The 20 Greatest Tenors of all Time

20 kwietnia, 2021admin

Czy to dramatycznie zabijając smoki w Wagnerze, lirycznie serenadując księżniczki w Puccinim, z gracją szybując w Schubercie, czy nawet crooning for the swooning w telewizji, tenorzy przechwytują wyobraźnię jak żaden inny śpiewak. It’s easy to see why.

Reklama

To oni zazwyczaj dostają do zagrania zwinnego, atletycznego bohatera, podczas gdy biedny stary bas zostaje obsadzony jako wielki, ponury złoczyńca. Plus, jest tam publiczność-wowing wokalne brawura z tych wysokich Bs i Cs, podczas gdy, poza operą, tradycja długo uważała suave i jedwabiste tenory jako głosy romansu.

Ale kto są najlepszymi wyrazicielami sztuki tenorowej wszechczasów? Którzy z nich wykazali się największą siłą, zasięgiem, gracją i elastycznością? W 2008 roku poprosiliśmy panel ekspertów o wskazanie śpiewaków, których uważają za największych tenorów wszechczasów. Czy zgadzasz się z ich wyborem?

20. Sergey Lemeshev (1902-1977)

Jeden z gwiazdorów tenorów Bolszoj połowy XX wieku, Lemeshev łączył niezwykły, młodzieńczo brzmiący głos – nawet pod koniec kariery – z poziomem charakteryzacji niedoścignionym dla większości współczesnych mu śpiewaków.

Dwaj niezwykli rosyjscy tenorzy zdominowali radziecką scenę w latach 30. i 40. Sergey Lemeshev i Ivan Kozlovsky, urodzeni w odstępie zaledwie dwóch lat, podzielili swoich fanów na rywalizujące ze sobą grupy lemeshistek i kozlovityanek.

Obydwaj dysponowali wysokimi głosami lirycznymi o wielkiej dystynkcji, wysuniętym do przodu ułożeniu i nienagannej dykcji, choć to Lemeshev był obdarzony wyglądem idola z matni i to on zrobił większą furorę jako Książę w Rigoletcie.

Miał też romantyczną przewagę nad swoim rywalem w jego popisowej roli, poety Leńskiego w Eugeniuszu Onieginie Czajkowskiego, którą to partię śpiewał ponad 500 razy; istnieje wzruszający materiał filmowy, na którym obaj panowie dzielą się specjalnie przerobioną wersją arii z I aktu, jako urodzinowy hołd dla wdowy po Czechowie, Olgi Knipper, a obu tenorów można porównać na ekranie w słynnym lamencie Leńskiego.

W interpretacji Lemieszewa w nagraniu kompletu opery, dokonanym w 1956 roku, głos jest jeszcze niezwykle młody i świeży, a śpiewał go po raz ostatni w wieku 70 lat. Dobry smak i nienaganna muzykalność wyróżniają dwie role kameralne w operach Rimskiego-Korsakowa, indyjskiego Gościa w Sadku i cara Berendeja w Śnieżnej dziewicy.

David Nice

Własnymi słowami: 'Nie śpiewałem Alfreda od lat. Ale rozpaczliwie pragnę wykonać go jeszcze raz, choćby tylko raz…” (Lemieszew, 63 lata).

Sześć najlepszych altowiolistów
Wywiad z dyrygentem Long Yu

19. Wolfgang Windgassen (1914-1974)

Heldentenor w nowej, lżejszej formie, Windgassen zdominował scenę wagnerowską w czasach powojennych.

Wolfgang Windgassen poszedł w ślady ojca, który również był tenorem i u którego się uczył, i pracował w operze w Stuttgarcie, najpierw jako śpiewak, a od 1972 roku, aż do śmierci dwa lata później, jako dyrektor. Choć znany z ról wagnerowskich, Windgassen zadebiutował w 1941 roku jako Don Alvaro w La forza del destino.

W Bayreuth śpiewał główne role tenorowe i był Zygfrydem w nagraniu Pierścienia Soltiego dla Decca w 1960 roku. Chociaż jego głosowi brakowało barytonowego rezonansu innych przedwojennych wielkich, jego wykwintny ton uczynił go jednym z najbardziej cenionych wagnerowskich śpiewaków swojego pokolenia. Jego Zygfryd w słynnym Pierścieniu Decca jest niezapomniany ze względu na swoją siłę i kruchość.

Jan Smaczny

Własnymi słowami: 'Gott, welch’ dunkles Bier’ („Jakie ciemne piwo”) – Windgassen o szybkim wyjściu na scenę z opery Fidelio Beethovena, z rozstrojem żołądka.

Sześć najlepszych barytonów
Szybki przewodnik po Preludium na pożegnanie fauna

18. Alfredo Kraus (1927-1999)

Jako synonim lirycznego wyrafinowania, Kraus był odwiecznym ulubieńcem koneserów bel canta i repertuaru francuskiego.

Nawet w wieku 50 lat Alfredo Kraus potrafił zachwycić publiczność Covent Garden w La traviata Verdiego. Jego sekretem była ciepła, bezwysiłkowa technika, nieskazitelna dykcja, szlachetne usposobienie i inteligencja, która kształtowała każdy aspekt jego sztuki.

Późno wszedł do opery – po zdobyciu dyplomu inżyniera przemysłowego w rodzinnej Hiszpanii – zdobył sławę u boku Marii Callas i Joan Sutherland, debiutując w Metropolitan w 1966 roku jako Książę w Rigoletcie Verdiego.

