1.3: Quem é Considerado Artista? O que significa ser um Artista?

Em grande parte do mundo atual, um artista é considerado uma pessoa com o talento e as habilidades para conceituar e fazer trabalhos criativos. Tais pessoas são escolhidas e premiadas por suas idéias artísticas e originais. Suas obras de arte podem tomar muitas formas e se encaixar em numerosas categorias, tais como arquitetura, cerâmica, arte digital, desenhos, mídia mista, pinturas, fotografias, gravuras, esculturas e tecidos. De maior importância, os artistas são os indivíduos que têm o desejo e a capacidade de visualizar, desenhar e fabricar as imagens, objetos e estruturas que todos nós encontramos, usamos, ocupamos e desfrutamos todos os dias de nossas vidas.

Hoje, como tem sido o caso ao longo da história e através das culturas, há diferentes títulos para aqueles que fazem e constroem. Um artesão ou artesão, por exemplo, pode produzir artes decorativas ou utilitárias, tais como colchas ou cestos. Muitas vezes, um artesão ou artesão é um trabalhador qualificado, mas não é o inventor da ideia ou forma original. Um artesão ou artesão também pode ser alguém que cria os seus próprios desenhos, mas não trabalha em formas de arte ou com materiais tradicionalmente associados às chamadas Artes Plásticas, como pintura e escultura. Um artesão pode, em vez disso, moldar jóias, forjar ferro ou soprar vidro em padrões e objetos de sua própria concepção. Tais peças inventivas e habilidosas são muitas vezes categorizadas hoje como Fine Craft ou Craft Art.

Em muitas culturas ao longo de grande parte da história, aqueles que produziram, embelezaram, pintaram e construíram não eram considerados artistas como nós pensamos deles agora. Eles eram artesãos e artesãos, e seu papel era fazer os objetos e construir as estruturas para as quais eram contratados, de acordo com o projeto (seu próprio ou de outro) acordado com aqueles para quem eles estavam trabalhando. Isto não quer dizer que eles não tivessem formação. Na Europa Medieval, ou na Idade Média (séculos XV-XVIII), por exemplo, um artesão geralmente começou por volta dos doze anos de idade como aprendiz, ou seja, um estudante que aprendeu todos os aspectos de uma profissão com um mestre que tinha a sua própria oficina. A aprendizagem durou cinco a nove anos ou mais, e incluiu o aprendizado de ofícios que vão da pintura à panificação, e da alvenaria à fabricação de velas. No final desse período, um aprendiz tornou-se um aprendiz e foi autorizado a tornar-se um membro da guilda artesanal que supervisionava a formação e os padrões para aqueles que trabalhavam nesse ofício. Para alcançar o status pleno na guilda, um artífice de artesanato tinha que completar sua “obra-prima”, demonstrando habilidade e habilidade suficientes para ser nomeado mestre.

Temos poucas informações sobre como os artistas se treinaram em inúmeros outros períodos e culturas, mas podemos ganhar alguma compreensão do que significava ser um artista, observando exemplos de trabalhos de arte que foram produzidos. Estátua Assentada de Gudea retrata o governante do estado de Lagash no sul da Mesopotâmia, hoje Iraque, durante seu reinado, c. 2144-2124 a.C. (Figura 1.10).

Figure 1.10 Gudea, Autor: Met Museum, (OASC).

Gudea é conhecida por construir templos, muitos na principal cidade do reino de Girsu (hoje Telloh, Iraque), com estátuas se retratando neles. Nestas obras, ele está sentado ou de pé, com os olhos arregalados, mas de resto uma expressão calma no seu rosto e as suas mãos dobradas num gesto de oração e saudação. Muitas das estátuas, incluindo aquela aqui retratada, são esculpidas em diorito, uma pedra muito dura favorecida pelos governantes do antigo Egito e do Oriente Próximo por sua raridade e pelas linhas finas que podem ser cortadas nela. A capacidade de cortar linhas tão precisas permitiu ao artesão que esculpiu esta obra distinguir e enfatizar cada dedo nas mãos apertadas de Gudea, assim como os padrões circulares no seu chapéu de pastor estilizado, ambos indicando a dedicação do líder ao bem-estar e segurança do seu povo.

