1.3: 誰がアーティストと考えられているのか? アーティストであることの意味
今日の世界の多くでは、アーティストとは、創造的な作品を構想し作る才能と技能を持つ人だと考えられています。 そのような人は、その芸術的で独創的なアイデアのために特別視され、珍重されます。 彼らの作品は、建築、陶芸、デジタルアート、ドローイング、ミクストメディア、絵画、写真、版画、彫刻、テキスタイルなど、さまざまな形態をとり、多くのカテゴリーに分類される。
今日、歴史や文化を通じてそうであったように、作り、構築する人々にはさまざまな肩書きがあります。
歴史を通して、また文化を通してそうであるように、今日、作ったり、作ったりする人々にはさまざまな肩書きがあります。例えば、職人や工芸家は、キルトやバスケットのような装飾的または実用的な芸術を作り出すかもしれません。 多くの場合、職人や工芸家は熟練工ではあっても、オリジナルのアイデアや形の発明者ではありません。 また、アルチザンやクラフトマンは、独自のデザインを生み出すこともありますが、絵画や彫刻など、いわゆるファインアートに伝統的に関連する芸術形式や素材を使った仕事はしません。 その代わりに、ジュエリーを作ったり、鉄を鍛えたり、ガラスを吹いたりして、自分なりに工夫した模様や物を作る。
歴史の大半を通じて、多くの文化において、生産し、装飾し、絵を描き、建物を作る人々は、現在私たちが考えるような芸術家とはみなされませんでし た。 彼らは職人や工芸家であり、彼らの役割は、雇われている人たちと合意したデザイン（彼ら自身または他の人たち）に従って、オブジェクトを作ったり、構造物を構築したりすることでした。 しかし、彼らが訓練を受けていなかったというわけではない。 例えば、中世ヨーロッパ（5〜15世紀）では、職人は一般に12歳ごろから徒弟として、つまり、自分の工房を持つ親方から職業全般を学ぶ学生としてスタートした。 徒弟制度は5年から9年以上続き、絵画、製パン、石工、ろうそく作りなど、さまざまな職業を学ぶことができた。 その期間終了後、徒弟は職工となり、その職業に従事する人々の訓練と基準を監督する工芸ギルドの会員になることが許された。
他の多くの時代や文化において、芸術家がどのように訓練を受けたかについての情報はほとんどありませんが、制作された芸術作品の例を見ることで、芸術家になることが何を意味するかをある程度理解することができます。 グデアの座像は、南メソポタミア、現在のイラクのラガシュ州の統治者、紀元前2144～2124年頃の姿を描いています（図1.10）
図 1.10 グデア、著者：Marc:
グデアは、王国の中心都市ギルス（現在のイラクのテロー）に多くの寺院を建設し、そこに自らを描いた像を建てたことで知られています。 これらの作品では、彼は座るか立つかして、目を見開いて凝視していますが、それ以外は穏やかな表情で、祈りと挨拶のジェスチャーで手を組んでいます。 この像を含む多くの作品は、硬度の高い石である閃緑石（せんりょくせき）から彫られており、その希少性と切り込みの細かさから、古代エジプトや近東の支配者に好まれていた。
グデアの彫刻は明らかに熟練した職人によって彫られましたが、その人物の記録はありませんし、古代世界で働いていた大部分の職人や建築家の記録もありません。 彼らは誰のために働き、何を作ったのかが、彼らの人生と芸術性の記録である。 グデアのような支配者の像を作るとき、職人たちは独創的なアプローチをとり、自分たちを際立たせることで評価されたのではない。彼らの成功は、その時代の文化の中で、人間の姿、特に指導者の姿をどのように描くかという基準の中で働く能力に基づいていたのだ。 例えば、アーモンド形の大きな目や、コンパクトでブロックのような形は、この時代の彫刻の典型的なものです。
古代世界では、グデーア坐像のような金属や石で作られたものよりも、粘土で作られたもののほうが、はるかにコストと時間がかかり、作るのが難しかったのです。 ヨーロッパでは紀元前2万9000〜2万5000年前の土偶が発見されており、中国江西省で発見された最古の土器は紀元前1万8000年頃のものである。 また、近東では、「グデーア坐像」が彫られる約6000年前、紀元前8000年頃に粘土で作られ、オーブンで焼かれた容器が最初に作られたとされている。 陶器（粘土を熱で固めたもの）の壺は、貯蔵や日常生活の様々な場面で使われていた。