Elegancja jego stylu czyniła go idealnym w Donizettim i Bellinim, a później specjalizował się w Massenecie, szczególnie w roli Wertera. Ale był także znakomity jako Ferrando w klasycznym nagraniu Così fan tutte Mozarta, dokonanym przez Karla Böhma, oraz w rozkoszach hiszpańskiej zarzueli. Obecnie raczej zaniedbany – i cierpiący z powodu skreśleń w swoim katalogu nagrań – pozostaje najwyższym tenorowym arystokratą.

Geoffrey Smith

Własnymi słowami: 'Śpiewak to więcej niż śpiewak, to artysta, a on jest jeszcze bardziej niż artysta, to maestro.’

Sześć najlepszych operowych upadków
Sześć najlepszych nagrań Arvo Pärta

17. Anthony Rolfe Johnson (1940-2010)

Angielski tenor Anthony Rolfe Johnson późno zaczął śpiewać, ale jego naturalny talent połączony z przenikliwą inteligencją muzyczną zaowocował wielką karierą.

Anthony Rolfe Johnson był jednym z najbardziej szczerych śpiewaków – o swoim głosie powiedział na przykład: „Nie jest duży, ale potężny i zwarty, pełen energii, a to wielka broń”. Ja posunęłabym się dalej – jego śpiew jest męski, żarliwy, ale jest w nim także nieskazitelna muzykalność, wspaniałe wyczucie czasu, które uwodzi słuchacza.

A jego całkowite zanurzenie się w każdą postać, jaką kiedykolwiek interpretował, od wymagających ról operowych po najprostszą balladę w recitalu Songmaker’s Almanac, oznacza, że każdy występ jest nową rozkoszą – dla niego i dla nas.

Nigdy nie zapomnę jego występu w Powrocie Ulissesa Monteverdiego w English National Opera: niezwykle poruszający i będący nienachalnym mistrzostwem w stylu monteverdiowskim. Posłuchajcie jego płyty In Praise of Woman (wytwórnia Helios: CDH 55159) – każdy utwór jest rozświetlony jego unikalną mieszanką pasji, czułości i czystego piękna głosu.

Catherine Bott

Według jego własnych słów: 'O piątej przerywam pracę i staję się ojcem – nie wierzę w bycie gwiazdorskim piosenkarzem, który tylko „odwiedza” dom.’

Sześć najlepszych wiolonczelistów
Najlepsze utwory inspirowane miłością

16. John McCormack (1884-1945)

W karierze trwającej ponad 40 lat, McCormack śpiewał i nagrywał opery, oratoria, pieśni, piosenki popularne i ludowe z rodzinnej Irlandii.

Po śmierci Caruso w 1921 roku, hrabia John McCormack miał stać się kolejną supergwiazdą tenorową – jego sprzedaż płyt nawet przewyższyła sprzedaż płyt Caruso.

Pianista Gerald Moore skomentował, że McCormack nie lubił nadmiernych prób lub robienia retransmisji w studiu nagraniowym, preferując szczerość występów na żywo. Nagrana spuścizna McCormacka ukazuje artystę, który łączył nieskazitelną technikę ze spontanicznością; wdzięk z pokorą. To właśnie jego dar przekazywania samej esencji tekstu – czy to włoskiej opery, czy irlandzkiej ballady – sprawił, że jego urok był tak uniwersalny. Jak powiedział amerykański krytyk Max de Schauensee: „Potrafił opowiadać historie. Potrafił malować obrazy.’

Kate Bolton-Porciatti

Jego własnymi słowami: 'Lubię sobie w życiu poskakać, jak mnie kaprys poniesie. Nie wierzę w całe to pedantyczne układanie rzeczy w kolejności.’

Sześć najlepszych nieznanych kolęd
5 kompozytorów z synestezją

15. Franco Corelli (1921-1976)

Franco Corelli odziedziczył płaszcz po Caruso i Gigli, stając się prawdopodobnie największym włoskim tenorem lat 50. i 60.

Połączenie bycia wysokim, ciemnym i przystojnym z posiadaniem doskonałego głosu tenorowego jest rzadkością w świecie opery, ale Corelli miał to wszystko (jego przydomek „złote uda” oddaje miarę jego seksapilu).

Słuchając jego głosu dzisiaj, można odnieść wrażenie, że jest staroświecki, powraca do poprzedniej epoki, z szybkim vibrato i tendencją do popisywania się. Zdarzało mu się trzymać wysokie dźwięki znacznie dłużej niż wynosi ich wartość (na przykład 12 sekund w wielkim okrzyku „Vittoria!” w Tosce z Covent Garden), a niektórzy krytycy nie pochwalali tego, co uważali za „tanie efekciarstwo”.

Jednak w nagraniach i we współczesnych relacjach przebijają się jego zalety jako śpiewaka: ciemny, lśniący głos o bogatej palecie grubo rozłożonych barw, która pozwoliła mu zgłębić psychologiczną głębię w wielkich rolach Verdiego i Pucciniego.

Ashutosh Khandekar

Jego własnymi słowami: 'Wielu, którzy uczą, powoduje, że ich uczniowie forsują swoje głosy aż do ruiny’

Sześć najlepszych kompozytorów o wielu talentach
Wprowadzenie do Pélleas et Mélisande Debussy’ego

14. Peter Schreier (ur. 1935)

Prawdopodobnie najbardziej wyrafinowany z powojennych tenorów lżejszych, Peter Schreier jest ceniony za przekonanie do swoich ról operowych, szczerość w muzyce religijnej i inteligencję w Lieder.

