Os 20 Maiores Tenores de Todos os Tempos

Se matar dragões dramaticamente em Wagner, princesas líricas em Puccini, deslizando graciosamente em Schubert ou até mesmo cantar para o desmaio na TV, os tenores capturam a imaginação como nenhum outro cantor. É fácil perceber porquê.

São elas que costumam tocar o herói ágil e atlético, enquanto o pobre e velho baixo é lançado como o grande e chocante baddy. Além disso, há a bravata vocal de impressionar o público daqueles altos Bs e Cs enquanto, fora da ópera, a tradição há muito que considera os tenores suaves e sedosos como as vozes do romance.

Mas quem são os melhores expoentes da arte tenor de todos os tempos? Quais têm exibido o maior poder, alcance, graça e flexibilidade? Em 2008 pedimos a um painel de especialistas para votar nos cantores que eles acreditavam ser os maiores tenores de todos os tempos. Você concorda com as escolhas deles?

20. Sergey Lemeshev (1902-1977)

Uma das estrelas dos tenores Bolshoi de meados do século XX, Lemeshev combinou uma extraordinária voz jovem – mesmo no final da sua carreira – com um nível de caracterização inigualável para a maioria dos seus contemporâneos.

Dois notáveis tenores russos dominaram a cena soviética nos anos 30 e 40. Sergey Lemeshev e Ivan Kozlovsky, nascidos apenas dois anos separados, dividiram os seus fãs em grupos rivais de lemeshistki e kozlovityanki.

Alguns possuíam vozes líricas elevadas de grande distinção, colocação avançada e dicção impecável, embora tenha sido Lemeshev quem foi abençoado com o aspecto de ídolo da matiné e quem cortou o maior traço como o Duque em Rigoletto.

Ele também teve a vantagem romântica sobre seu rival em seu papel de assinatura, o poeta Lensky em Eugene Onegin de Tchaikovsky, uma parte que ele cantou mais de 500 vezes; há filmagens comoventes dos dois homens compartilhando uma versão especialmente reformulada da Ária do Ato I como um tributo de aniversário à viúva de Chekhov, Olga Knipper, e ambos os tenores podem ser comparados nas telas no célebre lamento de Lensky.

A interpretação de Lemeshev na gravação da ópera completa, feita em 1956, mostra a voz ainda notavelmente jovem e fresca, e ele a cantou pela última vez aos 70 anos de idade. Bom gosto e musicalidade impecável marcam dois papéis de camafeu em óperas de Rimsky-Korsakov, o convidado indiano em Sadko e o czar Berendey em A Donzela da Neve.

David Nice

Nas suas próprias palavras: “Eu não canto Alfredo há anos. Mas quero desesperadamente voltar a cantá-la, nem que seja só uma vez…’ (Lemeshev de 63 anos).

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19. Wolfgang Windgassen (1914-1974)

A Heldentenor num novo molde mais leve, Windgassen dominou a etapa wagneriana no pós-guerra.

Wolfgang Windgassen seguiu os passos de seu pai, também tenor e com quem estudou, trabalhando na ópera de Stuttgart, primeiro como cantor e desde 1972, até sua morte dois anos depois, como diretor. Embora famoso por seus papéis Wagnerianos, Windgassen fez sua estréia em 1941 como Don Alvaro em La forza del destino.

Em Bayreuth ele cantou papéis de tenor importante e foi o Siegfried na gravação dos anos 60 de Solti do Anel para Decca. Embora a sua voz não tivesse a ressonância barítono de outros grandes pré-Guerra, o seu tom requintado fez dele um dos mais apreciados cantores Wagnerianos da sua geração. O seu Siegfried no famoso Anel do Decca é inesquecível pela sua força e fragilidade.

Jan Smaczny

Nas suas próprias palavras: ‘Gott, welch’ dunkles Bier’ (“Que cerveja escura”) – Windgassen ao fazer uma rápida saída de palco da ópera Fidelio de Beethoven, com uma perturbação no estômago.

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18. Alfredo Kraus (1927-1999)

Uma palavra de ordem para o refinamento lírico, Kraus era o favorito dos perenes conhecedores de bel canto e repertório francês.

P>Acima dos 50 anos de idade, Alfredo Kraus conseguia emocionar um público do Covent Garden em La traviata de Verdi. Seus segredos eram uma técnica calorosa e sem esforço, dicção imaculada, nobreza e inteligência informando todos os aspectos de sua arte.

Chegando tarde à ópera – depois de se qualificar como engenheiro industrial em sua Espanha natal – ele subiu ao estrelato em frente a Maria Callas e Joan Sutherland, fazendo uma estreia metropolitana em 1966 como o Duque em Rigoletto de Verdi.