しかし、古代ギリシアでは、陶器は芸術の域に達していました。
しかし、古代ギリシャでは、陶器は芸術の域に達していました。
しかし、古代ギリシアでは、陶器は芸術の域に達していましたが、陶器や絵付けをする人の地位はそうではありませんでした。 ギリシャらしい陶器の起源は、紀元前1,000年頃、いわゆるプロト・ジオメトリック時代にさかのぼります。 その後、数百年の間に、器の形や描かれた装飾モチーフの種類、題材は、それらが生産された都市、さらには器を作り装飾を施した個人と結びついていきました。
それは、前363-362年のパナテナイック賞のアンフォラで、陶工ニコデモスの署名と、名前は不明だが他の描かれた壺との類似点から特定される結婚式の行列の画家によるものとされています（図1.11）。 パナテナイは、ギリシャ・アテネの守護神アテナを祭る4年に一度の祭りで、アンフォラという背の高い両手鍋に描かれた細い首が特徴の女神である。 甕の反対側には勝利の女神ニケが描かれ、アテナの神木から採れる貴重なオリーブオイルを入れたこの壺のボクシング競技の勝者にアテネ市から賞が授与される。 このような重要な儀式に使用され、重要な賞品を持つ壺を作るには、最高の陶芸家や画家しか雇うことができなかったのである。 多くの職人が自分の作品に自分の名前を記すことはなかったが、このような注目すべき職人たちは、名前によって区別され、認められていた。 また、この署名は、当時の陶芸家や画家のプロモーションの役割を果たし、その後も彼らの名を不滅のものとしている。
図1.11蓋付きパナテナイック賞アンフォラ、作者: ニコデモス、作者 J. Paul Getty Museum, (open content)
中国は、元朝（1271-1368）と呼ばれる時代に、最初はクブライ・カーンに率いられて北からやってきたモンゴル人によって統一され支配されました。 梨花図」は、1280年頃、銭玄（1235年頃-1307年以前、中国）が紙に墨と彩色で描いた手描きの絵である。 (図1.12）銭玄は、モンゴル建国後、中国を統治する高学歴の官僚である士大夫の地位を得ることをやめ、画家に転身した。 彼は、文人画家と呼ばれる芸術家集団の一員であった。 学者画家の作品は、プロの画家が描く画一的で写実的な絵画よりも、個人的で表現力が豊かで自然なものだと考えられていたため、多くの芸術愛好家にとって好ましいものであった。 また、哲学や文化、書道などの芸術に関する高度で深い知識を持っていたため、学者仲間や宮廷内で歓迎されました。
図1.12 梨花、画家: 銭玄、作者 Met Museum, (OASC)
中国は元朝（1271-1368）と呼ばれる時代に、最初はクビライ・カーンのもと、北からやってきたモンゴル人によって統一され支配されました。 梨花図屏風は、1280年頃、銭玄（1235年頃-1307年以前、中国）が紙に墨と彩色で描いた手描きの図である。 (図1.12）銭玄は、モンゴル建国後、中国を統治する高学歴の官僚である士大夫の地位を得ることをやめ、画家に転身した。 彼は、文人画家と呼ばれる芸術家集団の一員であった。 学者画家の作品は、プロの画家が描く画一的で写実的な絵画よりも、個人的で表現力が豊かで自然なものだと考えられていたため、多くの芸術愛好家にとって好ましいものであった。 また、哲学や文化、書道などの芸術に関する高度で深い知識を持っていたため、学者仲間や宮廷内で歓迎されました。 彼らは、儒教の教えの中で、特に詩の芸術において、知恵と優雅さをもって自己を表現するという長く高貴な伝統に従ったエリート階級のリーダーであった。
銭玄は、絵画と詩を融合させた最初の学者画家の一人で、『梨花』の中で次のように述べています。
縁側の手すりに一人、
枝を濡らす水滴、
顔は飾られていないが、
彼女の古い魅力は残っている、
雨の夜、鍵をかけた門の向こうで、
彼女はなんと悲しみを湛えているだろうか。
闇が訪れる前、月の光を浴びた彼女は、どれほど違って見えたことだろう。