Embora a escultura de Gudea tenha sido claramente esculpida por um artesão habilidoso, não temos nenhum registro dessa pessoa, ou da grande maioria dos artesãos e construtores que trabalharam no mundo antigo. Para quem eles trabalharam e o que eles criaram são os registros de suas vidas e de sua arte. Os artesãos não eram valorizados por terem uma abordagem original e por se destacarem ao criar uma estátua de um governante como Gudea: o seu sucesso foi baseado na sua capacidade de trabalhar dentro dos padrões de como a forma humana era representada e especificamente como um líder deve ser visto dentro daquela cultura naquela época. Os olhos grandes, em forma de amêndoa e a forma compacta e em bloco da figura, por exemplo, são típicos da escultura daquela época. Esta escultura não pretende ser uma semelhança individual de Gudea; é antes uma representação das características, pose e proporções encontradas em toda a arte daquele tempo e lugar.

Objetos feitos de barro eram muito mais comuns no mundo antigo do que aqueles feitos de metal ou pedra, como a Estátua Sentada de Gudea, que eram muito mais caros, demorados e difíceis de fazer. Figuras humanas modeladas em argila datando de 29.000-25.000 a.C. foram encontradas na Europa, e a cerâmica mais antiga conhecida, encontrada na província de Jiangxi, China, data de c. 18.000 a.C. Navios feitos de barro e cozidos em fornos foram feitos pela primeira vez no Oriente Próximo c. 8.000 a.C., quase 6.000 anos antes da estátua sentada de Gudea ser esculpida. Vasos de cerâmica (argila endurecida pelo calor) foram usados para armazenamento e inúmeras necessidades diárias. Eram objectos utilitários feitos por artesãos anónimos.

entre os antigos gregos, no entanto, a cerâmica subiu ao nível de uma forma de arte. Mas, o estatuto dos indivíduos que criaram e pintaram as panelas não o fez. Embora o seu trabalho pudesse ter sido procurado, estes oleiros e pintores ainda eram considerados artesãos. As origens da cerâmica que podem ser descritas como datas distintamente gregas a c. 1.000 a.C., no que é conhecido como o período Proto-geométrico. Nos cem anos seguintes, as formas dos vasos e os tipos de motivos decorativos e temas neles pintados associaram-se à cidade onde foram produzidos, e depois especificamente aos indivíduos que faziam e decoravam as panelas. Os tipos de vasos assinados pelo oleiro e pelo pintor eram geralmente vasos grandes, elaborados, decorados ou especializados, que eram utilizados para fins rituais ou cerimoniais.

É o caso do Prémio Panathenaic Amphora, 363-362 a.C., assinado por Nikodemos, o oleiro, e atribuído ao Pintor da Procissão de Casamento, cujo nome não é conhecido mas é identificado através de semelhanças com outros vasos pintados (Figura 1.11). O Panathenaia era um festival realizado a cada quatro anos em honra de Atena, a deusa padroeira de Atenas, Grécia, que é representada na ânfora, um frasco alto de duas mãos com um pescoço estreito. Do outro lado do frasco de armazenamento, Nike, a deusa da vitória, coroa o vencedor do concurso de boxe para o qual este pote – contendo azeite precioso das árvores sagradas de Atena – foi premiado pela cidade de Atenas. Apenas os melhores ceramistas e pintores foram contratados para fazer vasos que faziam parte de uma cerimónia tão importante e que receberam um prémio tão significativo. Embora a grande maioria dos artesãos nunca se tenha identificado no seu trabalho, estes indivíduos notáveis foram distinguidos e reconhecidos pelo nome. As assinaturas dos fabricantes demonstraram o desejo da cidade de dar um prêmio da mais alta qualidade; eles atuaram como promoção para o oleiro e pintor naquela época, e os imortalizaram desde então. Não se deve esquecer, no entanto, que o prémio dentro do vaso foi considerado muito mais importante do que o vaso ou os artesãos habilidosos que o criaram.

