1.3: Chi è considerato un artista? Cosa significa essere un artista?

In gran parte del mondo di oggi, un artista è considerato come una persona con il talento e le capacità di concettualizzare e fare opere creative. Queste persone sono individuate e apprezzate per le loro idee artistiche e originali. Le loro opere d’arte possono assumere molte forme e rientrare in numerose categorie, come l’architettura, la ceramica, l’arte digitale, i disegni, la tecnica mista, i dipinti, le fotografie, le stampe, la scultura e i tessuti. Di maggiore importanza, gli artisti sono gli individui che hanno il desiderio e la capacità di immaginare, progettare e fabbricare le immagini, gli oggetti e le strutture che tutti noi incontriamo, usiamo, occupiamo e godiamo ogni giorno della nostra vita.

Oggi, come è stato il caso nel corso della storia e attraverso le culture, ci sono diversi titoli per coloro che fanno e costruiscono. Un artigiano, per esempio, può produrre arti decorative o utilitaristiche, come le trapunte o i cesti. Spesso, un artigiano è un lavoratore esperto, ma non l’inventore dell’idea o della forma originale. Un artigiano può anche essere qualcuno che crea i propri disegni, ma non lavora in forme d’arte o con materiali tradizionalmente associati alle cosiddette Belle Arti, come la pittura e la scultura. Un artigiano potrebbe invece creare gioielli, forgiare il ferro o soffiare il vetro in modelli e oggetti di sua invenzione. Tali pezzi inventivi e abili sono spesso classificati oggi come Fine Craft o Craft Art.

In molte culture per gran parte della storia, coloro che producevano, abbellivano, dipingevano e costruivano non erano considerati artisti come li consideriamo oggi. Erano artigiani, e il loro ruolo era quello di realizzare gli oggetti e costruire le strutture per le quali venivano assunti, secondo il progetto (proprio o di un altro) concordato con coloro per i quali lavoravano. Questo non vuol dire che non fossero addestrati. Nell’Europa medievale, o Medioevo (V-XV secolo), per esempio, un artigiano iniziava generalmente verso i dodici anni come apprendista, cioè uno studente che imparava tutti gli aspetti di una professione da un maestro che aveva la sua bottega. L’apprendistato durava dai cinque ai nove anni o più, e comprendeva l’apprendimento di mestieri che andavano dalla pittura alla panificazione, dalla muratura alla fabbricazione di candele. Alla fine di quel periodo, un apprendista diventava un operaio e poteva diventare un membro della gilda artigianale che supervisionava la formazione e gli standard per coloro che lavoravano in quel mestiere. Per raggiungere lo status completo nella gilda, un artigiano doveva completare il suo “capolavoro”, dimostrando sufficiente abilità e maestria per essere nominato maestro.

Abbiamo poche informazioni su come gli artisti si sono formati in numerosi altri periodi di tempo e culture, ma possiamo ottenere una certa comprensione di ciò che significava essere un artista guardando gli esempi di opere d’arte che sono state prodotte. La statua seduta di Gudea raffigura il sovrano dello stato di Lagash nella Mesopotamia meridionale, oggi Iraq, durante il suo regno, circa 2144-2124 a.C. (Figura 1.10).

Figura 1.10 Gudea, Autore: Met Museum, (OASC).

Gudea è noto per aver costruito templi, molti nella città principale del regno, Girsu (oggi Telloh, Iraq), con statue che ritraggono se stesso in essi. In queste opere, egli è seduto o in piedi con gli occhi larghi e fissi, ma altrimenti un’espressione calma sul suo viso e le mani piegate in un gesto di preghiera e di saluto. Molte delle statue, compresa quella qui raffigurata, sono scolpite in diorite, una pietra molto dura favorita dai governanti dell’antico Egitto e del Vicino Oriente per la sua rarità e le linee sottili che possono essere tagliate in essa. La capacità di tagliare linee così precise ha permesso all’artigiano che ha scolpito quest’opera di distinguere ed enfatizzare ogni dito nelle mani giunte di Gudea, così come i motivi circolari sul suo cappello da pastore stilizzato, entrambi i quali indicano la dedizione del leader al benessere e alla sicurezza del suo popolo.