Jako chórzysta drezdeńskiego Keruzchor, początkowo aspirował do muzyki sakralnej, zwłaszcza do wielkich ról Ewangelistów w Bachowskich Pasjach i Oratoriach Bożonarodzeniowych; rzeczywiście, jego ostatnim występem jako profesjonalnego śpiewaka była rola Ewangelisty w Oratorium Bożonarodzeniowym, którym również dyrygował, w Pradze w 2005 roku, w wieku 70 lat.

Jego kariera operowa rozpoczęła się od roli pierwszego więźnia w Fideliu w 1959 roku, ale szybko rozkwitła dzięki pracy w ówczesnej Staatsoper East-Berlin, Operze Wiedeńskiej, na festiwalach w Salzburgu i Bayreuth. Choć ceniony głównie za role mozartowskie, takie jak Belmonte i Tamino, zachował zamiłowanie do Bacha. Schreier był również jednym z najlepszych śpiewaków pieśniowych swojego pokolenia; jego nagranie Die schöne Müllerin Schuberta z 1991 roku jest godne uwagi ze względu na niewymuszoną wnikliwość.

Jan Smaczny

Własnymi słowami: 'To musi być jak przejażdżka nad Bodensee, trzeba to zrobić bez okazywania strachu’. (Schreier mówi o koloraturowym Alleluja z Kantaty 51 JS Bacha)

Sześć najlepszych muzycznych opracowań szekspirowskiego Romea i Julii
Co się dzieje w Ognistym ptaku Strawińskiego?

13. Juan Diego Flórez (ur. 1973)

Nowy Pavarotti? Juan Diego Flórez emanuje niewymuszonym wdziękiem, a jego zdumiewająca sprawność wokalna zdobyła uznanie krytyki i powszechne uwielbienie.

Ukradł show podczas Last Night of the 2016 BBC Proms, wzbudzając tam taki sam zachwyt, jak na scenach operowych na całym świecie. Wspaniała czystość tonu i zapierająca dech w piersiach wirtuozeria sprawiają, że jego śpiewowi nie można się oprzeć, w połączeniu z dobrym wyglądem i zachwytem nad wykonaniem.

Jego zdolność do pobudzania nawet najbardziej wytrawnych operowych podniebień została zademonstrowana w zeszłym roku, kiedy to, obalając żelazną tradycję, słynna surowa publiczność La Scali zażądała bisu „Oh, mes amis” z La fille du régiment Donizettiego, z jej heroiczną sekwencją dziewięciu górnych C. Ponieważ utwór ten był specjalnością bohatera Flóreza, zmarłego Luciano Pavarottiego, owacja dała nieuchronne poczucie przekazania pochodni.

Geoffrey Smith

Własnymi słowami: Kiedy czujesz się zrelaksowany i komfortowo, czujesz to, co śpiewasz. I wtedy po prostu się komunikujesz. I to jest najpiękniejszy moment, bo publiczność może poczuć, co naprawdę czujesz.”

Sześć najlepszych wielkich dzieł z chorałami
Najlepsza muzyka klasyczna na wiosnę

12. Carlo Bergonzi (1924-2014)

Wirowy, ale elegancki, żarliwy, ale inteligentny, przede wszystkim ludzki; Bergonzi był przez wielu uważany za największego tenora verdiowskiego połowy XX wieku.

Po debiucie jako baryton w 1948 roku, międzynarodowa kariera Bergonziego jako tenora nabrała tempa w latach 50-tych, kiedy rozpoczął długoterminowe związki z Metropolitan, La Scalą i Covent Garden. Jego trzypłytowy przegląd ról tenorowych Verdiego dla Philipsa z 1976 roku jest czymś przełomowym, podobnie jak kompletne nagrania Radamesa, Alfreda i Księcia Mantui, między innymi.

Na scenie był sztywny i prostolinijny: 'Wiem, że nie wyglądam jak Rudolph Valentino, ale próbowałem nauczyć się grać głosem’. Jego mistrzostwo w operowaniu oddechem i barwą słów pozwoliło mu sportretować gorącokrwistych Canio i Cavaradossiego bez typowych bulgotów i jęków. Obecnie, po osiemdziesiątce, Bergonzi uczy i prowadzi hotel w Busseto, miejscu urodzenia Verdiego.

Howard Goldstein

Jego własnymi słowami: 'Technika umożliwia artyście dojście do takiego poziomu doskonałości, na którym nie sposób odgadnąć, które cechy są nabyte, a które wrodzone.’

Wywiad z choreografem Matthew Bourne’em
20 największych sopranów wszech czasów

11. Tito Schipa (1888-1965)

Ochwalany jako prawdziwy „tenore di grazia”, Schipa oczarowywał publiczność raczej czystością głosu, muzyczną subtelnością i interpretacyjną elegancją niż technicznymi fajerwerkami.

Niewielu tenorów potrafiło zrobić tak wiele ze stosunkowo niewielkiej ilości, jak Tito Schipa. Raczej ograniczony pod względem zakresu i szerokości dynamiki, pozbawiony nawet szczególnie atrakcyjnej barwy głosu, posiadał jednak największy dar ze wszystkich – umiejętność tworzenia linii śpiewu i rzutowania jej w każdy zakątek zachwyconej sali. W lirycznym repertuarze bel canto królował z doskonałym wyczuciem cieniowania, niuansów i rubato, z cudowną dykcją, która sprawiała, że każda samogłoska wydawała się mówić.

