1.3: Cine este considerat un artist? Ce înseamnă să fii artist?

În mare parte din lumea de astăzi, un artist este considerat a fi o persoană cu talentul și abilitățile de a conceptualiza și de a realiza lucrări creative. Astfel de persoane sunt evidențiate și apreciate pentru ideile lor artistice și originale. Operele lor de artă pot lua multe forme și se pot încadra în numeroase categorii, cum ar fi arhitectura, ceramica, arta digitală, desenele, mediile mixte, picturile, fotografiile, gravurile, sculptura și textilele. De o importanță și mai mare, artiștii sunt persoanele care au dorința și capacitatea de a imagina, proiecta și fabrica imaginile, obiectele și structurile pe care noi toți le întâlnim, le folosim, le ocupăm și ne bucurăm în fiecare zi din viața noastră.

Astăzi, așa cum a fost cazul de-a lungul istoriei și în toate culturile, există diferite titluri pentru cei care fac și construiesc. Un artizan sau un meșteșugar, de exemplu, poate produce arte decorative sau utilitare, cum ar fi cuverturi sau coșuri. Adesea, un artizan sau un meșteșugar este un lucrător calificat, dar nu și inventatorul ideii sau formei originale. Un artizan sau un meșteșugar poate fi, de asemenea, o persoană care își creează propriile modele, dar nu lucrează în forme de artă sau cu materiale asociate în mod tradițional cu așa-numitele arte frumoase, cum ar fi pictura și sculptura. Un meșteșugar poate, în schimb, să confecționeze bijuterii, să forjeze fierul sau să sufle sticla în modele și obiecte create de el însuși. Astfel de piese inventive și pricepute sunt adesea catalogate astăzi drept Fine Craft sau Craft Art.

În multe culturi de-a lungul unei mari părți a istoriei, cei care produceau, înfrumusețau, pictau și construiau nu erau considerați artiști așa cum îi considerăm noi acum. Ei erau artizani și meșteșugari, iar rolul lor era de a realiza obiectele și de a construi structurile pentru care erau angajați, în conformitate cu proiectul (al lor sau al altuia) convenit cu cei pentru care lucrau. Asta nu înseamnă că nu erau nepregătiți. În Europa medievală sau în Evul Mediu (secolele V-XV), de exemplu, un meșteșugar începea în general în jurul vârstei de 12 ani ca ucenic, adică un elev care învăța toate aspectele unei profesii de la un maestru care avea propriul atelier. Ucenicia dura între cinci și nouă ani sau mai mult și includea învățarea unor meserii care variau de la pictură la cofetărie și de la zidărie la fabricarea lumânărilor. La sfârșitul acestei perioade, un ucenic devenea un meseriaș și i se permitea să devină membru al breslei meșteșugărești care supraveghea formarea și standardele pentru cei care lucrau în meseria respectivă. Pentru a obține statutul deplin în cadrul breslei, un meseriaș trebuia să își finalizeze „capodopera”, demonstrând suficientă îndemânare și măiestrie pentru a fi numit maestru.

Dispunem de puține informații despre modul în care s-au format artiștii în numeroase alte perioade de timp și culturi, dar putem obține o oarecare înțelegere a ceea ce însemna să fii artist prin examinarea exemplelor de opere de artă care au fost produse. Statuia șezândă a lui Gudea îl înfățișează pe conducătorul statului Lagash din sudul Mesopotamiei, astăzi Irak, în timpul domniei sale, c. 2144-2124 î.Hr. (Figura 1.10).

Figura 1.10 Gudea, autor: Gudea, autor: Met Museum, (OASC).

Gudea este cunoscut pentru că a construit temple, multe în principalul oraș al regatului, Girsu (astăzi Telloh, Irak), cu statui care îl înfățișează pe el însuși în ele. În aceste lucrări, el este așezat sau în picioare, cu ochii mari, holbați, dar în rest cu o expresie calmă pe față și cu mâinile încrucișate într-un gest de rugăciune și salut. Multe dintre statui, inclusiv cea ilustrată aici, sunt sculptate în diorit, o piatră foarte dură, preferată de conducătorii din Egiptul antic și din Orientul Apropiat pentru raritatea sa și pentru liniile fine care pot fi tăiate în ea. Capacitatea de a tăia linii atât de precise i-a permis meșterului care a sculptat această lucrare să distingă și să sublinieze fiecare deget din mâinile împreunate ale lui Gudea, precum și modelele circulare de pe pălăria sa stilizată de cioban, ambele indicând dedicarea conducătorului pentru bunăstarea și siguranța poporului său.

