Co jest tak wyjątkowego w Mona Lisie?
Codziennie tysiące ludzi z całego świata tłoczą się w surowym, beżowym pomieszczeniu paryskiego Luwru, aby obejrzeć jedno dzieło sztuki, Mona Lisę Leonarda da Vinci.
Aby to zrobić, przechodzą wprost obok niezliczonych arcydzieł europejskiego renesansu. Dlaczego więc Mona Lisa wydaje się tak wyjątkowa?
Tajemnica jej tożsamości
Historia opowiedziana przez jednego z pierwszych biografów Leonarda, Giorgio Vasari, głosi, że ten olejny portret przedstawia Lisę Gherardini, drugą żonę bogatego kupca jedwabiu i wełny Francesco del Giocondo (stąd nazwa, pod którą jest znany w języku włoskim: La Gioconda).
Leonardo prawdopodobnie rozpoczął pracę podczas pobytu we Florencji na początku 1500 roku, być może gdy miał nadzieję na otrzymanie zlecenia na wykonanie masywnego malowidła ściennego Bitwa pod Anghiari.
Przyjęcie zamówienia na portret od jednego z najbardziej wpływowych i zaangażowanych politycznie obywateli miasta mogło zwiększyć jego szanse. Niedawno odkryta notatka na marginesie autorstwa Agostino Vespucciego, niegdyś asystenta dyplomaty i pisarza Niccolò Machiavellego, odnotowuje, że Leonardo pracował nad obrazem „Lisa del Giocondo” w 1503 roku.
Włoski malarz Raphael, wielki wielbiciel Leonarda, pozostawia nam szkic z około 1505-6 roku tego, co wydaje się być tym dziełem. Kiedy Leonardo przeniósł się później do Francji w 1516 roku, zabrał to niedokończone jeszcze dzieło ze sobą.
Jednakże badacze sztuki coraz częściej wyrażają wątpliwości, czy obraz w Luwrze może być rzeczywiście Lisą Vasariego, ponieważ styl i techniki malarskie o wiele lepiej pasują do późniejszych prac Leonarda, począwszy od 1510 roku.
Dodatkowo odwiedzający dom Leonarda w 1517 roku odnotował, że widział tam portret „pewnej florentyńskiej kobiety, wykonany z życia”, wykonany „na polecenie zmarłego wspaniałego Giuliano de Medici.” Medyceusz był patronem Leonarda w Rzymie w latach 1513-1516. Czy nasz gość patrzył na ten sam obraz, który Vasari i nasz marginalny pamiętnikarz opisują jako Lisę, czy na inny portret innej kobiety, zamówiony później?
W sumie to, kogo widzimy w Luwrze, pozostaje jedną z wielu tajemnic tego dzieła.
Odarty z szat portretów
W porównaniu z wieloma współczesnymi wizerunkami elit, ten portret pozbawiony jest typowych atrybutów wysokiego statusu lub symbolicznych wskazówek dotyczących dynastycznego dziedzictwa portretowanej. Całą uwagę przykuwa więc jej twarz i jej enigmatyczny wyraz.
Przed XVIII wiekiem emocje były częściej wyrażane w malarstwie za pomocą gestów dłoni i ciała niż twarzy. W każdym razie wizerunki osób nie miały na celu przekazania tego samego rodzaju emocji, których dziś szukamy w fotografii portretowej – raczej odwagi lub pokory niż radości czy szczęścia.
Dodatkowo cechą charakterystyczną statusu elitarnego była umiejętność utrzymania namiętności pod dobrą kontrolą. Niezależnie od standardów higieny jamy ustnej, szeroki uśmiech w dziełach sztuki wskazywał na złe wychowanie lub kpinę, jak to widzimy w studium Pięciu Groteskowych Głów autorstwa Leonarda.
Nasze współczesne wyobrażenia o emocjach każą nam się zastanawiać nad tym, co mogła czuć lub myśleć Mona Lisa, o wiele bardziej, niż prawdopodobnie robili to współcześni odbiorcy dzieła.
Zjawisko XX wieku
W rzeczywistości istnieje pytanie, czy ktokolwiek przed XX wiekiem w ogóle myślał o Mona Lisie. Historyk Donald Sassoon twierdzi, że współczesna ikoniczność obrazu wynika w dużej mierze z jego powszechnej reprodukcji i wykorzystania we wszelkiego rodzaju reklamach.
Tej sławie „pomogła” kradzież obrazu w 1911 roku przez byłego pracownika Luwru, Vincenzo Peruggia. Pewnego wieczoru, po zamknięciu muzeum, wyszedł z obrazem zawiniętym w swój płaszcz. Następne dwa lata spędził z nim ukrytym w swoim mieszkaniu.
Wkrótce po jego powrocie dadaista Marcel Duchamp wykorzystał pocztówkę Mona Lisy jako podstawę do swojej gotowej pracy z 1919 roku, LHOOQ, inicjałów, które po francusku brzmią jak „ona ma gorący tyłek”.
Aczkolwiek nie pierwszy, jest to być może jeden z najbardziej znanych przykładów parodii Mona Lisy, wraz z Autoportretem jako Mona Lisa Salvadora Dali, 1954.
Meble kulturowe
Od Duchampa i Dali, coraz częściej widzimy Mona Lisę używaną jako trope. Artystka z Balardung/Noongar, Dianne Jones, powtórzyła to dzieło w swoich atramentowych portretach fotograficznych z 2005 roku, które są mniej ostre w swoim ataku na białą sztukę europejską, a bardziej świetliste w swoim przywłaszczeniu poczucia sennej pełni Mony Lisy.
Obraz pojawia się jako mebel kulturowy w niedawnym teledysku „Apeshit, 2019” Beyoncé i Jaya Z, w którym przemierzają Luwr w towarzystwie grupy skąpo odzianych tancerek, przybierając pozy rodem z Lady Hamilton przed słynnymi dziełami sztuki.
Apeshit sam w sobie ściśle naśladuje wcześniejsze dzieła współczesnej kultury wysokiej, nie tylko Bande à Part (Bandę outsiderów) francuskiego reżysera Nowej Fali Jean-Luc Godarda z 1964 roku, w którym trójka przyjaciół, w tym przypominająca Monę Lisę Anna Karina (słynna muza Godarda), spotyka się i przebiega przez Luwr w rekordowym czasie.
W międzyczasie głośna kradzież dzieła sztuki przez niemieckiego performera Ulaya w 1976 roku, kiedy to usunął najsłynniejszy (i kiczowaty) obraz z Galerii Narodowej w Berlinie, portret Ubogiego Poety Carla Spitzwega z 1839 roku, była powtórką kradzieży Mona Lisy w 1911 roku.
Wielu współczesnych artystów odrzuciło wszelką cześć, jaką otaczane są wizyty w muzeum sztuki, takie jak ta z Mona Lisą.
Ostatnio belgijski prowokator sztuki Wim Delvoye (którego maszyna do produkcji gówna, Cloaca, 2000, jest jednym z centralnych elementów Muzeum Starej i Nowej Sztuki w Hobart) zainstalował Suppo (2012), gigantyczny stalowy czopek z korkociągiem, pod centralną szklaną piramidą wejściową Luwru. Tym samym stał się on pierwszym widokiem sztuki w muzeum, do którego ściągają zwiedzający Mona Lisę.
Jeszcze przez wiele lat tajemnice Mona Lisy będą nas intrygować. To właśnie bogactwo i głębia możliwych interpretacji czyni ją wyjątkową. Mona Lisa jest tym, kim chcemy, aby była – i czyż nie czyni to z niej najdoskonalszej postaci kobiecej fantazji?