Figure 1.11 Prémio Panathenaic Amphora com Tampa, Artista: Nikodemos, Autor: O Museu J. Paul Getty, (conteúdo aberto)

China foi unido e governado pelos mongóis do norte, primeiro sob Kublai Kahn, no período conhecido como Dinastia Yuan (1271-1368). O pergaminho pintando à mão Pear Blossoms foi criado com tinta e cores em papel por volta de 1280 por Qian Xuan (c. 1235- antes de 1307, China). (Figura 1.12) Após o estabelecimento do governo mongol, Qian Xuan abandonou seu objetivo de obter uma posição como funcionário acadêmico, já que os burocratas altamente educados que governavam a China eram conhecidos, e voltou-se para a pintura. Ele fazia parte de um grupo de artistas conhecidos como estudiosos-pintores, ou literati. O trabalho dos estudiosos-pintores era desejável para muitos admiradores da arte porque era considerado mais pessoal, expressivo e espontâneo do que as pinturas uniformes e realistas de artistas profissionais e treinados. O sofisticado e profundo conhecimento da filosofia, cultura e artes, incluindo a caligrafia, fez com que os estudiosos fossem bem-vindos entre os colegas estudiosos e na corte. Eles fizeram parte da classe de elite dos líderes, que seguiram as longas e nobres tradições dentro dos ensinamentos de Confúcio de se expressar com sabedoria e graça, especialmente na arte da poesia.

Figure 1.12 Pear Blossoms, Artist: Qian Xuan, Autor: Met Museum, (OASC)

China foi unida e governada pelos mongóis do norte, primeiro sob Kublai Kahn, no período conhecido como Dinastia Yuan (1271-1368). O pergaminho pintando à mão Pear Blossoms foi criado com tinta e cores em papel por volta de 1280 por Qian Xuan (c. 1235- antes de 1307, China). (Figura 1.12) Após o estabelecimento do governo mongol, Qian Xuan abandonou seu objetivo de obter uma posição como funcionário acadêmico, já que os burocratas altamente educados que governavam a China eram conhecidos, e voltou-se para a pintura. Ele fazia parte de um grupo de artistas conhecidos como estudiosos-pintores, ou literati. O trabalho dos estudiosos-pintores era desejável para muitos admiradores da arte porque era considerado mais pessoal, expressivo e espontâneo do que as pinturas uniformes e realistas de artistas profissionais e treinados. O sofisticado e profundo conhecimento da filosofia, cultura e artes, incluindo a caligrafia, fez com que os estudiosos fossem bem-vindos entre os colegas estudiosos e na corte. Fizeram parte da classe de líderes de elite, que seguiram as longas e nobres tradições dentro dos ensinamentos de Confúcio de se expressar com sabedoria e graça, especialmente na arte da poesia.

Qian Xuan foi um dos primeiros estudiosos-painistas a unir pintura e poesia, como faz em Flor de Pêra:

Sozinho junto ao corrimão da varanda,

gotas de pano encharcando os ramos,

p>p>Embora o seu rosto não esteja adornado,

os seus velhos encantos permanecem;

p>Atrás do portão trancado, numa noite chuvosa,p>como ela está cheia de tristeza.

como ela parecia diferente banhada em ondas douradas

da luz da lua, antes da escuridão cair.

O poema não pretende ilustrar ou descrever a sua pintura do ramo com a sua delicada e jovem folhagem e flores; antes, as linhas oscilantes e irregulares das folhas e as curvas suavemente desabrochantes das flores destinam-se a sugerir comparações com a rapidez com que o tempo passa – as floreselicadas irão em breve desvanecer-se – e evocar memórias de tempos passados.

