nel 1941 come Don Alvaro in La forza del destino.

A Bayreuth cantò ruoli tenorili importanti e fu il Siegfried nella registrazione di Solti del Ring negli anni ’60 per la Decca. Anche se la sua voce mancava della risonanza baritonale di altri grandi dell’anteguerra, il suo tono squisito lo rese uno dei più apprezzati cantanti wagneriani della sua generazione. Il suo Siegfried nel famoso Ring della Decca è indimenticabile per la sua forza e fragilità.

Jan Smaczny

Nelle sue stesse parole: ‘Gott, welch’ dunkles Bier’ (‘Che birra scura’) – Windgassen all’uscita rapida di scena dall’opera Fidelio di Beethoven, con un mal di stomaco.

• Sei dei migliori baritoni
• Una guida rapida al Prelude à l’apres-midi d’un faune

18. Alfredo Kraus (1927-1999)

Parola di raffinatezza lirica, Kraus è stato un perenne conoscitore del bel canto e del repertorio francese.

Anche a 50 anni, Alfredo Kraus poteva entusiasmare il pubblico del Covent Garden nella Traviata di Verdi. I suoi segreti erano una tecnica calda e senza sforzo, una dizione immacolata, un portamento nobile e un’intelligenza che informava ogni aspetto della sua arte.

Arrivato tardi all’opera – dopo essersi qualificato come ingegnere industriale nella sua nativa Spagna – è salito alla celebrità accanto a Maria Callas e Joan Sutherland, debuttando al Metropolitan nel 1966 come il Duca nel Rigoletto di Verdi.

L’eleganza del suo stile lo rese ideale in Donizetti e Bellini, e più tardi si specializzò in Massenet, in particolare nel ruolo di Werther. Ma fu anche superbo come Ferrando nella classica registrazione di Karl Böhm del Così fan tutte di Mozart, e nelle delizie della zarzuela spagnola. Piuttosto trascurato ora – e soffrendo di cancellazioni nel suo catalogo di registrazioni – rimane un aristocratico tenore supremo.

Geoffrey Smith

Nelle sue stesse parole: ‘Un cantante è più di un cantante, è un artista, ed è ancora più di un artista, è un maestro.’

• Sei dei migliori decessi operistici
• Sei delle migliori registrazioni di Arvo Pärt

17. Anthony Rolfe Johnson (1940-2010)

Il tenore inglese Anthony Rolfe Johnson si è avvicinato tardi al canto, ma il suo talento naturale unito ad un’acuta intelligenza musicale lo ha portato ad una grande carriera.

Anthony Rolfe Johnson era uno dei cantanti più onesti in circolazione – sulla sua voce, per esempio: ‘Non è grande, ma potente e compatta, piena di energia, e questa è una grande arma’. Io andrei oltre – il suo canto è virile, ardente, ma c’è anche un’immacolata musicalità, un meraviglioso senso del tempo, che seduce l’ascoltatore.

E la sua totale immersione in ogni personaggio che ha interpretato, dagli impegnativi ruoli operistici alla più semplice ballata in un recital del Songmaker’s Almanac, significa che ogni performance è un nuovo piacere – per lui e per noi.

Non dimenticherò mai la sua performance nel Ritorno di Ulisse di Monteverdi all’English National Opera: intensamente commovente e un’invadente masterclass in stile monteverdiano. Ascoltate il suo CD In Praise of Woman (su etichetta Helios: CDH 55159) – ogni canzone è illuminata dalla sua miscela unica di passione, tenerezza e pura bellezza della voce.

Catherine Bott

Nelle sue stesse parole: ‘Alle cinque smetto di lavorare e divento padre – non credo nell’essere il cantante famoso che fa solo ‘visita’ a casa.’

• Sei dei migliori violoncellisti
• I migliori pezzi di musica ispirati all’amore

16. John McCormack (1884-1945)

In una carriera di oltre 40 anni, McCormack ha cantato e registrato opere, oratori, Lieder, canzoni popolari e canzoni popolari della sua nativa Irlanda.

Dopo la morte di Caruso nel 1921, il conte John McCormack sarebbe diventato la prossima superstar del tenore – le sue vendite di dischi superarono persino quelle di Caruso.