Światowa supergwiazda, stał się pełnoprawnym idolem wieczorów panieńskich w Ameryce, która wybaczyła mu nawet faszystowskie sympatie podczas II wojny światowej. Jego klasyczna wersja 'Una furtiva lagrima’ Donizettiego pozostaje lekcją dla każdego śpiewaka i ekspresyjnym tour de force, ukoronowanym perfekcyjnie dobranym, wywołującym oniemienie diminuendo, które było znakiem firmowym Schipa.

Geoffrey Smith

Jego własnymi słowami: 'Nigdy nie forsowałem swojego głosu. Nigdy nie śpiewałem tego, czego nie mogłem zaśpiewać. To mój jedyny sekret.’

Sześć najlepszych koncertów Last Nights of the Proms
Najlepsze nagrania Miserere Allegriego

10. Peter Pears (1910-1986)

Sir Peter Pears zawsze będzie pamiętany ze względu na swoją trwającą całe życie współpracę z Benjaminem Brittenem, którego najwspanialszą muzykę zainspirował.

Moi rodzice lubili muzykę Brittena, a ja wychowałem się ucząc się i kochając każdy szczegół wyrafinowania i dowcipu, jakie Peter Pears wniósł do Pieśni ludowych, heroizm jego Świętego Mikołaja, a przede wszystkim torturowaną odmienność Petera Grimesa. Pears i Britten byli razem przez 40 lat – założyli English Opera Group i Aldeburgh Festival, stworzyli też niezrównane partnerstwo recitalowe.

Dźwięk Pearsa nie wszystkim się podoba, ale jego kunszt jest niepodważalny: Britten uwielbiał jego przekazywanie „każdego niuansu, subtelnego i nigdy nie przesadzonego”. To właśnie jego głos zainspirował Brittena do komponowania oper, a jego duchowość i erudycja wniosły tak wiele do dzieł takich jak Święte sonety Johna Donne’a.

Byłby w stanie zrobić karierę bez Brittena – był przekonującym i odnoszącym sukcesy wykonawcą operowym na długo przed Peterem Grimesem – ale bez Pearsa nie mielibyśmy jednych z najwspanialszych dzieł, jakie kiedykolwiek napisano na tenor. Jego sztuka nie ograniczała się oczywiście tylko do Brittena – nagranie Pasji wg św. Mateusza Klemperera, tak niemodne w dzisiejszych czasach, jest zdominowane (ale nigdy nie przytłoczone) przez Ewangelistę Pearsa. Uwielbiał też śpiewać Dowlanda, którego pieśni, jak mówił, były „zabarwione delikatnym srebrzystym smutkiem” – wymowny obraz.

Catherine Bott

Jego własne słowa: 'Peter Grimes nie jest najbardziej heroiczną tytułową rolą w całej operze. Nie jest Don Giovannim ani Otello, a im więcej przepychu stosuje się do jego prezentacji, tym bardziej oddalamy się od tego, czego chciał kompozytor.”

– Czytaj więcej: Pears i Britten

Sześciu najlepszych gitarzystów klasycznych
Muzycy, którzy zapamiętują muzykę

9. Nicolai Gedda (1925-2017)

Intelekt, styl i zdolności lingwistyczne Geddy sprawiły, że był najbardziej wszechstronnym i nagrywanym muzykiem swojej epoki.

W 1952 roku Walter Legge przesłuchał młodego szwedzkiego tenora i przekazał swoim kontaktom: „Właśnie usłyszałem największego śpiewaka Mozarta w moim życiu: nazywa się Nicolai Gedda”.

Były kasjer bankowy został szybko zaangażowany do klasycznego nagrania Borysa Godunowa Dobrowena, które do 1953 roku było rozchwytywane przez domy w całej Europie. Legge nie mógł jednak przewidzieć, że jego odkrycie stanie się najbardziej wszechstronnym i trwałym tenorem lat powojennych, triumfującym w repertuarze od przerażających wysokich tonów w Purytanach Belliniego po heroizm w Benvenuto Cellini Berlioza i Lohengrinie Wagnera, dokonując około 200 nagrań – ostatnie dopiero w 2003 roku.

Nicolai Harry Gustav Gedda Ustinov dysponował elegancko lirycznym dźwiękiem, wzbogaconym o polerowaną dykcję. W latach 70-tych, kiedy go widziałem, jego dawniej klarowny górny rejestr był nadwyrężony, ale zrekompensował to z godnym podziwu stylem i żarliwością. Jako wszechstronny intelektualista, Gedda wnosił do swych ról poważną myśl.

Michael Scott Rohan

Według jego własnych słów: 'Ci, którym Bóg dał piękny głos, są również obciążeni obowiązkiem kształcenia go i dbania o niego.’

Sześć najlepszych cudownych dzieci
Wywiad z organistką Anną Lapwood

8. Jon Vickers (1926-2015)

Bohaterski tenor o wyjątkowym autorytecie i złożoności, Vickers odcisnął piętno na swoim indywidualnym podejściu do serii portretów, które aspirowały do poziomu duchowego.