Na China do século XIII, como tem sido o caso ao longo de grande parte da história daquele país, o significado de uma pintura está intimamente associado com a identidade do artista, e com os estudiosos e colecionadores que foram donos da obra ao longo dos séculos seguintes. Suas identidades são conhecidas pelos selos, ou carimbos em vermelho agindo como uma assinatura, cada um adicionado à obra de arte. Temas específicos e como foram representados foram associados ao artista, e frequentemente referidos em trabalhos posteriores por outros artistas como um sinal de respeito e reconhecimento da habilidade e perícia do mestre anterior. Em Pear Blossoms, como era frequentemente o caso, o poema, e a caligrafia em que o artista o escreveu, faziam parte da composição original de todo o pergaminho pintado. Os selos apensos e as notas escritas por estudiosos e colecionadores posteriores continuaram a acrescentar à composição, sua beleza e significado, ao longo dos setecentos anos seguintes.

Quando James Abbott McNeill Whistler (1834-1903, EUA, viveu na Inglaterra) pintou Arranjo em Cor de Carne e Preto, Retrato de Theodore Duret em 1883, ele estava fazendo referências às marcas dos fabricantes chineses e japoneses usadas como assinaturas em suas cerâmicas no monograma que adotou para sua obra: um desenho estilizado de uma borboleta baseado em suas iniciais. (Figura 1.13) Whistler começou a assinar a sua obra com a figura reconhecível mas alterada de uma borboleta, que muitas vezes parecia estar a dançar, na década de 1860. Ele começou a colecionar porcelanas e estampas japonesas, e foi tremendamente influenciado por suas cores, padrões e composições, que refletiam os princípios japoneses de beleza na arte, incluindo simplicidade elegante, tranqüilidade, sutileza, naturalidade, beleza subtil, e assimetria ou irregularidade.

Figure 1.13 Arranjo em Cor de Carne e Preto: Retrato de Theodore Duret, Artista: James Abbott McNeill Whistler, Autor: Met Museum, (OASC)

Whistler estava entre numerosos artistas americanos e europeus na segunda metade do século XIX que se sentiram compelidos a romper com o que acreditavam ser as restrições inibidoras em como e o que os estudantes de arte eram ensinados e no sistema de exposições de arte tradicional. Para Whistler e outros, tais restrições eram intoleráveis; como artistas, eles devem ser autorizados a seguir livremente suas próprias vozes e perseguições criativas. Ao adotar os princípios japoneses da beleza na arte, Whistler poderia perseguir o que ele chamou de “Arte pela arte”. Ou seja, ele poderia criar arte que não tivesse outro propósito senão o de expressar o que ele, como artista, achava elevadora, harmoniosa e agradável aos olhos, à mente e à alma:

Art deveria ser independente de toda a claptrap – deveria ficar sozinho, e apelar ao sentido artístico do olho ou do ouvido, sem confundir isso com emoções totalmente estranhas a ele, como devoção, piedade, amor, patriotismo e afins. Todos estes não têm qualquer tipo de preocupação com ela; e é por isso que insisto em chamar minhas obras de “arranjos” e “harmonias “4

Dividir o artista desta forma, como alguém com qualificações e sensibilidades especiais em desacordo com os padrões culturais e intelectuais predominantes, estava longe do papel desempenhado por um estudioso-pintor como Qian Xuan na China do século XIII. A obra criada por Qian Xuan estava de acordo com os padrões predominantes, enquanto Whistler muitas vezes pensava em si mesmo e em sua arte como conflitantes com as convenções de sua época. Continuando uma noção ou categorização do artista que estava presente na Europa desde o século XVI (e, mais tarde, nos Estados Unidos), Whistler era o gênio singular e criativo, cuja arte era muitas vezes mal compreendida e não necessariamente aceita.

É esse, de fato, o caso. Em 1878, Whistler ganhou um processo por calúnia contra o crítico de arte John Ruskin, que descreveu a pintura de Whistler de 1875, Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, como “atirando um pote de tinta na cara do público”. (Figura 1.14) Por volta de 1880, no rescaldo desse procedimento rancoroso, Whistler muitas vezes adicionava um longo ferrão ao seu monograma borboleta, simbolizando tanto a beleza suave de sua arte quanto a força, às vezes picante, da natureza de sua personalidade.

4 James Abbott McNeill Whistler, The Gentle Art of Making Enemies (New York: Frederick Stokes & Brother, 1908), www. gutenberg.org/files/24650/24650-h/24650-h.html