Il pianista Gerald Moore ha commentato che McCormack non amava le prove eccessive o le riprese in studio di registrazione, preferendo l’onestà dell’esecuzione dal vivo. L’eredità registrata da McCormack rivela un artista che combinava una tecnica immacolata con la spontaneità, il fascino con l’umiltà. Era il suo dono di comunicare l’essenza stessa di un testo – che fosse un’opera italiana o una ballata irlandese – a rendere il suo fascino così universale. Nelle parole del critico americano Max de Schauensee: “Poteva raccontare una storia.

Kate Bolton-Porciatti

Nelle sue stesse parole: Mi piace andare a zonzo nella mia vita, come mi porta il capriccio. Non credo in tutta questa pedante disposizione delle cose in ordine.”

• Sei dei migliori canti sconosciuti
• 5 compositori con sinestesia

15. Franco Corelli (1921-1976)

Franco Corelli ha ereditato il manto di Caruso e Gigli per diventare forse il più grande tenore italiano degli anni ’50 e ’60.

La combinazione di essere alto, scuro e bello e di possedere una voce tenorile superlativa è rara nel mondo dell’opera, ma Corelli aveva tutto questo (il suo soprannome di “cosce d’oro” dà la misura del suo sex appeal).

Ascoltando la sua voce oggi, può sembrare antiquata, un ritorno ad un’epoca passata, con un vibrato rapido e una tendenza a mettersi in mostra. Teneva le note alte ben oltre il loro valore scritto (12 secondi nel grande grido di “Vittoria!” durante una Tosca al Covent Garden, per esempio), e alcuni critici disapprovavano quelli che consideravano “effetti economici”.

Tuttavia, le sue qualità di cantante risplendono nelle registrazioni e nei resoconti contemporanei: una voce scura e lucente con una ricca tavolozza di colori spessi che gli permetteva di esplorare le profondità psicologiche nei grandi ruoli verdiani e pucciniani.

Ashutosh Khandekar

Nelle sue stesse parole: ‘Molti di coloro che insegnano fanno sì che i loro allievi forzino le loro voci fino alla rovina’

• Sei dei migliori compositori multi-talenti
• Un’introduzione a Pélleas et Mélisande di Debussy

14. Peter Schreier (b1935)

Forse il più raffinato dei tenori leggeri del dopoguerra, Peter Schreier è apprezzato per la convinzione dei suoi ruoli operistici, la sua sincerità nella musica religiosa e l’intelligenza nei Lieder.

Da corista nel Keruzchor di Dresda, le sue aspirazioni iniziali erano verso la musica sacra, in particolare i grandi ruoli di Evangelista nelle Passioni di Bach e nell’Oratorio di Natale; infatti, la sua ultima apparizione come cantante professionista fu come Evangelista nell’Oratorio di Natale, che stava anche dirigendo, a Praga nel 2005, a 70 anni.

La sua carriera operistica iniziò con il ruolo di primo prigioniero nel Fidelio nel 1959, ma sbocciò rapidamente con lavori all’allora Staatsoper di Berlino Est, all’Opera di Stato di Vienna, ai Festival di Salisburgo e Bayreuth. Pur essendo apprezzato soprattutto per i ruoli mozartiani, come Belmonte e Tamino, ha mantenuto il suo amore per Bach. Schreier era anche uno dei migliori cantanti di Lieder della sua generazione; la sua registrazione del 1991 di Die schöne Müllerin di Schubert è notevole per la sua intuizione non forzata.

Jan Smaczny

Nelle sue stesse parole: ‘Deve essere come una cavalcata sul Bodensee, bisogna farlo senza mostrare alcuna paura’. (Schreier parla della coloratura dell’Alleluia della Cantata 51 di JS Bach)

• Sei delle migliori ambientazioni musicali di Romeo e Giulietta di Shakespeare
• Cosa succede ne L’uccello di fuoco di Stravinsky?

13. Juan Diego Flórez (nato nel 1973)

Il nuovo Pavarotti? Juan Diego Flórez irradia un fascino senza sforzo, mentre la sua sorprendente abilità vocale ha vinto le lodi della critica e l’adulazione popolare.

Ha rubato la scena al Last Night of the BBC Proms 2016, ispirando la stessa estasi che ha nei teatri d’opera di tutto il mondo. Una meravigliosa purezza di tono e un virtuosismo mozzafiato rendono il suo canto irresistibile, unito a un bell’aspetto e al piacere della performance.