To przesłuchanie do Covent Garden w 1957 roku wypchnęło Kanadyjczyka Jona Vickersa na scenę. Jego wczesne role obejmowały Gustavo w Un ballo in maschera Verdiego, Don José w Carmen Bizeta i tytułową rolę w historycznej produkcji Visconti/Giulini Don Carlosa Verdiego; ale potencjał jego głosu do podjęcia najbardziej wymagających ról w repertuarze poprowadził go w kierunku Eneasza Berlioza, Florestana Beethovena i Wagnerowskich Siegmunda, Parsifala i Tristana, a także Petera Grimesa Brittena – roli, którą skutecznie zdefiniował na nowo.

Dzięki dramatycznej prezencji połączonej z wypalonym brązowym tonem, który potrafił unieść się nad każdą orkiestrą, Vickers stał się tenorem wybieranym do takich ról w Bayreuth, Wiedniu, Met i innych czołowych teatrach.

Aktor o wulkanicznej sile – był prawdopodobnie jedynym tenorem, w którym Maria Callas znalazła równego sobie partnera, gdy śpiewał Jasona dla jej Medei w operze Cherubiniego – sztuka Vickersa opierała się na filozoficznych i religijnych przekonaniach; wycofał się z produkcji Wagnerowskiego Tannhäusera, powołując się na bluźnierstwo dzieła. Jego Canio i Otello były przerażające, Grimes to wstrząsające studium odrzucenia, a Tristan nieznośnie poruszający.

George Hall

Jego własnymi słowami: 'Ilekroć artysta odrywa wzrok od tego, co ostateczne… od tego, co nazwałbym „Wiecznym”, wtedy pomniejsza siebie, a jakość jego sztuki jest przez to pomniejszona.’

Pięciu najlepszych walijskich kompozytorów
Najlepsze klasyczne utwory na saksofon

7. Beniamino Gigli (1890-1957)

Gigli był czołowym włoskim tenorem lat międzywojennych, obdarzonym miodowym tonem i swobodnym sposobem bycia, które uczyniły go „śpiewakiem ludu”.

Urodzony w małym włoskim miasteczku Recanati w 1890 roku, Gigli zaczął śpiewać jako chórzysta, a następnie kształcił się wokalnie w Rzymie. Po udanym debiucie w La Gioconda w 1914 roku, był rozchwytywany w całych Włoszech, a w 1920 roku dostał się do Met, gdzie odziedziczył wiele ról Caruso po jego śmierci w następnym roku. W Nowym Jorku pozostał do 1932 roku, kiedy to odmówił obniżenia pensji z powodu kryzysu i wrócił do Włoch. Tam stał się ulubionym tenorem Mussoliniego, choć po wojnie to skojarzenie zostało mu wybaczone.

Zrealizował 20 filmów i 900 płyt, na których pokazał nieskazitelny liryczny głos tenorowy o niezwykłej słodyczy, używany ze smakiem i wyobraźnią, choć od połowy lat 30. jego głos się pogorszył. Mimo to występował aż do śmierci w 1957 roku. Odpowiadały mu opery weryzmu – w tym tak ciężkie zadania jak Manon Lescaut Pucciniego i Andrea Chénier Giordana – natomiast w operach lirycznych, takich jak Traviata czy Bohème, trudno było mu dorównać.

George Hall

Jego własnymi słowami: 'Śpiewać dwa razy tę samą arię w ten sam sposób, to jest szkoła i profesorowie. Gigli nie jest z tych szkół.’

Najlepsze filmowe ścieżki dźwiękowe: nasze najlepsze wybory
5 najważniejszych wskazówek dotyczących udziału w BBC Proms

6. Lauritz Melchior (1890-1973)

Lauritz Melchior urodził się jako baryton i stał się najlepszym Heldentenorem XX wieku, ustanawiając standardy śpiewania Wagnera, które nigdy nie zostały przekroczone.

Melchior urodził się w Kopenhadze w 1890 roku, tego samego dnia co Gigli. Zadebiutował w 1913 roku śpiewając Silvio w Pagliacci, ale kiedy usłyszał młodego barytona śpiewającego wysokie C w Il trovatore, amerykański kolega uznał go za tenora „z przykrywką”. I to właśnie karmelowe barwy w dolnym rejestrze Melchiora sprawiają, że jego głos jest tak charakterystyczny, wraz z wytrzymałością, która pozwala mu śpiewać Wagnerowskie główne role tenorowe bez zmęczenia.

W 1924 roku Melchior śpiewał na pierwszym powojennym Festiwalu w Bayreuth i w tym samym roku triumfował w Londynie jako Siegmund w Walkirii. Minęło kolejnych pięć lat, zanim Nowy Jork wziął go sobie do serca, ale po zaśpiewaniu Tristana w Met stał się Heldentenorem z wyboru w niemal każdym sezonie, aż do momentu, gdy w lutym 1950 roku wybrał na swój swansong 'Pożegnanie Lohengrina’.

Jeśli siła i wytrzymałość są cechami charakterystycznymi sztuki Melchiora, jest w niej również delikatność w frazowaniu i absolutna pewność tonu, który nigdy nie jest mniej niż piękny i zawsze odpowiednio ekspresyjny.

Czy jakikolwiek Zygfryd przekazał taki zachwyt nad budzącą się Brünnhildą? Czy któryś z braci tak żarliwie i z taką desperacją pożądał swojej siostry? Na płycie Melchior jest w swojej szczytowej formie jako Siegmund wobec poruszającej serce Sieglindy Lotte Lehmann w I akcie Walkirii, nagranej w Wiedniu w 1935 roku.

Christopher Cook

Własnymi słowami: 'Traktuj swój głos jak kapitał w banku. Śpiewaj w swoim interesie, a twój głos będzie trwał.’