A elegância do seu estilo tornou-o ideal em Donizetti e Bellini, e mais tarde especializou-se em Massenet, particularmente no papel de Werther. Mas ele também foi soberbo como Ferrando na gravação clássica de Karl Böhm do Così fan tutte de Mozart, e nas delícias da zarzuela espanhola. Um pouco negligenciado agora – e sofrendo de apagamentos no seu catálogo de gravações – ele permanece um aristocrata tenor supremo.

Geoffrey Smith

Nas suas próprias palavras: “Um cantor é mais do que um cantor, é um artista, e é ainda mais do que um artista, é um maestro.”‘

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17. Anthony Rolfe Johnson (1940-2010)

O tenor inglês Anthony Rolfe Johnson chegou tarde para cantar, mas o seu talento natural aliado a uma inteligência musical apurada levou a uma grande carreira.

Anthony Rolfe Johnson foi um dos cantores mais honestos por aí – sobre a sua voz, por exemplo: ‘Não é grande, mas poderoso e compacto, cheio de energia, e isso é uma grande arma’. Eu iria mais longe – o seu canto é viril, ardente, mas há também uma imaculada musicalidade, um maravilhoso sentido de oportunidade, que seduz o ouvinte.

E a sua imersão total em cada personagem que ele já interpretou, desde os exigentes papéis de ópera até à mais simples balada num recital do Songmaker’s Almanaque, significa que cada actuação é um novo deleite – para ele e para nós.

Eu nunca esquecerei a sua actuação no Regresso de Ulisses de Monteverdi na Ópera Nacional Inglesa: intensamente comovente e uma aula magistral discreta no estilo Monteverdiano. Ouça o seu CD In Praise of Woman (no selo Helios: CDH 55159) – cada canção iluminada pela sua mistura única de paixão, ternura e pura beleza de voz.

Catherine Bott

Nas suas próprias palavras: Às cinco horas paro de trabalhar e torno-me pai – não acredito em ser a cantora estrela que apenas “visita” a casa.’

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16. John McCormack (1884-1945)

Numa carreira que abrange mais de 40 anos, McCormack cantou e gravou ópera, oratório, Lieder, canções populares e canções folclóricas da sua Irlanda natal.

Após a morte de Caruso em 1921, o Conde John McCormack viria a se tornar o próximo tenor superstar – suas vendas de discos mesmo superando as de Caruso.

O pianista Gerald Moore comentou que McCormack não gostava de ensaiar demais ou fazer retomadas no estúdio de gravação, preferindo a honestidade da performance ao vivo. O legado gravado por McCormack revela um artista que combinou uma técnica imaculada com espontaneidade; encanto com humildade. Foi o seu dom de comunicar a própria essência de um texto – seja ele ópera italiana ou balada irlandesa – que tornou o seu apelo tão universal. Nas palavras do crítico americano Max de Schauensee, “Ele podia contar uma história”. Ele podia pintar quadros.’

Kate Bolton-Porciatti

Nas suas próprias palavras: “Eu gosto de saltar na minha vida, enquanto o capricho me leva. Não acredito neste arranjo pedante das coisas em ordem.’

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15. Franco Corelli (1921-1976)

Franco Corelli herdou o manto de Caruso e Gigli para se tornar possivelmente o maior tenor italiano dos anos 50 e 60.

A combinação de ser alto, escuro e bonito e possuir uma voz de tenor superlativo é rara no mundo da ópera, mas Corelli tinha tudo (o seu apelido, de ‘coxas douradas’ dá uma medida do seu sex appeal).

Ouvindo a sua voz hoje, pode parecer antiquada, um retrocesso a uma época anterior, com um vibrato rápido e uma tendência para se exibir. Ele segurava notas altas muito além de seu valor escrito (12 segundos no grande grito de ‘Vittoria!’ durante um Covent Garden Tosca, por exemplo), e alguns críticos fizeram questão de desaprovar o que eles consideravam como ‘efeitos baratos’.

No entanto, as suas qualidades de cantor brilham nas gravações e nos relatos contemporâneos: uma voz escura, lustrosa, com uma paleta rica de cores espessas que lhe permitiram explorar as profundezas psicológicas nos grandes papéis de Verdi e Puccini.

Ashutosh Khandekar

Nas suas próprias palavras: “Muitos que ensinam fazem com que os seus alunos forcem as suas vozes ao ponto da ruína”

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14. Peter Schreier (b1935)

Talvez o mais refinado dos tenores do isqueiro do pós-guerra, Peter Schreier é valorizado pela convicção de seus papéis operáticos, sua sinceridade na música religiosa e sua inteligência em Lieder.