La sua capacità di stimolare anche i palati più stanchi dell’opera è stata dimostrata l’anno scorso quando, ribaltando una tradizione ferrea, il pubblico della Scala, notoriamente severo, ha richiesto un bis di ‘Oh, mes amis’ da La fille du régiment di Donizetti, con la sua eroica sequenza di nove do superiori. Poiché il pezzo era una specialità dell’eroe di Flórez, il defunto Luciano Pavarotti, l’ovazione ha dato un inevitabile senso di passaggio della torcia.

Geoffrey Smith

Nelle sue stesse parole: Quando ti senti rilassato e a tuo agio, senti quello che stai cantando. E poi comunichi e basta. E quello è il momento più bello, perché il pubblico può sentire quello che stai veramente provando.”

• Sei delle migliori grandi opere con corali
• La migliore musica classica per la primavera

12. Carlo Bergonzi (1924-2014)

Virile ma elegante, ardente ma intelligente, soprattutto umano; Bergonzi è stato considerato da molti il più grande tenore verdiano della metà del XX secolo.

Dopo aver debuttato come baritono nel 1948, la carriera internazionale di Bergonzi come tenore è decollata negli anni ’50, quando ha iniziato una lunga collaborazione con il Metropolitan, La Scala e Covent Garden. La sua rassegna di tre dischi del 1976 per la Philips dei ruoli tenorili di Verdi è una specie di punto di riferimento, così come le registrazioni complete di Radames, Alfredo e il Duca di Mantova, tra gli altri.

Sul palco, era rigido e semplice: So di non assomigliare a Rodolfo Valentino, ma ho cercato di imparare a recitare attraverso la voce”. La sua padronanza del respiro e del colore delle parole gli ha permesso di ritrarre i focosi Canio e Cavaradossi senza i soliti mugugni e gemiti. Ormai ottantenne, Bergonzi insegna e gestisce un albergo nella città natale di Verdi, Busseto.

Howard Goldstein

Nelle sue stesse parole: La tecnica permette a un artista di arrivare a un livello di eccellenza in cui è impossibile indovinare quali qualità siano acquisite e quali innate.”

• Un’intervista al coreografo Matthew Bourne
• I 20 Soprano più grandi di tutti i tempi

11. Tito Schipa (1888-1965)

Salutato come un vero ‘tenore di grazia’, Schipa ha stregato il pubblico con chiarezza vocale, sottigliezza musicale ed eleganza interpretativa piuttosto che con fuochi d’artificio tecnici.

Pochi tenori hanno fatto così tanto da relativamente poco come Tito Schipa. Piuttosto limitato nella gamma e nell’ampiezza dinamica, persino privo di un timbro vocale particolarmente attraente, possedeva ancora il dono più grande di tutti – la capacità di creare una linea di canto e proiettarla in ogni angolo di una sala estasiata. Nel repertorio lirico belcantistico regnava sovrano, con uno squisito senso dell’ombra, delle sfumature e del rubato, e una dizione miracolosa che sembrava far parlare ogni vocale.

Una superstar globale, divenne un idolo matinee a tutti gli effetti in America, che perdonò persino le sue simpatie fasciste durante la seconda guerra mondiale. La sua versione classica di ‘Una furtiva lagrima’ di Donizetti rimane una lezione per qualsiasi cantante e un tour de force espressivo, coronato da quel diminuendo perfettamente calibrato e svenevole che era un marchio di fabbrica di Schipa.

Geoffrey Smith

Nelle sue stesse parole: Non ho mai forzato la mia voce. Non ho mai cantato ciò che non potevo cantare. Questo è il mio unico segreto.”

• Sei delle migliori Last Nights of the Proms
• Le migliori registrazioni del Miserere di Allegri

10. Peter Pears (1910-1986)

Sir Peter Pears sarà sempre ricordato per la sua collaborazione a vita con Benjamin Britten, di cui ha ispirato alcune delle musiche più belle.

I miei genitori amavano la musica di Britten, e io sono cresciuto imparando e amando ogni dettaglio della raffinatezza e dell’arguzia che Peter Pears portava nelle Folk Songs, l’eroismo del suo St Nicholas, soprattutto la tormentata alterità di Peter Grimes. Pears e Britten sono stati insieme per 40 anni – hanno fondato l’English Opera Group e l’Aldeburgh Festival, e hanno sviluppato un’insuperabile collaborazione nei recital: Britten amava la sua capacità di trasmettere “ogni sfumatura, sottile e mai eccessiva”. Fu la sua voce che ispirò Britten a comporre l’opera, e la sua spiritualità ed erudizione che contribuì così tanto a opere come i sonetti sacri di John Donne.