Deși sculptura lui Gudea a fost în mod clar sculptată de un meșter priceput, nu avem nicio înregistrare a acestei persoane sau a marii majorități a meșterilor și constructorilor care au lucrat în lumea antică. Pentru cine au lucrat și ce au creat sunt înregistrările vieții și ale măiestriei lor artistice. Meșteșugarii nu erau apreciați pentru că adoptau o abordare originală și se diferențiau atunci când creau o statuie a unui conducător precum Gudea: succesul lor se baza pe capacitatea lor de a lucra în conformitate cu standardele de reprezentare a formei umane și, în special, a modului în care trebuia să arate un conducător în cadrul acelei culturi la acea vreme. Ochii mari, migdalați și forma compactă, asemănătoare unui bloc, de exemplu, sunt tipice sculpturii din acea perioadă. Această sculptură nu se dorește a fi o asemănare individuală a lui Gudea; mai degrabă, este o reprezentare a trăsăturilor caracteristice, a poziției și a proporțiilor întâlnite în toată arta din acea perioadă și din acel loc.

Obiectele realizate din lut erau mult mai comune în lumea antică decât cele realizate din metal sau piatră, cum ar fi Statuia așezată a lui Gudea, care erau mult mai costisitoare, consumatoare de timp și dificil de realizat. În Europa au fost descoperite figuri umane modelate în lut care datează de la 29.000-25.000 î.Hr. încoace, iar cea mai veche ceramică cunoscută, descoperită în provincia Jiangxi, China, datează din jurul anului 18.000 î.Hr. Vasele făcute din lut și coapte în cuptoare au fost realizate pentru prima dată în Orientul Apropiat în jurul anului 8.000 î.Hr., cu aproape 6.000 de ani înainte ca Statuia șezândă a lui Gudea să fie sculptată. Vasele din ceramică (lut întărit prin căldură) erau folosite pentru depozitare și pentru numeroase nevoi cotidiene. Erau obiecte utilitare realizate de meșteșugari anonimi.

Printre grecii antici, însă, olăritul s-a ridicat la nivelul unei forme de artă. Însă, statutul indivizilor care au creat și pictat vasele nu a făcut acest lucru. Deși este posibil ca munca lor să fi fost căutată, acești olari și pictori erau totuși considerați artizani. Originile ceramicii care poate fi descrisă ca fiind specific grecească datează din jurul anului 1.000 î.Hr., în ceea ce se numește perioada proto-geometrică. În următoarele câteva sute de ani, formele vaselor și tipurile de motive decorative și subiecte pictate pe ele au fost asociate cu orașul în care erau produse, iar apoi, în mod specific, cu indivizii care au realizat și decorat vasele. Tipurile de vase semnate de olar și de pictor erau, în general, vase mari, decorate în mod elaborat sau altfel specializate, care erau folosite în scopuri rituale sau ceremoniale.

Acest este cazul Amforei Premiului Panathenaic, 363-362 î.e.n., semnată de Nikodemos, olarul, și atribuită Pictorului Procesiunii de Nuntă, al cărui nume nu este cunoscut, dar care este identificat prin similitudini cu alte vase pictate (Figura 1.11). Panathenaia era un festival ținut o dată la patru ani în onoarea Atenei, zeița protectoare a Atenei, Grecia, care este reprezentată pe amforă, un vas înalt, cu două mânere și gât îngust. Pe cealaltă parte a vasului de depozitare, Nike, zeița victoriei, îl încoronează pe câștigătorul competiției de box pentru care acest vas – care conținea ulei de măsline prețios din copacii sacri ai Atenei – a fost acordat de orașul Atena. Doar cei mai buni olari și pictori au fost angajați pentru a realiza vase care făceau parte dintr-o ceremonie atât de importantă și care dețineau un premiu atât de semnificativ. În timp ce marea majoritate a artizanilor nu se identificau niciodată pe lucrările lor, aceste persoane demne de luat în seamă erau deosebite și recunoscute prin nume. Semnăturile creatorilor demonstrau dorința orașului de a acorda un premiu de cea mai înaltă calitate; ele au acționat ca o promovare pentru olarul și pictorul de la acea vreme și i-au imortalizat de atunci. Cu toate acestea, nu trebuie uitat că premiul din interiorul vasului era considerat mult mai important decât vasul sau decât artizanii pricepuți care l-au creat.