Anche se la scultura di Gudea è stata chiaramente scolpita da un abile artigiano, non abbiamo documentazione di quella persona, o della grande maggioranza degli artigiani e costruttori che lavoravano nel mondo antico. Per chi lavoravano e cosa creavano sono le registrazioni delle loro vite e della loro abilità artistica. Gli artigiani non erano apprezzati per aver adottato un approccio originale e per essersi distinti quando creavano la statua di un sovrano come Gudea: il loro successo era basato sulla loro capacità di lavorare all’interno degli standard di come la forma umana veniva raffigurata e in particolare di come un leader doveva apparire all’interno di quella cultura in quel momento. I grandi occhi a mandorla e la forma compatta a blocco della figura, per esempio, sono tipici della scultura di quel periodo. Questa scultura non è intesa come una somiglianza individuale di Gudea; piuttosto, è una rappresentazione dei tratti caratteristici, della posa e delle proporzioni che si trovano in tutta l’arte di quel tempo e di quel luogo.

Gli oggetti fatti di argilla erano molto più comuni nel mondo antico di quelli fatti di metallo o di pietra, come la statua seduta di Gudea, che erano molto più costosi, richiedevano tempo ed erano difficili da fare. Figure umane modellate in argilla che risalgono fino al 29.000-25.000 a.C. sono state trovate in Europa, e la più antica ceramica conosciuta, trovata nella provincia di Jiangxi, in Cina, risale a circa 18.000 a.C. I recipienti fatti di argilla e cotti in forni furono realizzati per la prima volta nel Vicino Oriente intorno all’8.000 a.C., quasi 6.000 anni prima che la statua seduta di Gudea fosse scolpita. I vasi di ceramica (argilla indurita dal calore) erano usati per la conservazione e per numerose necessità quotidiane. Erano oggetti utilitaristici fatti da artigiani anonimi.

Tra gli antichi greci, tuttavia, la ceramica raggiunse il livello di una forma d’arte. Ma lo status degli individui che creavano e dipingevano i vasi non lo era. Anche se il loro lavoro poteva essere ricercato, questi vasai e pittori erano ancora considerati artigiani. Le origini della ceramica che può essere descritta come distintamente greca risalgono a circa 1.000 a.C., in quello che è conosciuto come il periodo proto-geometrico. Nel corso delle successive centinaia di anni, le forme dei vasi e i tipi di motivi decorativi e soggetti dipinti su di essi sono stati associati alla città in cui sono stati prodotti, e poi specificamente agli individui che hanno fatto e decorato i vasi. I tipi di vasi firmati dal vasaio e dal pittore erano generalmente vasi di grandi dimensioni, decorati in modo elaborato o altrimenti specializzati che venivano usati per scopi rituali o cerimoniali.

Questo è il caso dell’Anfora del Premio Panatenaico, 363-362 a.C., firmata da Nikodemos, il vasaio, e attribuita al Pittore della Processione Nuziale, il cui nome non è noto ma è identificato attraverso somiglianze con altri vasi dipinti (Figura 1.11). La Panathenaia era una festa che si teneva ogni quattro anni in onore di Atena, la dea protettrice di Atene, Grecia, che è raffigurata sull’anfora, un vaso alto, a due manici con un collo stretto. Sull’altro lato dell’anfora, Nike, la dea della vittoria, incorona il vincitore della gara di pugilato per la quale questo vaso, contenente il prezioso olio d’oliva degli alberi sacri di Atena, è stato assegnato dalla città di Atene. Solo i migliori ceramisti e pittori sono stati assunti per fare vasi che facevano parte di una cerimonia così importante e con un premio così significativo. Mentre la stragrande maggioranza degli artigiani non si identificava mai sul proprio lavoro, questi individui degni di nota venivano messi da parte e riconosciuti per nome. Le firme dei creatori dimostravano il desiderio della città di dare un premio di altissima qualità; fungevano da promozione per il vasaio e il pittore di allora, e li hanno immortalati da allora. Non bisogna dimenticare, tuttavia, che il premio all’interno del vaso era considerato molto più importante del vaso o degli abili artigiani che lo avevano creato.