Como corista no Dresden Keruzchor, suas aspirações iniciais eram para a música sagrada, em particular os grandes papéis de Evangelista nas Paixões de Bach e no Oratório de Natal; de fato, sua última aparição como cantor profissional foi como o Evangelista no Oratório de Natal, que ele também estava dirigindo, em Praga, em 2005, aos 70 anos de idade.

A sua carreira lírica começou com o papel de primeiro prisioneiro em Fidelio em 1959, mas rapidamente floresceu com o trabalho no então Staatsoper de Berlim Oriental, Ópera Estadual de Viena, Festivais de Salzburgo e Bayreuth. Embora valorizado principalmente pelos papéis de Mozartean, como Belmonte e Tamino, ele manteve o seu amor pela Bach. Schreier foi também um dos melhores cantores Lieder da sua geração; a sua gravação de 1991 de Die schöne Müllerin de Schubert é notável pela sua perspicácia não forçada.

Jan Smaczny

Nas suas próprias palavras: “Deve ser como um passeio sobre o Bodensee, você deve fazê-lo sem mostrar nenhum medo. (Schreier falando sobre a coloratura Aleluia do JS Bach’s Cantata 51)

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13. Juan Diego Flórez (b1973)

O novo Pavarotti? Juan Diego Flórez irradia charme sem esforço, enquanto sua espantosa proeza vocal ganhou elogios críticos e adulação popular.

Ele roubou o show na Última Noite dos Proms da BBC de 2016, inspirando o mesmo arrebatamento que ele tem nas casas de ópera do mundo todo. A maravilhosa pureza de tom e o virtuosismo de tirar o fôlego tornam o seu canto irresistível, aliado à boa aparência e ao prazer da performance.

A sua capacidade de estimular até mesmo as paletas de ópera mais esmaecidas foi demonstrada no ano passado quando, derrubando uma tradição de ferro, o famoso público de La Scala exigiu um bis de ‘Oh, mes amis’ do La fille du régiment de Donizetti, com a sua sequência heróica de nove Cs superiores. Como a peça era uma especialidade do herói de Flórez, o falecido Luciano Pavarotti, a ovação deu uma inevitável sensação de que a tocha estava sendo passada.

Geoffrey Smith

Nas suas próprias palavras: Quando se sente relaxado e confortável, sente-se o que se está a cantar. E então você apenas comunica. E esse é o momento mais bonito, porque o público pode sentir o que você está realmente sentindo.’

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12. Carlo Bergonzi (1924-2014)

Virtual mas elegante, ardente mas inteligente, acima de tudo humano; Bergonzi foi considerado por muitos como o maior tenor Verdi de meados do século 20.

Depois de estrear como barítono em 1948, a carreira internacional de Bergonzi como tenor decolou nos anos 50, quando ele iniciou associações de longo prazo com o Metropolita, La Scala, e Covent Garden. Sua pesquisa de três discos de 1976 para Philips dos papéis de tenor de Verdi é algo como um marco, assim como as gravações completas de Radames, Alfredo e o Duque de Mântua, entre outros.

No palco, ele era duro e simples: “Eu sei que não pareço o Rudolph Valentino, mas tentei aprender a actuar através da voz. O seu domínio da respiração e da cor das palavras permitiu-lhe retratar os sangues quentes Canio e Cavaradossi sem os habituais engolidos e gemidos. Agora em seus oitenta anos, Bergonzi ensina e dirige um hotel na terra natal de Verdi, Busseto.

Howard Goldstein

Em suas próprias palavras: “A técnica permite a um artista chegar a um nível de excelência onde é impossível adivinhar que qualidades são adquiridas e quais são inatas.’

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11. Tito Schipa (1888-1965)

Aclamado como um verdadeiro ‘tenore di grazia’, Schipa enfeitiçou o público com clareza vocal, subtileza musical e elegância interpretativa em vez de fogos de artifício técnicos.

Poucos tenores fizeram tanto de relativamente pouco como Tito Schipa. Bastante limitado em alcance e amplitude dinâmica, mesmo sem um timbre vocal particularmente atraente, ele ainda possuía o maior dom de todos – a capacidade de fazer uma linha de canto e projetá-la para cada canto de um salão encantado. No repertório lírico de bel canto ele reinou supremo, com um sentido requintado de sombra, nuance e rubato, e dicção milagrosa que parecia fazer cada vogal falar.