Avrebbe avuto una carriera senza Britten – era un interprete operistico convincente e di successo molto prima di Peter Grimes – ma senza Pears non avremmo alcune delle più belle opere mai scritte per tenore. La sua arte non riguardava solo Britten, naturalmente – la registrazione della Passione di San Matteo di Klemperer, così fuori moda in questi giorni, è dominata (ma mai sopraffatta) dall’Evangelista di Pears. E amava cantare Dowland, le cui canzoni, diceva, erano “colorate di una dolce tristezza argentea” – un’immagine eloquente: Peter Grimes non è il ruolo più eroico di tutta l’opera. Non è Don Giovanni o Otello, e più glamour viene applicato alla sua presentazione, più ci si allontana da ciò che il compositore voleva.”

– Leggi tutto: Pears e Britten

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9. Nicolai Gedda (1925-2017)

L’intelletto, lo stile e l’abilità linguistica di Gedda lo hanno reso il più versatile e registrato della sua epoca.

Nel 1952, Walter Legge fece un’audizione a un giovane tenore svedese, e telegrafò ai suoi contatti: ‘Ho appena sentito il più grande cantante di Mozart della mia vita: si chiama Nicolai Gedda’.

L’ex cassiere di banca fu rapidamente ingaggiato per la registrazione del classico Boris Godunov di Dobrowen, e nel 1953 fu preso d’assalto dalle case di tutta Europa. Ma Legge difficilmente avrebbe potuto prevedere che la sua scoperta sarebbe diventata il tenore più versatile e duraturo del dopoguerra, trionfando nel repertorio dagli acuti terrificanti de I Puritani di Bellini all’eroismo di Benvenuto Cellini di Berlioz e Lohengrin di Wagner, e facendo circa 200 registrazioni – l’ultima solo nel 2003.

Nicolai Harry Gustav Gedda Ustinov possedeva un suono elegantemente lirico, valorizzato da una dizione raffinata. Negli anni ’70, quando l’ho visto, il suo registro superiore, un tempo chiarissimo, mostrava una certa fatica, ma compensava mirabilmente con stile e ardore. Un intellettuale di ampio respiro, Gedda ha portato una seria riflessione nei suoi ruoli.

Michael Scott Rohan

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8. Jon Vickers (1926-2015) Jon Vickers (1926-2015)

Un tenore eroico di autorità e complessità uniche, Vickers ha impresso il suo approccio individuale su una serie di ritratti che aspirano ad un livello spirituale.

È stata la sua audizione per il Covent Garden nel 1957 a spingere il canadese Jon Vickers sulla scena. I suoi primi ruoli furono Gustavo in Un ballo in maschera di Verdi, Don José nella Carmen di Bizet e il ruolo del titolo nella storica produzione Visconti/Giulini del Don Carlos di Verdi; ma il potenziale della sua voce per affrontare i ruoli più impegnativi del repertorio lo portò verso l’Enea di Berlioz, il Florestano di Beethoven e il Siegmund, Parsifal e Tristan di Wagner, più il Peter Grimes di Britten – un ruolo che ridefinì efficacemente.

Con la sua presenza drammatica unita ad un tono di bronzo brunito che poteva cavalcare sopra qualsiasi orchestra, Vickers divenne il tenore preferito in questi ruoli a Bayreuth, Vienna, il Met e altre importanti case.

Un attore dalla potenza vulcanica – fu probabilmente l’unico tenore in cui Maria Callas trovò un partner alla pari quando cantò Giasone per la sua Medea nell’opera di Cherubini – l’arte di Vickers era fondata su convinzioni filosofiche e religiose; si ritirò da una produzione del Tannhäuser di Wagner, citando la blasfemia dell’opera. I suoi Canio e Otello erano terrificanti, il suo Grimes uno straziante studio sul rifiuto, il suo Tristano insopportabilmente commovente.

George Hall

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7. Beniamino Gigli (1890) Beniamino Gigli (1890-1957)

Gigli è stato il principale tenore italiano degli anni tra le due guerre, dotato di un tono smielato e di un modo di fare facile che lo ha reso “il cantante del popolo”.