Figura 1.11 Anfora del Premio Panatenaico con coperchio, Artista: Nikodemos, Autore: The J. Paul Getty Museum, (open content)

La Cina fu unita e governata dai mongoli del nord, prima sotto Kublai Kahn, nel periodo noto come dinastia Yuan (1271-1368). Il dipinto su pergamena a mano “Fiori di pera” è stato creato con inchiostro e colori su carta intorno al 1280 da Qian Xuan (c. 1235-prima del 1307, Cina). (Figura 1.12) Dopo l’istituzione del governo mongolo, Qian Xuan abbandonò il suo obiettivo di ottenere una posizione di studioso ufficiale, come erano conosciuti i burocrati altamente istruiti che governavano la Cina, e si dedicò alla pittura. Faceva parte di un gruppo di artisti conosciuti come studiosi-pittori, o letterati. Il lavoro degli studiosi-pittori era desiderabile per molti ammiratori d’arte perché era considerato più personale, espressivo e spontaneo rispetto ai dipinti uniformi e realistici di artisti professionisti e preparati. La sofisticata e profonda conoscenza della filosofia, della cultura e delle arti, compresa la calligrafia, rendeva i pittori eruditi benvenuti tra i colleghi studiosi e a corte. Facevano parte della classe elitaria dei leader, che seguiva le lunghe e nobili tradizioni degli insegnamenti confuciani di esprimersi con saggezza e grazia, specialmente nell’arte della poesia.

Figura 1.12 Fiori di pera, Artista: Qian Xuan, Autore: Met Museum, (OASC)

La Cina fu unita e governata dai mongoli del nord, prima sotto Kublai Kahn, nel periodo noto come dinastia Yuan (1271-1368). Il dipinto su pergamena a mano “Fiori di pera” è stato creato con inchiostro e colori su carta intorno al 1280 da Qian Xuan (c. 1235-prima del 1307, Cina). (Figura 1.12) Dopo l’istituzione del governo mongolo, Qian Xuan abbandonò il suo obiettivo di ottenere una posizione di studioso-ufficiale, come erano conosciuti i burocrati altamente istruiti che governavano la Cina, e si dedicò alla pittura. Faceva parte di un gruppo di artisti conosciuti come studiosi-pittori, o letterati. Il lavoro degli studiosi-pittori era desiderabile per molti ammiratori d’arte perché era considerato più personale, espressivo e spontaneo rispetto ai dipinti uniformi e realistici di artisti professionisti e preparati. La sofisticata e profonda conoscenza della filosofia, della cultura e delle arti, compresa la calligrafia, rendeva i pittori eruditi benvenuti tra i colleghi studiosi e a corte. Facevano parte della classe elitaria dei leader, che seguivano la lunga e nobile tradizione degli insegnamenti confuciani di esprimersi con saggezza e grazia, specialmente nell’arte della poesia.

Qian Xuan fu uno dei primi pittori-studiosi a unire pittura e poesia, come fa in Fiori di pera:

Tutta sola alla ringhiera della veranda,

le gocce di pioggia inzuppano i rami,

anche se il suo viso è disadorno,

il suo antico fascino rimane;

dietro il cancello chiuso, in una notte di pioggia,

come è piena di tristezza.

Come appariva diversamente immersa nelle onde dorate

di luce lunare, prima che cadesse l’oscurità.

La poesia non intende illustrare o descrivere il suo dipinto del ramo con il suo delicato, giovane fogliame e i suoi fiori; piuttosto, le linee ondeggianti e irregolari delle foglie e le curve che si dispiegano dolcemente dei fiori intendono suggerire paragoni con la rapidità con cui il tempo passa – le delicate fioriture presto svaniranno – ed evocare ricordi dei tempi passati.

Nella Cina del tredicesimo secolo, come è stato il caso per gran parte della storia di quel paese, il significato di un dipinto è strettamente associato all’identità dell’artista e agli studiosi e collezionisti che hanno posseduto l’opera nei secoli successivi. Le loro identità sono note dai sigilli, o timbri in rosso che fungono da firma, aggiunti all’opera d’arte. Soggetti specifici e il modo in cui erano rappresentati erano associati all’artista, e spesso richiamati in opere successive di altri artisti come segno di rispetto e riconoscimento dell’abilità e della competenza del maestro precedente. In Pear Blossoms, come spesso accadeva, la poesia, e la calligrafia con cui l’artista la scriveva, facevano parte della composizione originale dell’intero rotolo dipinto. I sigilli aggiunti e le note scritte da studiosi e collezionisti successivi hanno continuato ad arricchire la composizione, la sua bellezza e il suo significato, nei successivi settecento anni.