Uma superestrela global, ele se tornou um verdadeiro ídolo matiné na América, que até perdoou suas simpatias fascistas durante a Segunda Guerra Mundial. Sua versão clássica da ‘Una furtiva lagrima’ de Donizetti continua sendo uma lição para qualquer cantor e uma expressiva tour de force, coroada pelo diminuendo perfeitamente julgado e desmaiado que foi uma marca registrada da Schipa.

Geoffrey Smith

Em suas próprias palavras: “Eu nunca forcei a minha voz. Eu nunca cantei o que eu não sabia cantar. Esse é o meu único segredo.’

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10. Peter Pears (1910-1986)

Sir Peter Pears será sempre lembrado pela sua parceria de toda a vida com Benjamin Britten, cuja música mais fina ele inspirou.

Os meus pais gostavam da música de Britten, e eu fui educado aprendendo e amando cada detalhe do refinamento e da espirituosidade que Peter Pears trouxe para as Canções Folclóricas, o heroísmo do seu São Nicolau, acima de tudo a torturada alteridade de Peter Grimes. Pears e Britten estiveram juntos durante 40 anos – iniciaram o Grupo de Ópera Inglês e o Festival de Aldeburgh, e desenvolveram uma parceria de recital insuperável.

O som de Pears não agrada a todos, mas a sua arte é indiscutível: Britten adorava transmitir “todas as nuances, subtis e nunca exageradas”. Foi a sua voz que inspirou Britten a compor ópera, e a sua espiritualidade e erudição que tanto contribuiu para obras como os Sonetos Sagrados de John Donne.

Ele teria tido uma carreira sem o Britten – ele foi um actor de ópera atraente e bem-sucedido muito antes do Peter Grimes – mas sem o Pears não teríamos algumas das melhores obras já escritas para tenor. Sua arte não era apenas sobre Britten, é claro – a gravação de São Mateus Paixão de Klemperer, tão antiquada hoje em dia, é dominada (mas nunca esmagada) pelo Evangelista de Pêras. E ele adorava cantar Dowland, cujas canções, dizia ele, eram ‘coloridas com uma suave tristeza prateada’ – uma imagem reveladora, que.

Catherine Bott

Nas suas próprias palavras: “Peter Grimes não é o mais heróico dos títulos de ópera. Ele não é nenhum Don Giovanni ou Otello, e quanto mais glamour é aplicado à sua apresentação, mais longe se obtém do que o compositor queria.’

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9. Nicolai Gedda (1925-2017)

O intelecto, estilo e habilidade linguística do Gedda fizeram dele o mais versátil e gravado da sua época.

Em 1952, Walter Legge fez uma audição a um jovem tenor sueco, e telegrafou os seus contactos, ‘Acabei de ouvir o maior cantor de Mozart da minha vida: o seu nome é Nicolai Gedda’.

O antigo caixa do banco foi rapidamente contratado para a clássica gravação de Boris Godunov de Dobrowen, e por volta de 1953 foi capturado por casas por toda a Europa. Mas Legge dificilmente poderia ter previsto que sua descoberta se tornaria o tenor mais versátil e duradouro dos anos pós-guerra, triunfando em repertório desde as notas altas aterrorizantes de I Puritani de Bellini até a heroicidade de Benvenuto Cellini de Berlioz e Lohengrin de Wagner, e fazendo cerca de 200 gravações – a última apenas em 2003.

Nicolai Harry Gustav Gedda Ustinov possuía um som elegantemente lírico, realçado pela dicção polida. Nos anos 70, quando o vi, o seu antigo registo superior clarion mostrava tensão, mas compensava admiravelmente com estilo e ardor. Um intelectual muito abrangente, Gedda trouxe um pensamento sério aos seus papéis.

Michael Scott Rohan

Nas suas próprias palavras: “Aqueles a quem Deus deu uma bela voz também estão sobrecarregados com o dever de a treinar e cuidar dela.’

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8. Jon Vickers (1926-2015)

Um tenor heróico de autoridade e complexidade únicas, Vickers carimbou sua abordagem individual em uma série de retratos que aspiravam a um nível espiritual.

Foi sua audição para Covent Garden em 1957 que empurrou o canadense Jon Vickers para a cena. Suas primeiras partes incluíram Gustavo no balão Un de Verdi em maschera, Don José em Carmen de Bizet e o papel título na histórica produção Visconti/Giulini de Don Carlos de Verdi; mas o potencial de sua voz para assumir os papéis mais exigentes no repertório o levou a Enéas de Berlioz, Florestan de Beethoven e Siegmund de Wagner, Parsifal e Tristan, além de Peter Grimes de Britten – um papel que ele efetivamente redefiniu.