Nato nella piccola città italiana di Recanati nel 1890, Gigli ha iniziato a cantare come corista prima di formarsi vocalmente a Roma. Dopo un debutto di successo nel 1914 ne La Gioconda, fu richiesto in tutta Italia e nel 1920 arrivò al Met, dove ereditò molti dei ruoli di Caruso dopo la morte di quest’ultimo l’anno successivo. Rimase a New York fino al 1932, quando rifiutò un taglio di stipendio dovuto alla Depressione e tornò in Italia. Lì divenne il tenore preferito di Mussolini, anche se dopo la guerra questa associazione gli fu perdonata.

Fece 20 film e 900 dischi che mostrano un’impeccabile voce da tenore lirico di notevole dolcezza, usata con gusto e fantasia, anche se dalla metà degli anni 30 la sua voce si deteriorò. Continuò tuttavia ad esibirsi fino a poco prima della sua morte nel 1957. Le opere di verismo – compresi i compiti pesanti come la Manon Lescaut di Puccini e l’Andrea Chénier di Giordano – gli si addicevano, mentre in opere liriche come la Traviata o la Bohème era difficile da eguagliare.

George Hall

Nelle sue stesse parole: ‘Cantare la stessa aria due volte allo stesso modo, questo è da scuole e da professori. Gigli non è di scuola.”

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6. Lauritz Melchior (1818) Lauritz Melchior (1890-1973)

Lauritz Melchior è nato baritono e si è reinventato come il miglior Heldentenor del XX secolo, stabilendo standard di canto wagneriano che non sono mai stati superati.

Melchior è nato a Copenhagen nel 1890 lo stesso giorno di Gigli. Debuttò nel 1913 cantando Silvio in Pagliacci, ma sentendo il giovane baritono cantare un do alto ne Il trovatore un collega americano lo dichiarò un tenore “con il coperchio”. E sono i colori caramellati nel registro inferiore di Melchior che rendono la sua voce così distintiva, insieme alla resistenza per cantare i principali ruoli tenorili di Wagner senza stancarsi.

Nel 1924 Melchior cantò al primo Festival di Bayreuth del dopoguerra e quello stesso anno trionfò a Londra come Siegmund in Die Walküre. Ci vollero altri cinque anni prima che New York lo prendesse a cuore, ma dopo aver cantato Tristano al Met divenne l’Heldentenor scelto dalla compagnia per quasi tutte le stagioni, finché non scelse ‘L’addio di Lohengrin’ per il suo canto del cigno nel febbraio 1950.

Se potenza e resistenza sono le caratteristiche dell’arte di Melchior, c’è anche delicatezza nel suo fraseggio e assoluta sicurezza di tono che non è mai meno che bello e sempre adeguatamente espressivo.

Qualsiasi Sigfrido ha trasmesso una tale meraviglia di fronte al risveglio di Brünnhilde? C’è mai stato un fratello che abbia corteggiato sua sorella con tanto ardore e disperazione? Su disco Melchior è al suo massimo come Siegmund per la toccante Sieglinde di Lotte Lehmann nel primo atto di Die Walküre registrato a Vienna nel 1935.

Christopher Cook

Nelle sue stesse parole: ‘Considera la tua voce come un capitale in banca. Canta sul tuo interesse e la tua voce durerà.”

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5. Jussi Björling (1911-1960)

Il bel tono e la tecnica senza sforzo di Björling hanno contribuito alla sua reputazione di paragone dell’arte del canto durante un’illustre carriera internazionale.

Trovare encomi per l’arte vocale di Björling è difficile come trovare granelli di sabbia su una spiaggia, ma sembra straordinario che così tanti di questi elogi provengano dai suoi colleghi e dai principali musicisti. Per la sua compatriota svedese Elisabeth Söderström, “ascoltare Björling è sempre stato il mio massimo piacere. Non ha mai emesso un suono brutto, eppure la sua voce era lo strumento più umano ed emotivo.”

Irene Dalis pensava “era il primo tenore del mondo. Eppure non c’è mai stata un’altra voce uguale alla sua”. Arturo Toscanini – non famoso per ammirare i cantanti – esclamò: “Che bella voce e che bel canto, tutto sul fiato, una tecnica perfetta. È tutto legato insieme e anche la sua dizione è molto buona. Bravo!”

Regina Resnik ha affermato che l’esecuzione di apertura di un concerto dell'”Ingemisco” dal Requiem di Verdi alla Albert Hall “è stato probabilmente uno dei cinque minuti cantati più belli che io abbia mai, mai sentito in vita mia.