Figura 1.11 Amforă cu capac pentru Premiul Panathenaic, Artist: Nikodemos, Autor: The J. Paul Getty Museum, (open content)

China a fost unită și condusă de mongolii din nord, mai întâi sub Kublai Kahn, în perioada cunoscută sub numele de Dinastia Yuan (1271-1368). Pictura în formă de pergament de mână Pear Blossoms a fost creată cu cerneală și culori pe hârtie în jurul anului 1280 de către Qian Xuan (c. 1235-înainte de 1307, China). (Figura 1.12) După instaurarea guvernului mongol, Qian Xuan a renunțat la obiectivul său de a obține o poziție de erudit-funcționar, așa cum erau cunoscuți birocrații cu studii superioare care guvernau China, și s-a orientat spre pictură. El a făcut parte dintr-un grup de artiști cunoscuți sub numele de pictori-școlari, sau literați. Lucrările pictorilor erudiți erau dezirabile pentru mulți admiratori ai artei, deoarece erau considerate mai personale, mai expresive și mai spontane decât picturile uniforme și realiste ale artiștilor profesioniști, instruiți. Cunoștințele sofisticate și profunde ale savanților-pictori în materie de filozofie, cultură și arte – inclusiv caligrafie – i-au făcut să fie bineveniți în rândul colegilor savanți și la curte. Ei făceau parte din clasa de elită a liderilor, care urmau tradițiile lungi și nobile din cadrul învățăturilor confucianiste de a se exprima cu înțelepciune și grație, în special în arta poeziei.

Figura 1.12 Flori de pere, Artist: Qian Xuan, Autor: Qian Xuan: Met Museum, (OASC)

China a fost unită și condusă de mongolii din nord, mai întâi sub Kublai Kahn, în perioada cunoscută sub numele de Dinastia Yuan (1271-1368). Pictura în formă de pergament de mână Pear Blossoms a fost creată cu cerneală și culori pe hârtie în jurul anului 1280 de către Qian Xuan (c. 1235-înainte de 1307, China). (Figura 1.12) După instaurarea guvernului mongol, Qian Xuan a renunțat la obiectivul său de a obține o poziție de erudit-funcționar, așa cum erau cunoscuți birocrații cu studii înalte care guvernau China, și s-a orientat spre pictură. El a făcut parte dintr-un grup de artiști cunoscuți sub numele de pictori-școlari, sau literați. Lucrările pictorilor erudiți erau dezirabile pentru mulți admiratori ai artei, deoarece erau considerate mai personale, mai expresive și mai spontane decât picturile uniforme și realiste ale artiștilor profesioniști, instruiți. Cunoștințele sofisticate și profunde ale savanților-pictori în materie de filozofie, cultură și arte – inclusiv caligrafie – i-au făcut să fie bineveniți în rândul colegilor savanți și la curte. Ei făceau parte din clasa de elită a liderilor, care urmau tradițiile lungi și nobile din cadrul învățăturilor confucianiste de a se exprima cu înțelepciune și grație, în special în arta poeziei.

Qian Xuan a fost unul dintre primii pictori erudiți care a unit pictura și poezia, așa cum face în Flori de pară:

Singurel lângă balustrada verandei,

Petele de grădină îmbibând crengile,

Chiar dacă chipul ei este lipsit de ornamente,

vechiul ei farmec rămâne;

După poarta încuiată, într-o noapte ploioasă,

cum este plină de tristețe.

Cât de diferit arăta ea scăldată în valuri de aur

de lumina lunii, înainte de căderea întunericului.

Poemul nu este menit să ilustreze sau să descrie pictura sa a ramurii cu frunzele și florile tinere și delicate; mai degrabă, liniile neregulate și legănate ale frunzelor și curbele ușor desfășurate ale florilor sunt menite să sugereze comparații cu cât de repede trece timpul – florile delicate se vor ofili în curând – și să evoce amintiri ale vremurilor trecute.

În China secolului al XIII-lea, așa cum a fost cazul în cea mai mare parte a istoriei acestei țări, semnificația unei picturi este strâns asociată cu identitatea artistului, precum și cu savanții și colecționarii care au deținut lucrarea de-a lungul secolelor următoare. Identitatea acestora este cunoscută prin sigiliile, sau ștampilele în roșu care acționează ca o semnătură, pe care fiecare le-a adăugat la opera de artă. Subiectele specifice și modul în care au fost reprezentate au fost asociate cu artistul și au fost adesea menționate în lucrări ulterioare ale altor artiști, ca semn de respect și recunoaștere a priceperii și expertizei maestrului anterior. În „Pear Blossoms”, așa cum se întâmpla adesea, poemul și caligrafia în care artistul l-a scris făceau parte din compoziția originală a întregului pergament pictat. Sigiliile adăugate și notele scrise de cercetătorii și colecționarii de mai târziu au continuat să completeze compoziția, precum și frumusețea și semnificația acesteia, în următorii șapte sute de ani.