Com a sua presença dramática aliada a um tom de bronze brunido que podia sobrevoar qualquer orquestra, Vickers tornou-se o tenor de eleição em tais papéis em Bayreuth, Viena, o Met e outras casas principais.

Um ator de poder vulcânico – ele era sem dúvida o único tenor em quem Maria Callas encontrou um par igual quando cantou Jason para sua Medéia na ópera de Cherubini – a arte de Vickers foi fundada sobre crenças filosóficas e religiosas; ele se retirou de uma produção de Tannhäuser de Wagner, citando a blasfêmia da obra. Seu Canio e Otello eram aterrorizantes, seus Grimes um estudo de rejeição, seu Tristan insuportavelmente comovente.

George Hall

Em suas próprias palavras: “Sempre que um artista tira os olhos do derradeiro… do que eu chamaria “o Eterno”, então ele diminui a si mesmo, e a qualidade de sua arte é assim diminuída.’

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7. Beniamino Gigli (1890-1957)

Gigli foi o principal tenor italiano dos anos entre guerras, abençoado com um tom meloso e fácil que o tornou ‘o cantor do povo’.

Nascido na pequena cidade italiana de Recanati em 1890, Gigli começou a cantar como corista antes do treino vocal em Roma. Após uma estreia bem sucedida em 1914 em La Gioconda, ele era procurado em toda a Itália e em 1920 tinha chegado ao Met, onde herdou muitos dos papéis de Caruso, após a morte deste último no ano seguinte. Permaneceu em Nova York até 1932, quando recusou um corte no salário devido à Depressão e retornou à Itália. Lá ele se tornou o tenor favorito de Mussolini, embora depois da guerra esta associação tenha sido perdoada.

Ele fez 20 filmes e 900 discos que mostram uma voz de tenor lírico impecável, de notável doçura, usada com gosto e imaginação, embora a partir de meados dos anos 30 a sua voz se tenha deteriorado. No entanto, ele continuou a actuar até pouco antes da sua morte, em 1957. As óperas de verismo – incluindo trabalhos pesados como Manon Lescaut, de Puccini, e Andrea Chénier, de Giordano – convinham-lhe, enquanto em óperas líricas como Traviata ou Bohème ele era difícil de igualar.

George Hall

Nas suas próprias palavras: “Para cantar a mesma ária duas vezes da mesma maneira, isto é, das escolas e dos professores”. Gigli não é das escolas.’

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6. Lauritz Melchior (1890-1973)

Lauritz Melchior nasceu um barítono e reinventou-se como o melhor Heldentenor do século XX, estabelecendo padrões para cantar Wagner que nunca foram superados.

Melchior nasceu em Copenhaga em 1890, no mesmo dia que Gigli. Ele fez sua estréia em 1913 cantando Silvio em Pagliacci, mas ao ouvir o jovem barítono cantar um C alto em Il trovatore, um colega americano o declarou um tenor “com a tampa posta”. E são as cores caramelizadas do registo inferior de Melchior que tornam a sua voz tão distinta, juntamente com a resistência para cantar os papéis de tenor principal de Wagner sem se cansar.

Em 1924 Melchior cantou no primeiro Bayreuth Festival do pós-guerra e nesse mesmo ano triunfou em Londres como Siegmund em Die Walküre. Passariam mais cinco anos antes de Nova Iorque o levar ao seu coração, mas depois de cantar Tristan no Met ele se tornou o Heldentenor de escolha da companhia para quase todas as temporadas até que ele escolheu ‘Lohengrin’s Farewell’ para seu canto do cisne em fevereiro de 1950.

Se poder e resistência são as marcas da arte de Melchior, há também delicadeza no seu fraseado e absoluta certeza de tom que nunca é menos que bonito e sempre adequadamente expressivo.

Tem algum Siegfried transmitido tal maravilha ao despertar de Brünnhilde? Algum irmão cortejou sua irmã tão ardentemente e com tanto desespero? Em acta Melchior está no seu melhor como Siegmund para o coração de Lotte Lehmann tocando Sieglinde no Acto I de Die Walküre gravado em Viena em 1935.

Christopher Cook

Nas suas próprias palavras: “Considerem a vossa voz como capital no banco. Cante no seu interesse e a sua voz durará.’

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5. Jussi Björling (1911-1960)

O belo tom e a técnica sem esforço de Jussi Björling contribuíram para a sua reputação como um modelo da arte de cantar durante uma ilustre carreira internacional.