La voce di Björling non era grande, ma era perfettamente piazzata, possedeva una brillantezza argentea e permetteva sfumature dinamiche e coloristiche in ogni punto del suo registro – secondo il critico americano Conrad L. Osborne, la “padronanza della linea, la sua padronanza degli effetti (vocali) classici… è di un tipo che fa sembrare anche i cantanti molto bravi leggermente dilettanti.

Anche se la sua recitazione nell’opera in scena a volte ha colpito gli osservatori come flemmatica o superficiale, l’abilità tecnica e la sottigliezza espressiva del suo canto ha spazzato tutto davanti a sé. Meglio conosciuto per ruoli da tenore romantico come Rodolfo (La bohème), Cavaradossi (Tosca), il Duca (Rigoletto), Manrico (Il trovatore), Faust, e Roméo (gli ultimi due dalle opere di Gounod), Björling occasionalmente eseguiva o registrava parti più pesanti, e in concerto il suo repertorio includeva anche arie di operetta, canzoni scandinave e Lieder tedeschi. Le sue numerose registrazioni documentano una notevole coerenza della qualità vocale e degli alti standard artistici.

David Breckbill

Nelle sue stesse parole: Ho un ruolo preferito. È Otello. Che parte per un tenore! Che opera! Che musica! Ma sapete una cosa? Non la canterò mai (in scena). Danneggerebbe la mia voce. Non vorrei che accadesse.”

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4. Fritz Wunderlich (1930-1966)

L’eccezionale tenore lirico tedesco della sua generazione, la sua vita è stata tragicamente interrotta mentre la sua carriera internazionale stava iniziando, ma grazie alle sue numerose registrazioni la sua voce unica è rimasta indimenticabile.

Quando Fritz Wunderlich morì in una caduta durante una vacanza di caccia, appena nove giorni prima del suo 36° compleanno nel settembre 1966, era all’apice della sua carriera come cantante mozartiano. Il ruolo di Tamino, che aveva registrato l’anno prima a Berlino sotto la direzione di Karl Böhm, incorniciava la sua fin troppo breve carriera nei ruoli principali. Fu nel 1956, come giovane membro dell’Opera di Stoccarda, che sostituì un collega indisposto, Josef Traxel, e diede notizia di un mozartiano senza pari, con un timbro facile, limpido e virile, un senso innato dello stile e una dizione immacolata nella sua lingua madre.

Tamino fu l’ultimo ruolo che cantò in scena, dieci anni dopo, sempre con l’ensemble di Stoccarda, al Festival di Edimburgo appena un mese prima del suo incidente mortale. In una carriera che durò poco più di un decennio, diede interpretazioni esemplari dei ruoli tenorili lirici di Mozart: Belmonte in Die Entführung aus dem Serail, Ferrando in Così fan tutte e Don Ottavio in Don Giovanni.

Era uno stacanovista e il suo repertorio operistico spaziava dalle opere barocche e del primo periodo classico di Monteverdi, Handel e Gluck, ai classici del XX secolo come Palestrina di Pfitzner e Le escursioni del signor BrouΩek di JanáΩek e alle opere contemporanee (ha creato parti in opere di Carl Orff e Werner Egk).

Il suo repertorio concertistico e liederistico non era meno vasto e ha lasciato registrazioni insuperabili degli assoli tenorili nella Creazione di Haydn e nella Missa Solemnis di Beethoven sotto Karajan e, soprattutto, i canti tenorili nella registrazione di Klemperer di Das Lied von der Erde di Mahler, in cui il timbro sdolcinato e giovanile di Wunderlich si allea a una dizione eloquente e alla libertà della voce.

Nello studio di registrazione fu un populista, registrando le sue arie d’operetta preferite e canzoni come ‘Granada’ che lo resero caro a coloro che non avevano mai messo piede in un teatro d’opera.

Hugh Canning

Nelle sue stesse parole: Per guadagnarmi da vivere, suonavo musica jazz di nascosto. Di notte soffiavo la tromba, suonavo la fisarmonica, cantavo canzoni popolari; la mattina, dopo qualche ora di sonno, studiavo Monteverdi e Lully al college.”

• Un’intervista al direttore d’orchestra Long Yu

3. Luciano Pavarotti (1935-2007) Luciano Pavarotti (1935-2007)

Se qualche appassionato d’opera aveva dei dubbi, il grande pubblico sentiva che Pavarotti meritava il manto di Gigli, Caruso, Tauber e Lanza come il più grande e popolare tenore.