Sześć najbardziej inspirujących kobiet w muzyce
Sześć najlepszych nagrań King’s Singers

5. Jussi Björling (1911-1960)

Piękny ton i bezwysiłkowa technika Björlinga przyczyniły się do jego reputacji jako wzoru sztuki śpiewu podczas znakomitej międzynarodowej kariery.

Znalezienie komplementów dla kunsztu wokalnego Björlinga jest równie trudne jak znalezienie ziaren piasku na plaży, ale wydaje się niezwykłe, że tak wiele z tych pochwał pochodzi od jego kolegów i czołowych muzyków. Dla jego szwedzkiej rodaczki, Elisabeth Söderström, „słuchanie Björlinga zawsze było dla mnie największą przyjemnością. Nigdy nie wydał brzydkiego dźwięku, a mimo to jego głos był najbardziej ludzkim, emocjonalnym instrumentem.”

Irene Dalis uważa, że „był on najlepszym tenorem na świecie. A jednak nigdy nie było innego głosu, który by mu dorównywał”. Arturo Toscanini, nie słynący z zachwytów nad śpiewakami, powiedział: „Jaki piękny głos i jaki piękny śpiew, wszystko na oddechu, doskonała technika. Wszystko się łączy, a dykcja też jest bardzo dobra. Brawo!”

Regina Resnik twierdziła, że otwierające koncert wykonanie „Ingemisco” z Requiem Verdiego w Albert Hall „było prawdopodobnie jednym z najpiękniej zaśpiewanych pięciu minut, jakie kiedykolwiek, kiedykolwiek słyszałam w moim życiu. Do tego stopnia, że siedziałem tam płacząc jak dziecko.”

Głos Björlinga nie był duży, ale był doskonale postawiony, posiadał srebrzysty blask i pozwalał na dynamiczne i kolorystyczne cieniowanie w każdym punkcie swego rejestru – według amerykańskiego krytyka Conrada L Osborne’a, „mistrzostwo linii, jego opanowanie klasycznych efektów (wokalnych)… jest tego rodzaju, że nawet bardzo dobrzy śpiewacy wydają się być amatorami.’

Ale jego gra aktorska w operze czasami wydawała się obserwatorom flegmatyczna lub zdawkowa, a techniczna sprawność i ekspresyjna subtelność jego śpiewu zmiatała wszystko przed nim. Najbardziej znany z romantycznych ról tenorowych, takich jak Rodolfo (Cyganeria), Cavaradossi (Tosca), Książę (Rigoletto), Manrico (Il trovatore), Faust i Roméo (te dwie ostatnie z oper Gounoda), Björling wykonywał czasem lub nagrywał cięższe partie, a jego repertuar koncertowy obejmował także arie operetkowe, pieśni skandynawskie i niemieckie Lieder. Jego liczne nagrania dokumentują niezwykłą spójność jakości wokalnej i wysoki poziom artystyczny.

David Breckbill

Według jego własnych słów: 'Mam jedną ulubioną rolę. Jest to Otello. Cóż to za rola dla tenora! Co za opera! Co za muzyka! Ale wiesz co? Nigdy jej nie zaśpiewam (na scenie). To zniszczyłoby mój głos. Nie chciałbym, żeby to się stało.”

Sześć najlepszych mniej znanych utworów kompozytorów radzieckich
12 najlepszych kompozytorów fikcyjnych

4. Fritz Wunderlich (1930-1966)

Wybitny niemiecki tenor liryczny swojego pokolenia, którego życie zostało tragicznie przerwane w momencie, gdy rozpoczynała się jego międzynarodowa kariera, ale dzięki licznym nagraniom jego wyjątkowy głos pozostał niezapomniany.

Gdy Fritz Wunderlich zginął w wyniku upadku podczas wakacji na polowaniu, zaledwie dziewięć dni przed swoimi 36. urodzinami we wrześniu 1966 roku, był u szczytu swojej kariery jako śpiewak mozartowski. Rola Tamina, którą nagrał rok wcześniej w Berlinie pod batutą Karla Böhma, wyznaczyła ramy jego zbyt krótkiej kariery w głównych rolach. To właśnie w 1956 roku, jako młody członek Opery w Stuttgarcie, zastąpił niedysponowanego kolegę, Josefa Traxela, i dał się poznać jako niezrównany Mozartianin, o łatwym, przejrzystym, męskim tembrze, wrodzonym wyczuciu stylu i nieskazitelnej dykcji w ojczystym języku.

Tamino był ostatnią rolą, jaką zaśpiewał na scenie, dziesięć lat później, ponownie z zespołem ze Stuttgartu, na Festiwalu w Edynburgu, ledwie miesiąc przed śmiertelnym wypadkiem. W trwającej niewiele ponad dekadę karierze dał wzorcowe wykonania lirycznych mozartowskich ról tenorowych: Belmonte w Uprowadzeniu z seraju, Ferrando w Così fan tutte i Don Ottavio w Don Giovannim.

Był pracoholikiem, a jego repertuar operowy sięgał od oper barokowych i wczesnoklasycznych Monteverdiego, Haendla i Glucka, przez klasykę XX wieku, jak Palestrina Pfitznera i Wycieczki pana BrouΩka JanáΩka, po dzieła współczesne (kreował partie w operach Carla Orffa i Wernera Egka).