Când James Abbott McNeill Whistler (1834-1903, SUA, a trăit în Anglia) a pictat Arrangement in Flesh Colour and Black, Portrait of Theodore Duret (Aranjament în culoarea cărnii și negru, portret al lui Theodore Duret) în 1883, el făcea trimiteri la mărcile de producător pe care olarii chinezi și japonezi le foloseau ca semnături pe ceramica lor în monograma pe care a adoptat-o pentru opera sa: un desen stilizat al unui fluture bazat pe inițialele sale. (Figura 1.13) Whistler a început să își semneze lucrările cu figura recognoscibilă, dar alterată, a unui fluture, care adesea părea că dansează, în anii 1860. El începuse să colecționeze porțelanuri și stampe japoneze și a fost extrem de influențat de culorile, modelele și compozițiile acestora, care reflectau principiile japoneze de frumusețe în artă, inclusiv simplitatea elegantă, liniștea, subtilitatea, naturalețea, frumusețea discretă și asimetria sau neregularitatea.

Figura 1.13 Aranjament în culoarea cărnii și negru: Portretul lui Theodore Duret, artist: James Abbott McNeill Whistler, autor: James Abbott McNeill Whistler: Met Museum, (OASC)

Whistler s-a numărat printre numeroșii artiști americani și europeni din a doua jumătate a secolului al XIX-lea care s-au simțit obligați să se desprindă de ceea ce credeau a fi constrângerile inhibitoare din modul în care și ceea ce erau învățați studenții de la arte și din sistemul de expoziții de artă tradiționale. Pentru Whistler și alții, astfel de restricții erau intolerabile; în calitate de artiști, trebuia să li se permită să își urmeze în mod liber propriile voci și căutări creative. Adoptând principiile japoneze ale frumuseții în artă, Whistler putea urmări ceea ce el numea „Arta de dragul artei”. Adică, el putea crea artă care nu avea alt scop decât să exprime ceea ce el, în calitate de artist, găsea că este înălțător, armonios și plăcut ochiului, minții și sufletului:

Arta ar trebui să fie independentă de toate prostiile – ar trebui să fie de sine stătătoare și să facă apel la simțul artistic al ochiului sau al urechii, fără a confunda acest lucru cu emoții complet străine de el, cum ar fi devotamentul, mila, dragostea, patriotismul și altele asemenea. Toate acestea nu au niciun fel de legătură cu ea; și de aceea insist să-mi numesc lucrările „aranjamente” și „armonii”. „4

Punerea artistului deoparte în acest fel, ca pe cineva cu calificări speciale și sensibilități în dezacord cu standardele culturale și intelectuale dominante, era departe de rolul jucat de un erudit-pictor precum Qian Xuan în China secolului al XIII-lea. Lucrările create de Qian Xuan erau în concordanță cu standardele predominante, în timp ce Whistler s-a gândit adesea la el însuși și la arta sa ca fiind în conflict cu convențiile din vremea sa. Continuând o noțiune sau o categorisire a artistului care a fost prezentă în Europa încă din secolul al XVI-lea (și, mai târziu, în Statele Unite), Whistler a fost geniul singular, creativ, a cărui artă a fost adesea neînțeleasă și nu neapărat acceptată.

Acesta a fost, într-adevăr, cazul. În 1878, Whistler a câștigat un proces pentru calomnie împotriva criticului de artă John Ruskin, care a descris tabloul lui Whistler din 1875, Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket, ca „aruncând un vas de vopsea în fața publicului”. (Figura 1.14) Până în jurul anului 1880, în urma acelui proces plin de ranchiună, Whistler a adăugat adesea un înțepător lung la monograma fluturelui său, simbolizând atât frumusețea blândă a artei sale, cât și natura energică, uneori usturătoare, a personalității sale.

4 James Abbott McNeill Whistler, The Gentle Art of Making Enemies (New York: Frederick Stokes & Brother, 1908), www. gutenberg.org/files/24650/24650/24650-h/24650-h.html

.