La vita di Pavarotti avrebbe potuto essere quasi la trama di un film di Lanza. Suo padre, un panettiere, era un ottimo tenore e diede molto incoraggiamento a Luciano, che era combattuto tra la musica e il calcio. Il ragazzo cantava nel coro locale, che vinse il primo premio in una visita al Festival di Llangollen. Fece il suo debutto sul palcoscenico come Rodolfo in La bohème nel 1961 poi, nel 1963, tornò in Gran Bretagna per sostituire Giuseppe di Stefano nello stesso ruolo al Covent Garden.

Di conseguenza, fu scritturato per Sunday Night al London Palladium, la gemma del programma del fine settimana della ITV. Ben presto, la sua collaborazione con Joan Sutherland lo portò ad apparire in La fille du régiment, dove si affermò la sua famosa facilità di cantare i do alti. Nel corso degli anni la sua crescente mole e lo sviluppo di imperfezioni nella sua voce hanno ostacolato le sue apparizioni all’opera, e nel 1992 è stato fischiato alla Scala quando, come Don Carlos, ha incrinato una nota.

Per molti aficionados, gli mancava la profondità di Domingo, ma il suo tocco comune, i suoi grandi concerti all’aperto, compresa la leggendaria occasione del 1991 davanti al Principe e alla Principessa del Galles, quando convinse la maggior parte della folla a tirare su l’ombrello nonostante la pioggia, la sua abile miscela di grandi arie d’opera con amatissime ballate napoletane e la sua recitazione relativamente contenuta gli hanno fatto guadagnare l’amore e l’ammirazione di un gran numero di persone.

Ha sempre dato grande importanza al legato, il cui approccio dava alle sue interpretazioni una qualità naturale, ma era forse il suo registro superiore eccezionalmente dolce e stabile che lo contraddistingueva veramente. I lati negativi erano i suoi impegni spesso imbarazzanti con il pop, una tendenza a perdere il controllo del suo vibrato negli ultimi anni, e la sua crescente difficoltà a sostenere lunghe performance. Tuttavia, quando si libra verso quelle frasi finali di ‘Nessun Dorma’, tutto è perdonato…

Barry Witherden

Nelle sue stesse parole: Penso che una vita nella musica sia una vita ben spesa, e questo è ciò a cui ho dedicato la mia vita.”

• Nove delle migliori compositrici contemporanee
• Come ottenere i biglietti per i BBC Proms? Enrico Caruso (1873-1921)

  Una delle voci definitive del 20° secolo, Enrico Caruso era quella più rara delle creature: un vero grande artista con un seguito popolare di massa.

  Caruso era una superstar del canto, con una voce che era nata per fare registrazioni che avrebbero devastato i sensi di un pubblico adorante. La sua carriera è stata una delle prime ad essere costruita su quell’empia, e assolutamente moderna, alleanza di enorme talento naturale, abilità nello studio di registrazione e brillante management e pubbliche relazioni.

  L’opera era, naturalmente, il suo obiettivo principale, ma durante le sue oltre 250 registrazioni, per lo più pubblicate su 78 giri dalla Victor Talking Machine Co, ha abbracciato la maggior parte dei generi musicali, da Verdi, Bizet e Puccini (suo contemporaneo) alla canzone napoletana e alla musica pop, uno dei suoi migliori successi fu ‘Over There’, una canzone sbarazzina per l’esercito americano nella prima guerra mondiale.

  Era innegabilmente un intrattenitore di folle e la sua spettacolarità era leggendaria, deliziando il suo pubblico in America dove la sua carriera prosperò specialmente sotto la guida di Edward Bernays, un esperto in “psicologia della folla” e uno dei pionieri delle
  moderne relazioni pubbliche.

  La voce di Caruso aveva i suoi difetti: non era mai completamente a suo agio nella parte alta della sua gamma. Un Do superiore squillante tendeva a sfuggirgli, e spesso doveva trasporre. Ma le registrazioni conservano una voce che ha un flusso facile e senza sforzo anche negli angusti confini di uno studio precoce, con un registro medio-basso ricco e potente e note alte molto cariche che sembrano completamente in sintonia con il nuovo, drammatico stile verista che era emerso alla fine del XIX secolo.

  Anche se la sua vita fu inesorabilmente attratta dagli Stati Uniti, il fascino di Caruso e la sua faccia tosta rimasero distintamente italiani. Scandalizzò New York dopo essere stato arrestato per aggressione indecente allo zoo di New York, fuori dalla casa delle scimmie. Fu trovato colpevole di aver pizzicato il sedere di una signora, ma sostenne che era stata una scimmia a farlo.