Encontrar encomia para a arte vocal de Björling é tão difícil quanto encontrar grãos de areia numa praia, mas parece extraordinário que muitos desses elogios venham de seus colegas e músicos principais. Para a sua compatriota sueca Elisabeth Söderström, ‘ouvir Björling sempre foi o meu maior prazer’. Ele nunca fez um som feio, e mesmo assim a sua voz era o instrumento mais humano e emocional.’

p>Irene Dalis pensava ‘ele era o principal tenor do mundo’. Mesmo assim, nunca houve outra voz igual à dele.’ Arturo Toscanini – notório por admirar os cantores – exclamou: ‘Que bela voz e que belo canto, tudo na respiração, uma técnica perfeita’. Está tudo ligado e a sua dicção também é muito boa”. Bravo!’

Regina Resnik afirmou que uma apresentação de abertura de concerto do ‘Ingemisco’ do Requiem de Verdi no Albert Hall ‘foi provavelmente uma das mais belas cantadas cinco minutos que eu já ouvi em toda a minha vida. Tanto que me sentei ali a chorar como uma criança.’

A voz de Björling não era grande, mas estava perfeitamente colocada, possuía um brilho prateado e permitia um sombreado dinâmico e colorido em todos os pontos do seu registo – segundo o crítico americano Conrad L Osborne, o ‘domínio da linha, o seu domínio dos efeitos clássicos (vocais) de Björling… é de um tipo que faz até os cantores muito bons parecerem pouco amadores.

Embora a sua actuação na ópera encenada tenha por vezes atingido os observadores como fleumática ou perfunctória, a destreza técnica e a expressiva subtileza do seu canto varreu tudo antes disso. Mais conhecido pelos papéis de tenor romântico como Rodolfo (La bohème), Cavaradossi (Tosca), o Duque (Rigoletto), Manrico (Il trovatore), Fausto e Roméo (estes dois últimos das óperas de Gounod), Björling ocasionalmente interpretou ou gravou partes mais pesadas, e em concerto o seu repertório incluía também árias de opereta, canções escandinavas e Lieder alemão. Suas muitas gravações documentam uma notável consistência de qualidade vocal e alto padrão artístico.

David Breckbill

Em suas próprias palavras: “Eu tenho um papel preferido. É Otello. Que papel para um tenor! Que ópera! Que música! Mas sabes uma coisa? Nunca a vou cantar (no palco). Iria danificar a minha voz. Eu não gostaria que isso acontecesse.’

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4. Fritz Wunderlich (1930-1966)

O excelente tenor lírico alemão de sua geração, sua vida foi tragicamente encurtada quando sua carreira internacional estava começando, mas graças às suas muitas gravações, sua voz única permaneceu inesquecível.

Quando Fritz Wunderlich morreu numa queda em férias de caça, apenas nove dias antes do seu 36º aniversário, em Setembro de 1966, ele estava no auge da sua carreira como cantor de Mozart. O papel de Tamino, que ele havia gravado no ano anterior em Berlim sob a batuta de Karl Böhm, enquadrou sua breve carreira em grandes papéis. Foi em 1956, como jovem membro da Ópera de Stuttgart, que ele substituiu um colega indisposto, Josef Traxel, e deu a conhecer um Mozartiano sem igual, com um timbre fácil, límpido e viril, um sentimento inato de estilo e dicção imaculada em sua língua nativa.

Tamino foi o último papel que ele cantou no palco, dez anos depois, novamente com o conjunto de Stuttgart, no Festival de Edimburgo, apenas um mês antes de seu acidente fatal. Em uma carreira que durou pouco mais de uma década, ele deu performances exemplares dos papéis líricos do tenor Mozart: Belmonte em Die Entführung aus dem Serail, Ferrando em Così fan tutte e Don Ottavio em Don Giovanni.

Ele era um workaholic e seu repertório operático variava desde o barroco e as primeiras óperas clássicas de Monteverdi, Handel e Gluck, até clássicos do século XX, como Palestrina de Pfitzner e As Excursões do Sr. BrouΩek e obras contemporâneas (ele criou peças em óperas de Carl Orff e Werner Egk).

O seu concerto e repertório de Lieder não foram menos extensos e ele deixou gravações insuperáveis dos solos de tenor na Criação de Haydn e Missa Solemnis de Beethoven sob Karajan e, sobretudo, as canções de tenor na gravação de Klemperer das Lied von der Erde de Mahler, na qual o timbre juvenil e sapiente de Wunderlich é aliado à dicção eloquente e à liberdade no topo da voz.