Nie mniej bogaty był jego repertuar koncertowy i pieśniowy. Pozostawił niedoścignione nagrania solówek tenorowych w Stworzeniu świata Haydna i Missa Solemnis Beethovena pod Karajanem, a przede wszystkim pieśni tenorowych w nagraniu Das Lied von der Erde Mahlera dokonanym przez Klemperera, w których młodzieńcza, ciepła barwa Wunderlicha łączy się z wymowną dykcją i swobodą w górze głosu.

W studiu nagraniowym był populistą, nagrywając swoje ulubione arie operetkowe i pieśni takie jak 'Granada’, które zjednywały mu zwolenników wśród tych, którzy nigdy nie postawili stopy w operze.

Hugh Canning

Jego własne słowa: 'Aby zarobić na życie, grałem na boku muzykę jazzową. W nocy dmuchałem w trąbkę, grałem na akordeonie, śpiewałem popularne piosenki; rano, po kilku godzinach snu, studiowałem w college’u Monteverdiego i Lully’ego.”

Wywiad z dyrygentem Long Yu

3. Luciano Pavarotti (1935-2007)

Jeśli niektórzy zatwardziali miłośnicy opery mieli wątpliwości, ogół społeczeństwa uważał, że Pavarotti zasłużył na miano największego, najpopularniejszego tenora po Gigli, Caruso, Tauberze i Lanzie.

Życie Pavarottiego mogłoby być niemalże fabułą filmu o Lanzie. Jego ojciec, piekarz, był znakomitym tenorem i dawał wiele otuchy Luciano, który był rozdarty między muzyką a piłką nożną. Chłopiec śpiewał w lokalnym chórze, który zdobył pierwszą nagrodę podczas wizyty na festiwalu w Llangollen. W 1961 roku zadebiutował na scenie jako Rodolfo w Cyganerii, a w 1963 roku wrócił do Wielkiej Brytanii, by zastąpić Giuseppe di Stefano w tej samej roli w Covent Garden.

W konsekwencji został zaangażowany do Sunday Night w londyńskim Palladium, perły weekendowej ramówki ITV. Wkrótce jego współpraca z Joan Sutherland zaowocowała występem w La fille du régiment, gdzie jego słynna umiejętność śpiewania wysokiego C została ugruntowana. Z biegiem lat jego rosnąca masa i rozwijające się niedoskonałości głosu utrudniały mu występy operowe, a w 1992 roku został wygwizdany w La Scali, kiedy jako Don Carlos złamał jedną nutę.

Dla wielu wielbicieli brakowało mu głębi Dominga, ale jego zdrowy rozsądek, koncerty plenerowe na wielką skalę, w tym legendarna okazja z 1991 roku przed księciem i księżną Walii, kiedy przekonał większość tłumu do rozwinięcia parasoli mimo deszczu, umiejętne łączenie wielkich arii operowych z lubianymi balladami neapolitańskimi i względnie powściągliwe aktorstwo zaskarbiły mu miłość i podziw szerokiej publiczności.

Zawsze przywiązywał wielką wagę do legato, którego podejście nadawało jego występom naturalną jakość, ale być może to właśnie jego wyjątkowo słodki i stabilny górny rejestr był tym, co go naprawdę wyróżniało. Do minusów należały jego często żenujące kontakty z popem, tendencja do utraty kontroli nad wibratem w późniejszych latach i coraz większe trudności z utrzymaniem długich występów. Kiedy jednak wznosi się ku ostatnim frazom 'Nessun Dorma’, wszystko zostaje mu wybaczone…

Barry Witherden

Jego własnymi słowami: 'Myślę, że życie w muzyce to życie pięknie spędzone, i temu właśnie poświęciłem swoje życie.’

Dziewięć najlepszych współczesnych kompozytorek
Jak zdobyć bilety na BBC Proms?

2. Enrico Caruso (1873-1921)

Jeden z decydujących głosów XX wieku, Enrico Caruso był tym najrzadszym ze stworzeń: prawdziwie wielkim artystą z masową popularnością.

Caruso był śpiewającą supergwiazdą, z głosem, który urodził się, by tworzyć nagrania, które oszałamiałyby zmysły uwielbiającej go publiczności. Jego kariera była jedną z pierwszych, które zostały zbudowane na tym niecnym i na wskroś nowoczesnym sojuszu ogromnego naturalnego talentu, sprawności w studiu nagraniowym oraz błyskotliwego zarządzania i PR.

Opera była oczywiście jego głównym celem, ale w swoich ponad 250 nagraniach, w większości wydanych na płytach 78 przez Victor Talking Machine Co., obejmował większość gatunków muzycznych, od Verdiego, Bizeta i Pucciniego (współczesnych mu) po pieśni neapolitańskie i muzykę pop, a jednym z jego bestsellerów była „Over There”, wesoła piosenka dla armii amerykańskiej podczas I wojny światowej.

Był niezaprzeczalnie osobą przyciągającą tłumy, a jego showmanship był legendarny, zachwycając publiczność w Ameryce, gdzie jego kariera szczególnie rozkwitła pod kierunkiem Edwarda Bernaysa, eksperta w dziedzinie „psychologii tłumu” i jednego z pionierów nowoczesnego public relations.

Głos Carso miał swoje wady: nigdy nie czuł się w pełni komfortowo na samym szczycie swojej gamy. Dzwoniące górne C często mu umykało i często musiał dokonywać transpozycji. Nagrania zachowują jednak głos, który nawet w ciasnych wnętrzach wczesnego studia nie wymagał wysiłku i łatwo wpadał w ucho, z bogatym i potężnym niskim i średnim rejestrem oraz wysoce naładowanymi górnymi tonami, które wydają się być całkowicie dostosowane do nowego, dramatycznego stylu weryzmu, który pojawił się pod koniec XIX wieku.