  Caruso è uno dei primi grandi cantanti la cui voce rimane viva per noi oggi attraverso le sue registrazioni. La sua influenza continua a farsi sentire ancora oggi: ascolta qualsiasi grande tenore lirico – Domingo, Pavarotti – e ci sono certe maniere e giri di parole che ti fanno pensare: “Ah sì, quello viene direttamente dalla bocca di Caruso”

  Ashutosh Khandekar

  Nelle sue stesse parole: Non salgo mai sul palcoscenico senza chiedermi se riuscirò a finire l’opera.”

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  1. Plácido Domingo (nato a Parigi nel 1934) Plácido Domingo (b1941)

  Domingo è quel raro fenomeno vocale, un tenore che ha usato la sua voce al servizio della ricreazione della grande arte, e non come un eccitante fine a se stesso.

  Plácido Domingo è nato in Spagna, ufficialmente nel 1941, ma molti sostengono che la data dovrebbe essere un anno o più prima. Anche se la data che lui preferisce è corretta, ha conservato la sua voce in una carriera straordinariamente energica per quasi 50 anni, avendo debuttato nel 1959 in Messico, dove la sua famiglia si trasferì quando aveva otto anni.

  Canta ancora, includendo ruoli impegnativi come Siegmund in Die Walküre di Wagner, così come in opere italiane attentamente selezionate. Nel corso di questa enorme carriera ha sempre cercato nuovi ruoli che lo mettessero alla prova, e ne ha registrati oltre un centinaio, eseguendone una percentuale impressionante sul palco.

  Ha iniziato con le solite opere italiane, principalmente Verdi e Puccini, ma è andato indietro nel tempo, il suo primo ruolo è stato in Hippolyte et Aricie di Rameau. Ha anche cantato alcune opere contemporanee, ma solo quelle scritte in un idioma abbastanza tradizionale.

  La cosa più sorprendente è che, quasi solo tra i tenori che si sono fatti un nome nell’opera italiana, da quando aveva circa 50 anni è stato ugualmente coinvolto nell’opera tedesca, principalmente Wagner, alcuni dei cui ruoli più grandi non ha rischiato di cantare in teatro, ma ha registrato in parte o per intero.

  Ha anche cantato al Festival di Bayreuth, il massimo riconoscimento. Non ha trascurato né l’opera francese, tra cui Berlioz e Massenet, né quella russa. E ora si sta muovendo nel repertorio baritonale, con l’Oreste di Gluck già al Met.

  Detenuto stacanovista, dirige anche l’opera, ed è responsabile della Washington National Opera e della Los Angeles Opera, lavori che comportano un’immensa raccolta di fondi. A parte questo, è stato naturalmente uno dei Tre Tenori, e ha registrato album natalizi e dischi di canzoni popolari italiane e spagnole.

  Con una così vasta gamma di repertorio, non è sorprendente che non associamo Domingo a ruoli particolari, con la possibile eccezione dell’Otello di Verdi, di cui è l’interprete principale da quando Jon Vickers, l’antitesi di Domingo in molti modi, si è ritirato. Ma anche allora, quando si pensa a quel ruolo e al tipo di voce e di presenza che richiede, Domingo non è necessariamente il primo nome che viene in mente.

  È inevitabile che sia stato criticato per aver dato un resoconto standardizzato di molti ruoli – ma poi è difficile vedere come si possa essere individuali in molte delle opere meno famose di Verdi. Resta il fatto che quando si ascolta Domingo, ci si garantisce un’inondazione di suono splendido, una musicalità sensibile, la sicurezza di una voce così ben curata che nulla andrà storto e, se lo si vede, uno standard di recitazione decente. Calore, gusto, impegno, comprensione: queste non sono le prime cose che vengono in mente quando si pensa a un tenore, ma lo sono quando si pensa a Domingo.

  La scena operistica dalla metà degli anni ’60 è inconcepibile senza di lui, e il gigantesco tesoro di registrazioni operistiche testimonierà alle generazioni future la sua grandezza. In an age when ‘celebrity’ has rightly become a word of contempt, Plácido Domingo’s fame is an example of how once a huge name was built on solid foundations.

  Michael Tanner

  In his own words: ‘My motto is “When I rest, I rust”.’

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  This article was first published in April 2008.