この詩は、彼が描いた繊細で若い葉と花の枝を説明するためのものではありません。むしろ、葉の揺れる不規則な線や花の緩やかに広がる曲線は、時間の流れの速さ（繊細な花はすぐに色あせる）との比較を示唆し、過去の記憶を呼び起こすことを意図しているのです。
13世紀の中国では、その国の歴史の多くでそうであったように、絵画の重要性は、画家の身元や、その後の数世紀にわたって作品を所有した学者や収集家と密接に関連しています。 そのため、作品に押された印章や朱印が、画家のアイデンティティを表している。 また、特定の題材をどのように描くかは、その画家と関連付けられ、後に他の画家が描いた作品に引用されることも多く、先人の技術や専門性に対する敬意と評価の表れでもある。 梨花図屏風では、しばしばそうであったように、詩とそれを書いた書も、絵巻物全体の構成の一部となっている。 後世の学者やコレクターが書き加えた印章や注釈が、その後700年以上にわたって、その構成、美しさ、意味をさらに高めていったのである。
ジェイムズ・アボット・マクニール・ホイッスラー（1834-1903、アメリカ、イギリス在住）が1883年に《肉色と黒のアレンジメント、セオドア・デュレのポートレート》を描いたとき、彼は中国や日本の陶工が陶器にサインとして使っていたメーカーズマークを参考にして、自分の頭文字から蝶をデザインしたモノグラムを自分の作品に採用したのでした。 (図1.13）ホイッスラーは、1860年代から、踊っているように見える蝶の姿を改変して、作品にサインを入れるようになった。
図 1.13 肉筆と黒のアレンジメント。 セオドア・デュレの肖像画》 画家: James Abbott McNeill Whistler, Author: Met Museum, (OASC)
ウィスラーは、19世紀後半にアメリカやヨーロッパで活躍した多くの芸術家のひとりです。彼らは、美術学生がどのように、そして何を教わるか、また伝統的な美術展のシステムにおいて、抑制的な制約だと信じていたことから脱却しなければならないと思っていました。 ホイッスラーらにとって、こうした制約は耐え難いものであり、芸術家として自由に創造的な声を上げ、追求することが許されなければならなかったのである。 日本の美意識を取り入れることで、ホイッスラーは「芸術のための芸術」を追求することができた。
芸術は、あらゆる陳腐なものから独立したものであるべきで、目や耳の芸術的感覚に訴えるもので、献身、同情、愛、愛国心など、芸術とはまったくかけ離れた感情と混同してはならない。 4
このように芸術家を、一般的な文化的・知的水準とは相容れない特別な資格と感性を持つ者として区別することは、13世紀の中国において銭玄のような学者画家が果たした役割とは程遠いものであった。 一方、ホイッスラーは、自分自身と自分の芸術を、当時の慣習に反するものとして考えることが多かった。 16 世紀以降のヨーロッパ (後にアメリカ) に存在した、芸術家に対するひとつの概念または分類を引き継ぎ、ホイッスラーは特異な創造的天才であり、その芸術はしばしば誤解され、必ずしも受け入れられなかったのです。 1878年、ウィスラーは美術評論家ジョン・ラスキンに対して名誉毀損で勝訴しました。ラスキンはウィスラーの1875年の作品「黒と金の夜想曲」を評しています。 1875年に描かれた「黒と金の夜想曲：落下するロケット」を「公衆の面前で絵の具の壺を投げつけた」と評した美術評論家ジョン・ラスキンを名誉毀損で訴えたのである。 (図1.14）1880年頃までには、この騒動の余波で、ホイッスラーはしばしば蝶のモノグラムに長い針を付け、彼の芸術の穏やかな美しさと同時に、彼の人格の力強く、時に刺々しい性格を象徴するようになった。
4 James Abbott McNeill Whistler, The Gentle Art of Making Enemies (New York: Frederick Stokes & Brother, 1908), www. gutenberg.org/files/24650/24650-h.html
ウィスラーは、その芸術の穏やかな美しさと、時に刺すような性格の両方の特徴を象徴しています。