No estúdio de gravação ele era um populista, gravando suas árias de opereta favoritas e canções como ‘Granada’, que o encantaram para aqueles que nunca puseram os pés numa casa de ópera.

Hugh Canning

Nas suas próprias palavras: “Para ganhar a vida, eu tocava música jazz ao lado. À noite eu tocava trompete, tocava acordeão, cantava canções populares; de manhã, depois de algumas horas de sono, estudei Monteverdi e Lully na faculdade.’

li> Uma entrevista com o maestro Long Yu

3. Luciano Pavarotti (1935-2007)

Se alguns fãs de ópera hardcore tinham dúvidas, o público em geral achava que Pavarotti merecia o manto de Gigli, Caruso, Tauber e Lanza como o maior e mais popular tenor.

A vida de Pavarotti poderia ter sido quase o enredo de um filme de Lanza. Seu pai, um padeiro, era um bom tenor e deu muito incentivo a Luciano, que estava dividido entre a música e o futebol. O menino cantou no coro local, que ganhou o primeiro prêmio em uma visita ao Festival de Llangollen. Ele estreou no palco como Rodolfo em La bohème em 1961 e depois, em 1963, voltou à Grã-Bretanha para substituir Giuseppe di Stefano no mesmo papel no Covent Garden.

Consequentemente, ele foi reservado para a noite de domingo no London Palladium, a jóia da agenda de fim de semana da ITV. Logo, a sua parceria com Joan Sutherland levou-o a aparecer em La fille du régiment, onde se estabeleceram as suas famosas instalações para cantar altos Cs. Com o passar dos anos, o seu volume crescente e as imperfeições em desenvolvimento na sua voz dificultaram as suas aparições na ópera, e em 1992 foi vaiado no La Scala quando, como Don Carlos, estalou uma nota.

Para muitos aficionados, faltava-lhe a profundidade de Domingo, mas o seu toque comum, os seus grandes concertos ao ar livre, incluindo a lendária ocasião de 1991 perante o Príncipe e a Princesa de Gales, quando persuadiu a maioria da multidão a enrolar os guarda-chuvas apesar da chuva, a sua hábil mistura de grandes árias de ópera com baladas napolitanas muito apreciadas e a sua actuação relativamente contida valeram-lhe o amor e a admiração de um grande número de espectadores.

Ele sempre deu grande importância ao legato, cuja abordagem deu às suas performances uma qualidade natural, mas talvez tenha sido o seu registo superior excepcionalmente doce e constante que realmente o marcou. No lado negativo estavam os seus compromissos frequentemente embaraçosos com o pop, uma tendência para perder o controlo do seu vibrato nos últimos anos, e a sua dificuldade crescente em sustentar longas actuações. No entanto, quando ele voa para aquelas frases finais de ‘Nessun Dorma’, tudo é perdoado…

Barry Witherden

Nas suas próprias palavras: “Penso que uma vida na música é uma vida lindamente passada, e foi a isto que dediquei a minha vida.’

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2. Enrico Caruso (1873-1921)

Uma das vozes definitivas do século XX, Enrico Caruso era aquela mais rara das criaturas: um verdadeiro grande artista com um seguimento popular em massa.

Caruso era uma super estrela cantora, com uma voz que nascia para fazer gravações que arrebatava os sentidos de um público adorador. A sua carreira entre os primeiros a ser construída sobre aquela aliança profana e completamente moderna de tremendo talento natural, destreza no estúdio de gravação e brilhante gestão e PR.

Opera foi, claro, o seu foco principal, mas ao longo das suas mais de 250 gravações, na sua maioria lançados como 78s pela Victor Talking Machine Co, ele abrangeu a maioria dos gêneros musicais de Verdi, Bizet e Puccini (seu contemporâneo) a canção e música pop napolitana, um de seus mais vendidos foi ‘Over There’, uma canção alegre para o exército dos EUA na Primeira Guerra Mundial.

Ele era inegavelmente um agradador de multidões e a sua postura lendária, encantando o seu público na América onde a sua carreira prosperou especialmente sob a orientação de Edward Bernays, um especialista em ‘psicologia de multidões’ e um dos pioneiros de
relações públicas modernas.

A voz de Caruso tinha as suas falhas: ele nunca se sentiu totalmente confortável no topo da sua gama. Um C de toque de campainha tendia a iludi-lo, e muitas vezes ele tinha que transpor. Mas as gravações preservam uma voz que tem um fluxo fácil e sem esforço, mesmo nos confins apertados de um estúdio primitivo, com um registo baixo a médio rico e poderoso e notas superiores altamente carregadas que parecem completamente sintonizadas com o novo estilo de verismo dramático que tinha surgido no final do século XIX.