Quando James Abbott McNeill Whistler (1834-1903, USA, vissuto in Inghilterra) dipinse Arrangement in Flesh Colour and Black, Portrait of Theodore Duret nel 1883, faceva riferimento ai marchi di fabbrica che i vasai cinesi e giapponesi usavano come firma sulle loro ceramiche nel monogramma che adottò per il suo lavoro: un disegno stilizzato di una farfalla basato sulle sue iniziali. (Figura 1.13) Whistler iniziò a firmare il suo lavoro con la riconoscibile ma alterata figura di una farfalla, che spesso sembrava danzare, negli anni 1860. Aveva iniziato a collezionare porcellane e stampe giapponesi, ed era tremendamente influenzato dai loro colori, motivi e composizioni, che riflettevano i principi giapponesi di bellezza nell’arte, tra cui l’elegante semplicità, la tranquillità, la sottigliezza, la naturalezza, la bellezza sobria e l’asimmetria o irregolarità.

Figura 1.13 Disposizione in color carne e nero: Ritratto di Theodore Duret, artista: James Abbott McNeill Whistler, Autore: Met Museum, (OASC)

Whistler fu tra i numerosi artisti americani ed europei della seconda metà del diciannovesimo secolo che si sentirono obbligati a liberarsi da quelli che credevano essere i vincoli inibitori di come e cosa veniva insegnato agli studenti d’arte e nel sistema delle mostre d’arte tradizionali. Per Whistler e altri, tali restrizioni erano intollerabili; come artisti, dovevano essere autorizzati a seguire liberamente le loro voci creative e le loro ricerche. Adottando i principi giapponesi della bellezza nell’arte, Whistler poteva perseguire quello che lui chiamava “Arte per amore dell’arte”. Cioè, poteva creare arte che non aveva altro scopo che esprimere ciò che lui, come artista, trovava essere elevato, armonioso e piacevole per l’occhio, la mente e l’anima:

L’arte dovrebbe essere indipendente da tutte le sciocchezze, dovrebbe stare da sola e fare appello al senso artistico dell’occhio o dell’orecchio, senza confondere questo con emozioni completamente estranee ad esso, come devozione, pietà, amore, patriottismo e simili. Tutti questi non hanno nulla a che fare con essa; ed è per questo che insisto a chiamare le mie opere “arrangiamenti” e “armonie”. “4

Porre l’artista in questo modo, come qualcuno con speciali qualifiche e sensibilità in contrasto con gli standard culturali e intellettuali prevalenti, era ben lontano dal ruolo svolto da uno studioso-pittore come Qian Xuan nella Cina del XIII secolo. Il lavoro creato da Qian Xuan era in accordo con gli standard prevalenti, mentre Whistler spesso pensava a se stesso e alla sua arte come in conflitto con le convenzioni del suo tempo. Continuando una nozione o categorizzazione dell’artista che era stata presente in Europa fin dal XVI secolo (e, più tardi, negli Stati Uniti), Whistler era il genio creativo singolare, la cui arte era spesso incompresa e non necessariamente accettata.

Questo era effettivamente il caso. Nel 1878, Whistler vinse una causa per diffamazione contro il critico d’arte John Ruskin, che aveva descritto il dipinto di Whistler del 1875, Notturno in nero e oro: The Falling Rocket (Il razzo che cade), come “una pentola di vernice gettata in faccia al pubblico”. (Figura 1.14) Intorno al 1880, all’indomani di quel procedimento rancoroso, Whistler aggiunse spesso un lungo pungiglione al suo monogramma a farfalla, a simboleggiare sia la gentile bellezza della sua arte che la natura forte, a volte pungente, della sua personalità.

4 James Abbott McNeill Whistler, The Gentle Art of Making Enemies (New York: Frederick Stokes & Brother, 1908), www. gutenberg.org/files/24650/24650-h/24650-h.html