Chociaż jego życie nieubłaganie ciągnęło się do Stanów Zjednoczonych, urok Caruso i jego policzek pozostały wyraźnie włoskie. Skandalizował w Nowym Jorku po tym, jak został aresztowany za nieprzyzwoitą napaść w nowojorskim zoo, poza małpiarnią. Uznano go winnym uszczypnięcia damy w pupę, ale twierdził, że zrobiła to małpa.

Caruso jest jednym z najwcześniejszych wielkich śpiewaków, którego głos pozostaje dla nas żywy do dziś dzięki jego nagraniom. Jego wpływ jest odczuwalny nawet teraz: posłuchaj dowolnego wielkiego tenora operowego – Dominga, Pavarottiego – a pewne manieryzmy i zwroty akcji sprawią, że pomyślisz: 'Ach tak, to prosto z ust Caruso!’

Ashutosh Khandekar

Jego własnymi słowami: 'Nigdy nie wchodzę na scenę, nie zadając sobie pytania, czy uda mi się dokończyć operę.’

Dziewięć najlepszych klasycznych dzieł inspirowanych słońcem
Najlepsze utwory chóralne na Pasję

1. Plácido Domingo (ur. 1941)

Domingo jest tym najrzadszym zjawiskiem wokalnym, tenorem, który używał swego głosu w służbie odtwarzania wielkiej sztuki, a nie jako porywającego celu samego w sobie.

Plácido Domingo urodził się w Hiszpanii, oficjalnie w 1941 roku, ale wiele osób twierdzi, że data ta powinna być o rok lub więcej wcześniejsza. Nawet jeśli data, którą preferuje, jest poprawna, zachował swój głos w niezwykle energicznej karierze przez prawie 50 lat, debiutując w 1959 roku w Meksyku, dokąd jego rodzina przeniosła się, gdy miał osiem lat.

Wciąż śpiewa, w tym tak wymagające role jak Siegmund w Walkirii Wagnera, a także w starannie dobranych operach włoskich. W trakcie tej ogromnej kariery zawsze szukał nowych ról, które byłyby dla niego wyzwaniem, i nagrał ich ponad sto, wykonując na scenie imponującą część z nich.

Zaczął od typowych oper włoskich, głównie Verdiego i Pucciniego, ale cofnął się w czasie, najwcześniejsza jego rola to Hippolyte et Aricie Rameau. Śpiewał też kilka oper współczesnych, ale tylko tych napisanych w dość tradycyjnym idiomie.

Najbardziej zaskakujące jest to, że niemal sam wśród tenorów, którzy zdobyli sławę w operze włoskiej, od około 50. roku życia jest równie mocno zaangażowany w operę niemiecką, przede wszystkim Wagnera, którego największych ról nie ryzykował śpiewając w teatrze, ale nagrywając je w części lub w całości.

Śpiewał nawet na festiwalu w Bayreuth, co jest najwyższym wyróżnieniem. Nie zaniedbywał ani opery francuskiej, w tym Berlioza i Masseneta, ani rosyjskiej. A teraz przechodzi do repertuaru barytonowego, z Orestą Glucka już w Met.

Jako samozwańczy pracoholik dyryguje operą, kieruje Washington National Opera i Los Angeles Opera, co wiąże się z ogromną ilością zbierania funduszy. Poza tym był oczywiście jednym z Trzech Tenorów i nagrał albumy świąteczne oraz płyty z popularnymi piosenkami włoskimi i hiszpańskimi.

Przy tak szerokim repertuarze nie dziwi fakt, że nie kojarzymy Dominga z konkretnymi rolami, może z wyjątkiem Otella Verdiego, którego jest głównym wykonawcą od czasu przejścia na emeryturę Jona Vickersa, antytezę Dominga pod wieloma względami. Ale nawet wtedy, kiedy myśli się o tej roli, o rodzaju głosu i obecności, jakich ona wymaga, Domingo niekoniecznie jest pierwszym nazwiskiem, które przychodzi na myśl.

Nieuniknione jest, że krytykowano go za standardowe wykonywanie wielu ról – ale trudno też wyobrazić sobie, jak można być indywidualnym w wielu mniej znanych dziełach Verdiego. Faktem pozostaje, że słuchając Dominga, ma się gwarancję powodzi wspaniałego dźwięku, wrażliwej muzykalności, bezpieczeństwa głosu tak zadbanego, że nic się nie zepsuje i – jeśli się go widzi – przyzwoitego poziomu aktorstwa. Ciepło, smak, zaangażowanie, zrozumienie: to nie są pierwsze rzeczy, które przychodzą na myśl, gdy myślisz o tenorze, ale są, gdy myślisz o Domingo.

Scena operowa od połowy lat 60. jest bez niego niewyobrażalna, a gigantyczna skarbnica nagrań operowych będzie świadczyć o jego wielkości dla przyszłych pokoleń. In an age when 'celebrity’ has rightly become a word of contempt, Plácido Domingo’s fame is an example of how once a huge name was built on solid foundations.

Michael Tanner

In his own words: 'My motto is „When I rest, I rust”.’

5 facts about composer Bernd Alois Zimmermann
Six of the best 20th-century British choral works

This article was first published in April 2008.