Embora a sua vida fosse inexoravelmente atraída para os EUA, o encanto de Caruso e a sua bochecha permaneciam distintamente italianos. Ele escandalizou Nova York depois de ser preso por agressão indecente no Zoológico de Nova York, fora da casa dos macacos. Ele foi considerado culpado de beliscar o traseiro de uma senhora, mas alegou que um macaco o tinha feito.

Caruso é um dos primeiros grandes cantores cuja voz permanece viva para nós hoje através das suas gravações. A sua influência continua a ser sentida mesmo agora: ouve qualquer grande tenor lírico – Domingo, Pavarotti – e há certos maneirismos e reviravoltas de frase que te fazem pensar, ‘Ah sim, isso é directo da boca de Caruso!’

Ashutosh Khandekar

Nas suas próprias palavras: ‘Eu nunca subo ao palco sem me perguntar se vou conseguir terminar a ópera.’

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1. Plácido Domingo (b1941)

Domingo é aquele fenómeno vocal mais raro, um tenor que usou a sua voz ao serviço da recriação de grande arte, e não como um fim em si mesmo emocionante.

Plácido Domingo nasceu em Espanha, oficialmente em 1941, mas muitas pessoas afirmam que a data deve ser um ano ou mais cedo. Mesmo que a data que ele prefere esteja correta, ele tem preservado sua voz em uma carreira extraordinariamente enérgica por quase 50 anos, tendo feito sua estréia em 1959 no México, onde sua família se mudou quando ele tinha oito anos.

Ele ainda está cantando, incluindo papéis tão exigentes como Siegmund em Die Walküre de Wagner, assim como em óperas italianas cuidadosamente selecionadas. Ao longo desta enorme carreira ele sempre procurou novos papéis para desafiá-lo, e gravou mais de uma centena, interpretando uma proporção impressionante daqueles em palco.

Ele começou com as habituais óperas italianas, principalmente Verdi e Puccini, mas voltou no tempo, sendo o primeiro de seus papéis no Hippolyte et Aricie de Rameau. Ele também cantou algumas óperas contemporâneas, mas apenas as escritas em um idioma bastante tradicional.

O que é mais surpreendente é que, quase sozinho entre os tenores que fizeram seu nome na ópera italiana, desde os seus cerca de 50 anos ele tem estado igualmente envolvido com a ópera alemã, principalmente Wagner, alguns dos maiores papéis que ele não arriscou cantar no teatro, mas gravou em parte ou no todo.

Ele até cantou no Festival Bayreuth, o maior elogio. Também não negligenciou a ópera francesa, incluindo Berlioz e Massenet, nem a russa. E agora ele está se mudando para o repertório barítono, com o Oreste de Gluck já no Met.

Um workaholic confesso, ele também conduz ópera, e é responsável pela Ópera Nacional de Washington e pela Ópera de Los Angeles, trabalhos que envolvem uma quantidade imensa de arrecadação de fundos. Além disso, ele foi um dos Três Tenores, e gravou álbuns de Natal e discos de canções populares italianas e espanholas.

Com um repertório tão vasto, não é surpreendente que não associemos Domingo a papéis particulares, com a possível exceção do Otello de Verdi, do qual ele tem sido o principal intérprete desde que Jon Vickers, antítese de Domingo em muitos aspectos, se aposentou. Mas mesmo assim, quando se pensa nesse papel e no tipo de voz e presença que ele requer, o de Domingo não é necessariamente o primeiro nome que vem à mente.

É inevitável que ele tenha sido criticado por dar um relato padronizado de muitos papéis – mas então é difícil ver como você poderia ser individual em muitas das obras menos famosas de Verdi. O fato é que quando você escuta Domingo, você tem a garantia de uma enxurrada de som deslumbrante, musicalidade sensível, a segurança de uma voz tão bem cuidada que nada vai dar errado e, se você está vendo ele, um padrão decente de atuação. Calor, gosto, compromisso, compreensão: estas não são as primeiras coisas que nos vêm à mente quando pensamos num tenor, mas são quando pensamos em Domingo.

A cena operática desde meados dos anos 60 é inconcebível sem ele, e o gigantesco tesouro das gravações de ópera testemunhará às gerações futuras a sua grandeza. In an age when ‘celebrity’ has rightly become a word of contempt, Plácido Domingo’s fame is an example of how once a huge name was built on solid foundations.

Michael Tanner

In his own words: ‘My motto is “When I rest, I rust”.’

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This article was first published in April 2008.